Memorabilis

Jane Austen's Fight Club

2010-07-27T13:48:00.000+02:00

Marga D'Andurain

2010-05-15T13:39:00.001+02:00

Θεσσαλονίκη, Thessaloníki

2010-05-14T19:55:00.000+02:00

Iran Revisited 1999-2009

2009-06-13T20:46:00.005+02:00

Iran Revisited 1999-2009

© copyright 2008 sanaz mazinani

Los negativos perdidos

2009-05-03T14:54:00.003+02:00

Después de varios meses de trabajo con el material original recuperado del maletín mexicano, el International Center of Photography de Nueva York ha completado el proceso de escaneado de las 4.300 imágenes de Robert Capa, Gerda Taro y David Seymour, Chim; y de dos rollos del fotógrafo Fred Stein con retratos inéditos de Capa y Taro en 1935, incluidos también en las tres cajas llegadas desde México.

Photo by Nicolas Silberfaden
© International Center of Photography

Ver la galería online

El maletín mexicano

2008-03-13T21:17:00.003+01:00

Un álbum de 34 páginas con la historia del “Maletín Mexicano” con los tres mil negativos perdidos de Robert Capa, de Gerda Taro, la fotógrafa compañera de Capa que murió en la contienda, y de Chim, otro de los fundadores de Magnum contada por Trisha Ziff.

Tres cajas con 127 carretes fueron descubiertas a finales de los 90, pero no han salido a la luz pública hasta ahora, cuando después de largas negociaciones los negativos han llegado al International Center of Photography, fundado por el hermano de Capa.

Moscú

2008-02-24T12:35:00.001+01:00

Via English Russia

Gerhard Richter

2008-01-19T20:43:00.000+01:00

La exposición "Gerhard Richter. Pinturas de Colecciones Privadas" reúne 60 obras realizadas durante las últimas cuatro décadas provenientes de importantes colecciones privadas.
Una importante muestra de su trayectoria pictórica que refleja la historia de la Alemania de posguerra y su concepción de la pintura como medio de expresión artística: desde el fotorealismo hasta la mayor abstracción de los 90, con composiciones marcadas por fuertes colores. Además lienzos de paisajes, de ciudades vistas desde el cielo y una serie de cuadros monocromáticos en gris.

En el Museo Frieder Burda de Baden-Baden (Alemania)

TIEMPO AL TIEMPO

2008-01-13T21:19:00.000+01:00

La conmemoración del V Aniversario del MARCO (Vigo) se celebra con "Tiempo al tiempo/Taking time" una muestra internacional y colectiva que analiza la obsesión por el paso del tiempo y el sentido de la historia.

Obra de David Lamelas

Roma

2007-05-20T10:50:00.001+02:00

ANTHONY POWELL

2007-03-28T11:33:00.000+02:00

† 28-III-2000

In bellowing distance of a genius

CARAVAGGIO

2007-02-20T11:06:00.000+01:00

Dario Fo teatraliza la vida y las obras del maestro del barroco italiano en "Caravaggio al tempo di Caravaggio".

DADA EN N.Y.

2006-06-27T13:42:00.000+02:00

En la exposición Dada organizada por el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York se resume la historia de este el movimiento artístico de vanguardia que se desarrolló en Nueva York y Europa a principios del siglo XX.

Unas 450 obras, incluidas pinturas, dibujos, esculturas, fotografías, revistas, grabaciones sonoras y filmes, ofrecen un recorrido por este movimiento artístico internacional, que tuvo como "capitales" a Nueva York, Zurich, París, Hannover, Berlín y Colonia. La exposición está organizada alrededor de estas seis ciudades, en las que el Dadá emergió como respuesta al racionalismo y a las atrocidades de la Primera Guerra Mundial.

Los dadaístas revolucionaron el lenguaje artístico de la época al experimentar con la abstracción, el azar, el humor, la ironía, el conocido como "readymade", el collage, el fotomontaje, el performance, los afiches y las revistas.

En esto fueron pioneros Marcel Duchamp, Man Ray, Francis Picabia, Hans Arp, Max Ernst, Kurt Schwitters, Tristan Tzara, Hans Richter, George Grosz y Raoul Hausmann, representados en esta exposición junto a otros 40 artistas.

JPOD

2006-06-22T11:01:00.000+02:00

JPOD, de Douglas Coupland
Editorial El Aleph

Ethan Jarlewski y sus cinco compañeros de trabajo conforman el jPod, un grupo de programadores de videojuegos sometido a las directrices absurdas de una multinacional. Incapaces de rebelarse y limitados por el lenguaje lógico y matemático de los ordenadores, los trabajadores sacrifican sus vidas privadas por el bien de la corporación. El contacto con los personajes del mundo exterior, entre los cuales se encuentra el propio Coupland y la madre del protagonista (una despiadada "viuda negra", narcotraficante), nos presenta un panorama humano amoral, condenado a la ignorancia y con una dudosa posibilidad de redención.

A través de una prosa frenética, desternillante y teñida de ironía, Coupland nos introduce en el mundo de un patético grupo de personajes que se definen a sí mismos como "deprimentes compendios de cultura pop y emociones reprimidas cuyas vidas están controladas por la forma más banal de capitalismo", o como "gente que vive perpetuamente preocupada por la posibilidad de quedarse obsoleta".

RETRATOS DE HOCKNEY

2006-06-21T10:59:00.000+02:00

A David Hockney sólo le gusta retratar a la gente que conoce bien, su amigos, amantes, socios y familares.

El Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) ha organizado la primera exposición de Hockney dedicada exclusivamente al retrato.

Utilizando el modelo más accesible, en sus autorretratos se representa a si mismo en su estudio, pintando, con sus modelos, homenajeando a su admirado Picasso...

Cuando pinta a otros, los retratos de Hockney muestran es la relación existente y cambiante a través de los años entre artista y modelo. Por ejemplo en los retratos de sus padres y especialmente en los de su madre, Laura. Estos retratos hablan mucho sobre la relación de Hockney con sus padres, que le apoyaron en su vocación artística desde el principio. La madre fue una paciente modelo que posó muchas horas para Hockney y que fue retratada por el artista prácticamente hasta su muerte.

Mr. and Mrs. Clark and Percy, 1970-71

REALIDADES ALTERADAS

2006-06-02T10:10:00.000+02:00

Enrique Marty, en Calle APOCALIPSTICK, ha transformado la galería Espacio Mínimo en un mini-mundo en el que, entre otras cosas, y sin tener en cuenta las proporciones habituales, ha ubicado tres salas de cine que proyectan sus nuevas películas y ha recreado, reducida, la representación total de la galería de arte, incluida la entrada de la calle, dentro de una de las salas de la propia galería que está habitada por personajes conocidos y que cuelga en sus paredes las pinturas a modo de carteles de las mismas películas que se han proyectado en ese mismo espacio en ocasiones anteriores.

VIRGINIA WOOLF

2006-06-01T20:36:00.000+02:00

En la web Talking to varios expertos dan respuesta a interrogantes sobre la vida y la obra de Virginia Woolf, respondiendo como lo haria ella misma.

HIELO Y NIEVE

2006-02-26T14:15:00.000+01:00

No todo es deporte en los Juegos Olímpicos de Turín.
El proyecto The Snow Show, presenta siete "construcciones" arquitectónicas de hielo nacidas de la colaboración de siete parejas de artistas y arquitectos de fama internacional: Daniel Buren y Patrick Bouchain, Carsten Holler y Williams and Tsien, Jaume Plensa y Norman Foster, Yoko Ono y Arata Isozaki, Kiki Smith y Lebbeus Woods y los italianos Paola Pivi y Cliostraat.

Jaume Plensa y Norman Foster
Where Are You?
Photo: Jeffrey Debany

ARTE EN TURIN

2005-11-28T13:24:00.000+01:00

"T1-Turín Trienal Tresmuseos", la trienal de arte contemporáneo organizada por tres instituciones artísticas: el Castillo de Rivoli, la Fundación Sandretto Re Reabaudengo y la Gam Galeria Civica de Arte Moderno y Contemporaneo de Turín, se desarrolla en siete sedes expositivas de la ciudad de Turín.

El síndrome de Pantagruel, una exposición con voluntad de convertirse en un acontecimiento trienal, presenta obras de 75 jóvenes artistas de todo el mundo, junto a monográficas de Doris Salcedo y Takashi Murakami.

En este proyecto los comisarios quieren establecer un diálogo entre las propuestas de los más jóvenes y el trabajo de artistas que ya han alcanzado una madurez en su lenguaje expresivo. Además, se quiere poner de manifiesto el desarrollo y el intercambio cultural que ha experimentado Turín y la región del Piamonte con el resto del mundo.

A partir de Pantagruel, figura creada en el siglo XVI por el francés François Rabelais, se establece un paralelismo entre esa criatura de proporciones enormes, la fuerza desmesurada y la voracidad de este personaje con la sociedad contemporánea. Se inicia un debate en torno al fenómeno del "gigantismo" y del "todo" a través de las manifestaciones artísticas y se recupera el discurso sobre las consecuencias de la globalización en el mundo de la creación.

EILEEN GRAY

2005-09-29T18:33:00.000+02:00

La exposición sobre Eileen Gray (1878-1976) en el Museo del Diseño de Londres reconoce a una de las personalidades más originales del diseño de la primera mitad del siglo XX, cuya obra influyó tanto en el modernismo como en el Art Déco.

Eileen Gray estudió en la Slade School of Design londinense y en plenos años 20 abre una galería en la famosa calle del Faubourg Saint-Honoré. Allí innovó con sus creaciones laqueadas, gracias a un método que había aprendido de un artesano japonés, y muebles ejecutados con los nuevos materiales industriales, sobre todo el acero tubular.

Diseñó muebles que combinaban el máximo confort con el mínimo espacio: sillas y hamacas plegables, que podían sacarse a la terraza o guardarse en cualquier sitio, una elegante mesilla circular de cristal y acero tubular que permitía desayunar en la cama, muebles con cajones que giraban sobre su eje.

Su primera gran exposición fue en el Salon des Artistes Décorateurs parisino en 1923, pero la crítica acogió muy negativamente su sofisticado tocador Montecarlo, que alguien dijo que parecía diseñado para la hija del doctor Caligari.

En esta exposición se muestran, además de algunos de sus originales muebles, planos y maquetas de dos de las casas que diseñó en el sur de Francia, cerca de Saint Tropez.

La primera, en forma de L, que llamó de modo críptico E-1027, la concibió junto con Jean Badovici y en ella empleó el mismo rigor e idéntica economía en los espacios interiores que en la arquitectura interior, con muebles empotrados y ventanas que aparecían y desaparecían según las necesidades del diseño.

Entre 1932 y 1934 Gray construyó con ayuda de artesanos locales otra casa, cerca de la primera, que bautizó Tempe á Pailla, en la que trabajó con artesanos locales, y para la que diseñó muebles cómodos, prácticos y sobre todo tremendamente versátiles.

Continuó trabajando hasta su muerte en París con 98 años, aunque pasó los últimos treinta años documentando sus trabajos en una serie de cuadernos en su apartamento de la calle de Bonaparte, y su descubrimiento por el gran público no llegó hasta 1968, gracias al crítico Joseph Rykwert.

Aartamento de Rue de Lota con su sofá Pirogue.

ANTHONY CARO

2005-07-18T21:04:00.000+02:00

"Yo nunca quise hacer algo impersonal, ni siquiera no figurativo. Mi preferencia por la escultura abstracta respondía a una búsqueda de algo más real, más verdadero y cercano a mis sentimientos y a mi rechazo a la imitación de las apariencias. Yo quería ir más allá de la belleza conocida y poder decir: Soy un escultor. Estoy aquí y éste es mi trabajo, no es sólo la naturaleza".
Hasta el 4 de Septiembre Anthony Caro en el IVAM de Valencia y en la Summer Exhibition de la Royal Academy of Art de Londres.

Table Piece CCLXVI

INFLUENCIAS

2005-05-31T15:16:00.000+02:00

La exposición "Art of Tomorrow: Hilla Rebay and Solomon R. Guggenheim" analiza el decisivo papel que tuvo Hilla Rebay von Ehrenwiesen (1890-1967) como fundadora del Guggenheim Museum de Nueva York y como artista.

Hilla Rebay estudió arte en Munich, Berlín y París; su círculo de amigos de la época incluia a Jean Arp, Rudolf Bauer, Juan Gris, Vasily Kandinsky, Fernand Léger, Ben Nicholson, Pablo Picasso, Hans Richter, Kurt Schwitters...

Cuando en 1927 Solomon R. Guggenheim, que ya poseía una de las mayores fortunas de Estados Unidos, conoce a "la baronesa" Rebay, el mundo del arte cambia para siempre. Guiado por ella descubre a Kandinsky, conoce a artistas de las vanguardias que se encontraban exilados en el país y comienza a interesarse por el universo abstracto.

Guggenheim subasta su colección de arte antiguo. Ella le convence para que coleccione pintura no-objetiva, que es como denominaban al arte abstracto y él la invita a ayudarle en la creación de lo que hoy representa una de las mejores colecciones de arte moderno del mundo, la fundación Guggenheim y el Museo de arte no-objetivo (ahora Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York).

Establecida la Fundación Guggenheim en 1937, Rebay comienza a organizar exposiciones desde 2 años más tarde y hasta el momento de su retiro, poco tiempo después de la muerte de Solomon R. Guggenheim, en 1959.

PIES EXPRESIVOS

2005-05-26T12:35:00.000+02:00

Durante los últimos 20 años el fotógrafo de prensa Roland Owsnitzki ha fotografiado conciertos de rock desde el foso, hasta aquí nada extraño, salvo que para el proyecto "Feet me" ha limitado su campo de acción a lo que tenía a la altura de los ojos: los pies.

Nick Cave 30.06.86

MUJERES VICTORIANAS

2005-05-25T14:22:00.000+02:00

Con talento, energía y temperamento se atrevieron a enfrentarse a los convencionalismos sociales y a las presiones familiares con tal de ser ellas mismas.
Durante la época victoriana, una época caracterizada por el ascenso de la burguesía y la reafirmación de la mujer, ellas se hacen con nuevos papeles femeninos: actrices, botánicas, poetas, novelistas, viajeras, escultoras, astrónomas, cortesanas, investigadoras...

"Before Victoria: Extraordinary Women of the British Romantic Era" en la Biblioteca Pública de Nueva York.

Dora Jordan (1752 - 1816), la actriz cómica del momento.

DRAMAS DIARIOS

2005-05-19T21:17:00.000+02:00

Ambientes oníricos, inquietantes. drama interior, soledad, aislamiento. Escenas en suburbios estadounidenses poblados por presencias inexplicables y misteriosas. Paisajes desolados, calles vacías.

Gregory Crewdson, precursor de un grupo de fotógrafos que combinan la fotografía documental tradicional con elementos de ficción, propone en "Beneath the roses" 20 fotografías que representan escenarios cotidianos con una enorme carga de irrealidad; con evidentes analogías cinematográficas, en la construcción de la imagen, la iluminación, los actores, y un ambiente digno de obras de Hopper o de relatos de Raymond Carver.

Imágenes oscuras iluminadas por ejes de luz, como si alguna fuerza exterior entrara en contacto con los habitantes de un mundo imaginado

En la Galería White Cube de Londres.

CELEBRANDO

2005-05-18T13:31:00.000+02:00

Hoy es el Día Internacional del Museo. Esta celebración, promovida por el ICOM (Consejo Internacional de Museos) se centra este año en el patrimonio cultural material e inmaterial que es cada vez más reconocido como un factor decisivo en los procesos de desarrollo económico y turístico de la sociedad actual, sirviendo como herramienta de afirmación de la identidad cultural de cada pueblo.

Se ha establecido como lema para la celebración de este año: "El Museo, puente entre las culturas"; este lema hace referencia a la integración cultural y el papel social del museo como lugar de intercambio entre culturas. Este intercambio se realiza a través de los bienes que en él se alberga los cuales son el reflejo de la tradición, costumbres y modo de ser y pensar de los pueblos.

VEDUTTE

2005-05-12T11:53:00.000+02:00

La exposición "Canaletto y el triunfo de las vistas" en el Palacio Giustiniani de Roma, exhibe las "vistas" y los paisajes con los que tanta fama conquistó Antonio Canal "Canaletto" (1697-1768), en 31 óleos y 33 dibujos y grabados.

La muestra se centra en los veinte años que preceden su marcha a Londres en 1746, cuando sus obras eran ya objeto de culto del coleccionismo internacional hasta el punto de abrir el camino a una legión de seguidores e imitadores.

Venecia vista desde el Canal Grande o desde la Plaza de San Marcos, con el Palacio Ducal, sus puentes, sus iglesias, sus torres y sus góndolas. Venecia imaginada, perspectivas imposibles, con puntos de vista desde las alturas, edificios engrandecidos, estilizados o cambiados de lugar.

Junto al Canaletto pintor, la exposición ofrece una interesante retrospectiva de su faceta como dibujante, en la que los motivos venecianos se mezclan con los grandes vestigios de la Roma antigua.

Vista de la Plaza de San Marcos

FOTOGRAFIANDO LO COTIDIANO

2005-05-05T13:16:00.000+02:00

André Kertész (1894-1985) inició su carrera fotográfica en 1912, cuando compró su primera cámara y comenzó a fotografiar escenas cotidianas de su Budapest natal.
En 1925 se trasladó a París, donde inicia una relación con el mundo artístico de Montparnasse, se instala como fotógrafo ilustrador; fotografia a Leger, Mondrian, Chagall, Brancussi, Collete...Trabaja independientemente para revistas francesas, alemanas y británicas. Conoce a Brassai y Cartier-Bresson.

En 1936 emigra a Estados Unidos, donde trabaja realizando fotografías de arquitectura para diversas publicaciones gráficas y como freelance de revistas como Harper's Bazaar y Vogue.
Su trabajo no se da a conocer al gran público hasta que en 1964 el MOMA organizó una exhibición individual de su obra. A partir de ese momento su obra fue expuesta en los principales museos internacionales y su obra reconocida como una importante influencia en el nacimiento del fotoperiodismo y de la fotografía artística.

En los años 60 se siente atraído por los edificios de la ciudad, creando unas imágenes abstractas, tomadas desde su casa, en una planta 12, donde se dominaba Washington Square, relegando a un segundo plano el papel de la gente.

André Kertész en la Galería Nacional de Arte de Washington.

CARRACI

2005-04-26T13:48:00.000+02:00

En el Museo del Prado la restauración de "Venus, Adonis y Cupido" de Annibale Carraci (1560-1609) ha revelado la gran calidad del lienzo que se ocultaba bajo repintes antiguos y sucesivas capas de barnices oxidados.

La escena del encuentro y enamoramiento de Venus y Adonis recreada por Carracci se muestra junto a las pinturas que Tiziano y Veronés dedicaron a otros momentos de la secuencia de estos amores mitológicos narrados por Ovidio en las Metamorfosis.
El cuadro de Carracci representa el momento del encuentro y el enamoramiento; el de Veronés, el reposo de los dos amantes y el de Tiziano, el momento de la partida fatídica de Adonis que, alertado por sus perros de presa, se aleja de Venus para ir a cazar al jabalí que le dará muerte.

Además cuatro grabados y dos dibujos contribuyen a explicar el proceso creativo seguido por Carracci, y una serie de piezas muestran la restauración llevada a cabo en la obra, entre las que se encuentran las radiografías que permiten apreciar algunos de los "pentimenti" del pintor.

PIRANESI VERSUS VIK MUNIZ

2005-04-20T12:42:00.000+02:00

Vik Muniz recrea las "Cárceles" de Piranesi en "Prisons of the Imagination".
Las "Invenzioni Capric[ci] di Carceri" de Piranesi, visiones imaginarias de prisiones en arquitecturas imposibles, fueron grabadas en dos series. La primera edición de los grabados fue publicada en 1745 y fechada por su autor en 1742; dicen que estas imágenes son resultado de los delirios febriles ocasionados por la malaria que sufriera en la campiña romana.
Y enn 1761 hace una segunda edición de sus "Prisiones", agregando dos más a las catorce láminas precedentes.

En esos grabados Piranesi transforma las ruinas romanas en fantásticos y enormes calabozos dominados por largos y oscuros pasadizos, empinadas escaleras a increíbles alturas y extrañas galerías que no conducen a ninguna parte.
Ahora Vik Muniz recrea esos espacios imaginados en esta serie de reproducciones de reproducciones; no con la intención de imitar o mejorar el original, sino con la de animar al espectador a revisitar el original.

Vik Muniz
Carceri IV, La gran Plaza

MAGRITTE

2005-04-12T11:38:00.000+02:00

El Foro de las Artes de Viena inaugura la exposición de 70 lienzos "René Magritte: la llave de los sueños” (nombre de uno de sus cuadros); la muestra está dispuesta en orden cronológico y muestra las obras de Magritte (1898-1967) desde mediados de los años 20, bajo la influencia de la pintura metafísica del italiano Giorgio de Chirico, hasta los años 60.
Todas ellas, en su conjunto, ayudan a redescubrir a un artista que, nacido del surrealismo, se convirtió en referente para muchos creadores de generaciones posteriores y movimientos artísticos como el pop y el arte conceptual.

El imperio de las luces (1954)

MAX ERNST

2005-04-06T13:15:00.000+02:00

El Metropolitan de Nueva York inaugura la primera retrospectiva organizada en EEUU en los últimos treinta años de Max Ernst, cofundador del movimiento dadá y del surrealismo.
La exposición reunirá unas 175 obras que recorren el desarrollo estilístico, técnico y temático del artista, desde su primera aproximación al cubismo/expresionista hasta sus novelas-collages y pinturas realizadas con técnicas innovadoras.

Fue el trabajo de Giorgio de Chirico el detonante del nuevo rumbo que tomaría la obra de Ernst en la década de los años 20, que se manifestó en "collages" y en las que hoy estilísticamente se consideran primeras pinturas surrealistas.

Entre éstas pinturas "protosurrealistas" destacan "Elefante Celebes" y "Ubu Imperator", que, muy al estilo de De Chirico, presentan asociaciones ilógicas de partes y elementos en paisajes solitarios de perspectivas confusas y bañados de duras sombras.

Poco después de realizar estos trabajos, Ernst comenzó a experimentar con la técnica semiautomática del "frottage", que consiste en frotar grafito o pastel sobre papeles colocados encima de superficies de rica textura, a fin de "grabar" sus diseños. Ernst aplicaría luego ésta técnica a la pintura, un proceso que acuñó como "grattage" y que utilizaría para representar bosques, conchas marinas, flores y pájaros.

El artista adoptaría posteriormente la técnica "decalcomanía", que se logra al aplicar una capa de pintura sobre el lienzo y luego un trozo de papel o vidrio encima que, al ser presionado y levantado, deja patrones y manchas de formas orgánicas.

En sus pinturas solía representar bosques, ciudades en ruinas y materia orgánica en descomposición, así como mujeres cubiertas de plumas o con cabeza de pájaro, bestias y seres deformes, temas alejados de la realidad política de ese momento.

En los años 40, Ernst se mudó a Arizona con su cuarta esposa, la pintora estadounidense Dorothea Tanning, donde pintaría escenas que reflejan los saturados colores del paisaje desértico y donde se aproximaría, tangencialmente, a la abstracción.

Ernst regresó a París en 1953, y murió allí el 1 de abril de 1976, la noche antes de cumplir 85 años.

Los cormoranes, 1920.

EL MONTMARTRE DE TOULOUSE-LAUTREC

2005-03-28T20:51:00.000+02:00

"Toulouse-Lautrec y Montmartre", organizada por la National Gallery de Washington, es la mayor retrospectiva que se haya realizado de Toulouse-Lautrec, después de las de 1991 y 1992 en París y Londres.
Se han reunido más de 250 piezas de la década de 1885 a 1895, dentro de las que destacan sus pinturas más famosas y 12 de las 50 litografías que realiza a la bailarina Loïe Fuller.

Fue en 1881 cuando abandonó la casa familiar, se traslada a París y entra en el taller de Bonnat; a partir de 1885 comienza a manifestar un estilo personal, con un estilo fundamentado en la línea y en el dibujo con zonas de color amortiguado muy parecidas con las estampas japonesas.
En este período comenzó a frecuentar los cabarés y los lugares de reunión de Montmartre; ilustra bailes, cabarets, circos, burdeles, cafés...; y entre otros muchos, diseña el cartel publicitario del cabaret Moulin Rouge, en cuyo vestíbulo exponía las obras que no fueron admitidas en el Salón de París por ser consideradas inaceptables.

En el Moulin Rouge, 1892/1893

AZTECAS

2005-03-15T13:03:00.000+01:00

Después de arrastrar masas en Londres, Berlín y Nueva York, la exposición El imperio azteca, considerada la muestra más completa sobre la historia, arte y cultura de esa civilización prehispánica, llega al Museo Guggenheim de Bilbao el próximo viernes.

Se trata de la exposición internacional más importante sobre la cultura mexicana ya que se exhiben por primera vez juntas cerca de 600 piezas prehispánicas y coloniales. La muestra se articula en diez temas, distribuídos en once salas que reflejan desde el ambiente geográfico que caracterizó el territorio mexicano de la época, hasta la conquista española, ofreciendo una recreación profunda de la sociedad azteca desde sus orígenes, hasta la culminación del ocaso de su poderío.

Entre las obras de piedra y barro, los códices, cerámicas y joyería de la muestra destacan piezas como la Ofrenda del Dios Rojo (que se mostrará por primera vez en Europa ), la Coatlicue o Chicomecóatl, deidad de la tierra y la fertilidad; la Venus de Texcoco, y la figura de la Coyolxauhqui, diosa lunar que simbolizaba a los pueblos derrotados por los aztecas, entre otras, que reproducen en su conjunto el periodo arqueológico conocido como Postclásico Tardío.

BASQUIAT

2005-03-07T20:31:00.000+01:00

Murió en su ciudad, Nueva York, antes de cumplir los 28 por una sobredosis de heroína. Le inspiraban Picasso, el arte africano, el jazz y los trazos infantiles; le gustaba dibujar coronas y eses en los fondos de sus cuadros, llenarlos de enigmas y símbolos que solo eran capaces de descifrar los que le conocían bien.

La última gran retrospectiva realizada sobre el trabajo de Jean-Michel Basquiat (Nueva York, 1960-1988) en el Brooklyn Museum expone por primera vez en Estados Unidos más de 70 pinturas y 55 obras en papel de Basquiat, incluyendo los 32 dibujos de la Suite Daros, realizados por el artista tras su relación con el coleccionista Thomas Ammann.

De 1980 a 1982, su dedicación al graffiti favoreció el cambio de opinión de la crítica especializada con respecto a esta técnica. Durante este primer período, Basquiat inserta en su obra la visión de la realidad de los barrios bajos de Nueva York, los fragmentos que conserva de lo aprendido en su niñez.

Entre 1982 y 1985, este rescate de signos del pasado se consolida: imágenes vudú, tótem, arcanos.... También en estos años, reivindica su raza mediante retratos que rinden tributo a músicos, escritores y líderes negros en innumerables disciplinas, principalmente en el arte y el deporte, donde destacan los boxeadores y los jugadores de baloncesto.

Por último, desde 1986 y hasta su muerte, la acción de Basquiat se refina. Aunque sigue buceando en las mismas obsesiones que le persiguieron desde su adolescencia, empieza a mirar hacia Europa y su legado pictórico.

RETRATOS

2005-02-16T21:12:00.000+01:00

"Los retratos de Memling", una exposición organizada por el Museo Thyssen-Bornemisza en colaboración con el Groeningemuseum de Brujas y la Frick Collection de Nueva York, reúne casi la mitad de la producción retratística de uno de los pintores holandeses más destacados del siglo XV.

La muestra está concebida como un recorrido cronológico que permite observar las diversas variaciones que logra el pintor en su estilo de retratos.
La producción de Memling fue eminentemente de temática religiosa, y en ella el conjunto de los retratos, 30 en total, constituye lo más original, donde introdujo suaves paisajes como fondos de sus retratos, motivo que empleó con más asiduidad para representar a sus clientes italianos, una de sus grandes innovaciones dentro del género.
En los retratos los fondos de campos o terrazas sirven para realzar las figuras, representadas en tres cuartos o de medio cuerpo, una novedad dentro de la retratística flamenca del momento, y también jugó con los marcos de las tablas para aumentar los efectos espaciales de sus modelos.

Sus obras mas tempranas se caracterizan por un moldeado liso y tenso, de una cierta frialdad, mientras en los mas tardíos la pincelada se vuelve ágil y espontánea, su técnica es más suelta y al tiempo forma y segura, y por encima de todo su maestría en la ejecución, virtuosismo y precisión en la definición de los rasgos de la cara y los detalles del traje o los paisajes.

Retrato de hombre desconocido
1490

PUERTAS

2005-02-10T13:10:00.000+01:00

Ya es una realidad The Gates, la obra de Christo y Jeanne-Claude en la que se instalarán temporalmente 7.500 puertas de 4,9 metros de alto, de cada una de las cuales colgarán telas de color azafrán.

Las puertas se están colocando a lo largo de 37 kilómetros de senderos y podrán ser vistas sólo durante dos semanas, hasta el 27 de febrero, tras lo cual serán desmontadas y se reciclarán las 4.799 toneladas de acero y los 187.311 Km. de hilo de nylon.

En el blog The Gates @ Central Park se pueden subir fotos, comentarios y críticas de los visitantes.

+ fotos en www.fotolog.net/the_gates

ARTE ES VIDA, VIDA ES ARTE

2005-02-07T19:41:00.000+01:00

Las vitrinas e instalaciones de Joseph Beuys, el artista alemán más influyente del siglo XX, llegan a la Tate Modern de Londres en la mayor retrospectiva de los últimos 10 años dedicada en Europa al llamado "poeta de la grasa".
En las 10 salas de la Tate que ocupa la exposición el espectador puede recorrer las tres áreas del universo creativo del autor: sus vitrinas, sus performances y sus instalaciones.

Una de las salas acoge 16 vitrinas, instalaciones en miniatura que guardan todo tipo de objetos y materiales, un maletín, una botella, basura, una flor o tierra, entre los que predomina el sebo, que Beuys utilizó durante toda su carrera.

Su predilección por las grasas animales parece tener su origen en una experiencia vivida en la Segunda Guerra Mundial, en la que casi pierde la vida; en 1944, su avión fue derribado sobre Crimea y el artista fue rescatado por nómadas tártaros que salvaron su vida gracias a los cuidados que le prodigaron, curándole de sus heridas y protegiéndoles del frío con grasa y piezas de fieltro.

La instalación "El paquete" (1969) consta de una vieja furgoneta Volkswagen de la que cuelgan una treintena de trineos equipados con linternas y bolas de sebo.
Ese trabajo evoca el accidente de Crimea y supone una metáfora de la supervivencia humana, pues, según el propio autor, "la Volkswagen es de utilidad limitada en caso de emergencia, y medios más directos y primitivos deben adoptarse para garantizar la supervivencia".

INMATERIAL Y MONOCROMO

2005-02-01T13:37:00.000+01:00

Desde ayer y hasta el mes de mayo se podrá visitar en el Museo Guggenheim Bilbao la exposición "Yves Klein", una retrospectiva que recorre la trayectoria artística de este creador que pese a lo prematuro de su muerte en 1962 a los 34 años y lo corta de su carrera (7 años), fue precursor de muchas de las tendencias artísticas predominantes en el panorama artístico internacional de la segunda mitad del siglo XX como el happening, la performance, el arte corporal o el arte conceptual, así como de la pintura monocromática.

En esta retrospectiva se podrán ver ejemplos de cada una de sus etapas pictóricas: sus primeras pinturas monocromas en naranja, amarillo, verde, rojo, negro o blanco; las famosas monocromías azules y los relieves y esculturas de esponja; sus polémicas antropometrías, para las que utilizaba modelos femeninas a modo de brochas vivientes; las monocromías doradas y sus experimentos finales con fuego y elementos de la naturaleza.

Salto al vacío de Yves Klein.

BOTERO EN SINGAPUR

2005-01-24T13:47:00.000+01:00

La obra de casi tres décadas del artista Fernando Botero se expone en el Museo de Arte de Singapur, son más de 70 pinturas y dibujos y 36 monumentales esculturas en bronce, 22 de las cuales se exhiben en el Aeropuerto Changi y en otros locales alrededor del Centro de Arte de la Explanada marítima
Diez de las esculturas mostradas están a la venta por un precio de 850.000 dólares cada una.

Desde los años 60, Fernando Botero se dedica a la pintura, tomando como bases el Renacimiento, la pintura Barroca y la tradición colonial de América Latina; es en esta época cuando comienza a experimentar con el volumen de sus creaciones, expandiendo sus figuras y comprimiendo el espacio alrededor de ellas.
En los 70 se inclina por la escultura, durante este tiempo estuvo dedicado de lleno al bronce, mármol y la resina fundida

TURQUIA

2005-01-19T13:38:00.000+01:00

La exposición "Turcos, un viaje de 1000 años" que se inaugurará el sábado en la Royal Academy of Arts de Londres examina la riqueza artística y cultural turca partiendo del Asia profunda y llegando más allá de Estambul.

Estudia un milenio completo, del 600 al 1600 d.C., a través de una amplia selección de más de 350 obras (obras textiles, cerámica, artesanía en madera y metales, manuscritos y caligrafías) provenientes de los dos principales museos turcos: el Topkapi Saray y el Museo de arte turco e islámico de Estambul.

La exposición abarca cuatro imperios turcos; empezando por el del nómada Uyghurs del siglo VII, incluye obras de los imperios Seljuk, Timurid y termina con el Imperio otomano desde el reinado de Mehmet II hasta Solimán el Magnífico, incluida la caída de Bizancio y la expansión extraordinaria del Imperio otomano hasta La Meca.

INGENIOS

2005-01-12T13:42:00.000+01:00

El Palacio Corsini de Roma acoge una exposición internacional itinerante sobre el Código Atlántico de Leonardo da Vinci.
Para esta muestra, de entre las 1.286 piezas de las que se compone el códice, han sido elegidas 70 obras, que son las originales de la edición de Ulrico Hoepli, cuidada y custodiada por la Accademia dei Lincei.
El trabajo de reconstrucción de Hoepli, llevado a cabo entre los años 1894-1904, constituye una fiel copia del original que se encuentra en la Biblioteca Ambrosiana de Milán. Ese original fue salvado de su pérdida o dispersión por Pompeo Leoni, un escultor, coleccionista y gran admirador de Leonardo, que durante la segunda mitad del siglo XVI recopiló las partes que más le interesaban del Código y compiló el documento.

Junto a las piezas del Código, la exposición se completa con reproducciones de inventos y máquinas cedidas por el Museo Leonardiano de Vinci, el Instituto y Museo de la Ciencia de Florencia y la Colección Boldetti.

El Código Atlántico es el más importante y amplio de los 10 famosos códigos en los que fueron divididos sus manuscritos; Leonardo nunca publicó o distribuyó los contenidos de sus manuscritos, éstos permanecieron ocultos hasta el siglo XIX.

2004-12-23T12:27:00.000+01:00

Museos.es

ANIMALES

2004-12-23T11:50:00.000+01:00

El Museo Metropolitano de Nueva York es el escenario en el que 80 creadores muestran sus diseños inspirados en pájaros, bestias, pieles y plumas en la muestra que, Salvaje: la moda sin domesticar.
Reúne más de cien trajes y otros accesorios cuya principal inspiración son los pájaros y las bestias, las pieles y las plumas como síntesis de la parte más viva y salvaje de la naturaleza.

LOS OJOS DE LA GENTE

2004-12-13T21:09:00.000+01:00

En la Whitechapel la exposición "Faces in the Crowd" estudia la representación de la figura humana como expresión de la modernidad.

El título de la exposición está tomado de este poema que Ezra Pound escribió inspirado por un trayecto en el metro de París en 1913,

In a station of the metro

The apparition of these faces in the crowd;
Petals on a wet, black bough.

En una estación del metro

La aparición de estos rostros en la multitud;
pétalos en una mojada rama negra.

Partiendo de "Baile de mascaras en la Opera" de Edouard Manet, en la que el artista posa con algunos de sus amigos rodeados de los demás participantes en el baile, se establece un recorrido por algunas de las obras maestras del arte figurativo de vanguardia y contemporáneo.

HUIDA

2004-12-10T19:43:00.000+01:00

El 28 de mayo de 1606 Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio, juega en un equipo de cuatro personas una partida de pelota en el Campo Marzio. El juego degenera en riña, los ocho jugadores llegan a las manos, y Caravaggio y Ranuccio Tomassoni, jefe de una banda de maleantes, se baten en una especie de duelo. Caravaggio, mata a su contrincante y huye; jamás volvería a Roma, la ciudad donde había alcanzado la fama.

Esta huida dejó una serie de obras muy dispersas y difíciles de rastrear. El museo de Capodimonte de Nápoles, con la colaboración de diez museos y una veintena de préstamos privados ha reunido 19 de sus obras y presenta 5 lienzos más como propuestas de atribución. Además, completan esta visión 9 copias de autores menores de originales que se dan por desaparecidos.

Su última huida le llevó primero a varios pueblos del sur del Roma, propiedad de la familia Colonna. Desde allí, se fue a Nápoles, donde cumplió varios encargos sublimes, como 'Las obras de la Misericordia' y 'La flagelación', pero el temor a ser apresado le empujó a embarcarse hacia Malta, donde nada sabían de sus problemas con la justicia. Allí logra que le nombren caballero y realiza varios retratos y lienzos.

Sin embargo, una nueva bronca le llevó también a la cárcel. No se sabe cómo, pero logró escapar y recalar en Sicilia. En la isla, entonces borbónica, trabajó de 1608 a 1609 entre Siracusa, Messina y Palermo. Pero no conseguía pasar inadvertido: le denunciaron por molestar a alumnos y tuvo más peleas.

De nuevo regresó a Nápoles, pero nada más llegar le dieron un paliza que lo dejó malherido. La tenebrosidad de sus obras ya es abrumadora y le persiguen las imágenes de torturas, martirios y sobre todo la decapitación, la pena que pesaba sobre él. En la muestra hay cinco, con el pretexto temático de Salomé y Goliat. Entre ellas su famoso autorretrato en la cabeza que sostiene David.

Caravaggio pensó en volver a Roma y se embarcó hacia Porto Ercole, al norte de la ciudad. Llevaba encima tres lienzos. Fue detenido otra vez, al parecer por un error de identidad, y liberado a los dos días, pero ya estaba muy enfermo.
Falleció, triste y solo en la playa, el 18 de julio de 1610.

DISEÑANDO PARA LA MUJER MODERNA

2004-12-01T13:13:00.000+01:00

La exposición "Shocking! The Art and Fashion of Elsa Schaparelli", organizada por el el Museo de Arte de Filadelfia y que se pudo ver este verano en el Museo de la Moda de París, homenajea a la diseñadora italiana Elsa Schiaparelli (1890-1973) con la muestra de 250 de sus modelos y diseños que permiten recorrer la obra de esta "artista que hace vestidos", como la calificaba su gran rival, Coco Chanel.
Schiaparelli se auto calificaba como "una modista inspirada".

La exposición se propone explicar el genio creativo de "una mujer de ideas, cuyos amigos eran los surrealistas y que hizo realizar sus modelos por los más grandes artistas franceses", la conservadora del museo, quien también señala que Schiaparelli fue "la primera que inventó el desfile-espectáculo, esto es, el tema para una colección".

Schiaparelli nació en Roma en el seno de una familia burguesa y en 1916 conoció a Gabrielle Picabia, la mujer del pintor dadaísta Francis Picabia, quien le presentaría después al pintor y fotógrafo Man Ray.
Tras separarse poco después de su marido, Elsa Schiaparelli se instaló en París, donde se reencontró con sus amigos artistas y conoció a Jean Cocteau, Salvador Dalí y Pablo Picasso.

Después de trabajar como diseñadora en una pequeña firma de moda, decidió abrir su propia casa de alta costura en el número 21 de la Plaza Vendome.
Sus prendas sport, sus trajes de calle y sus trajes de noche harían furor entre las más elegantes de la capital francesa.
Muchas de sus creaciones más innovadoras se deben a la colaboración con la casa Lesage, los grandes bordadores de esos años, como su colección "Circo" (1938) o "La Música" (1939).

REALIDADES Y SUEÑOS

2004-11-30T14:54:00.000+01:00

La pintora Paula Rego expone por partida doble en el Museo Serralves de Oporto y en la Tate Britain.

En la exposición de Oporto, presenta una selección de obras producidas a partir de 1996 que inciden en la relación entre su pintura y el diseño; por primera vez presentará los diseños preparatorios de sus pinturas y una nueva serie de trabajos realizados expresamente para esta exposición en los que el tema de referencia es la ciudad de Oporto.

Y en la muestra de la Tate Britain, se reúnen dibujos y pinturas representativas de una buena parte de su producción, desde esos primeros collages y obras en las que las figuras semi-abstractas y la técnica del dibujo automático la aproximan al surrealismo, hasta obras recientes, algunas nunca antes expuestas, como The Pillowman (2003), pasando por aquellas más conocidas para el público, como The Dance (1988).
De esta última, Rego llegó a hacer hasta once dibujos preliminares diferentes y en cada uno de ellos jugaba con distintas actitudes, expresiones de los personajes y composiciones, en su afán por explorar los distintos roles femeninos que se establecen entre mujeres y entre mujeres y hombres.

La investigación sobre la feminidad y sobre las relaciones ha acaparado en los últimos años la producción de Paula Rego, ocupándose menos de temas políticos y más de aspectos de carácter autobiográfico.

REMODELACIÓN

2004-11-19T14:18:00.000+01:00

De Queens a Manhattan.
425 millones de dólares después se reabre la nueva sede del Museo de Arte de Nueva York tras dos años y medio de iniciado el proyecto de ampliación y remodelación. También se conmemora el 75 aniversario del museo, que cuenta con la colección de arte moderno y contemporáneo más importante del mundo.

La obra del arquitecto japonés Yoshio Taniguchi eleva a seis los pisos del MoMA y tiene como eje central un amplio atrio alrededor del cual se han dispuesto las galerías que albergan su colección de 150.000 esculturas, pinturas, dibujos y fotografías.

Tiene fachada de cristal y piedra y ventanas que permiten la entrada de luz natural y que hacen que la arquitectura de Manhattan sea parte de las galerías.
Según el director del MOMA: "Taniguchi ha expuesto al museo a la ciudad, dejando a los visitantes crear una nueva relación entre las galerías y el paisaje exterior a través de las aberturas de cristal dispuestas en las paredes".

JUZGAR

2004-11-16T15:18:00.000+01:00

El polémico Premio Turner ya tiene finalistas para este año. La Tate Britain realiza una exposición con la obra de los artistas seleccionados: Kutlug Ataman, Jeremy Deller, Langlands & Bell y Yinka Shonibare, de entre los cuales saldrá el ganador el día 6 de diciembre.

La pareja formada por Ben Langlands y Nikki Bell, con un proyecto incluye una animación digital interactiva de una casa que ocupó Bin Laden en las montañas afganas a finales de los 90 y varias construcciones que utilizan los logotipos de las organizaciones no gubernamentales activas en ese país.

Otro de los finalistas, Jeremy Deller presenta una instalación en la que destaca su vídeo "Memory Bucket" (Cubo de la Memoria), un documental político rodado en Texas , y que completan un documental sobre una marcha en San Sebastián durante la bienal de arte "Manifesta 5" y una serie fotográfica relacionada con un conflicto minero británico.

En el vídeo "Twelve", Kutlug Ataman mezcla realidad y ficción y muestra como varios individuos de distintas edades de una comunidad árabe del sureste de Turquía que cree en la reencarnación, cuentan ante la cámara su experiencia personal de la muerte y posterior resurrección.

El último de los cuatro seleccionados este año es el anglo-nigeriano Yinka Shonibare, que presenta un mundo a mitad de camino entre el rococó europeo y el exotismo colorista del continente negro.

Yinka Shonibare
Maxa, 2003
Colección Melva Bucksbaum y Raymond Learsy.

RAFAELLE D'URBINO

2004-11-09T18:07:00.000+01:00

La National Gallery de Londres alberga la exposición "Rafael: de Urbino a Roma", que pretende mostrar la evolución estilística desde los orígenes de Rafael (1483–1520) en su ciudad natal de Urbino, hasta su consagración en la capital italiana bajo el patronazgo del Papa Julio II.

También se explorará el contexto histórico en que el maestro creó sus obras y el desarrollo de las técnicas que empleó.

Para la exposición se han reunido pinturas y dibujos provenientes tanto de los fondos de la Galería Nacional de Londres como de préstamos de otras relevantes colecciones internacionales: la "Madonna de Alba", de la Galería Nacional de Washington, y la "Madonna del Condestable", del Hermitage de San Petersburgo; un autorretrato de Rafael, procedente de la Galería de los Uffizi, y "San Jorge" y "San Miguel", de El Louvre.

ESCULTURAS

2004-11-04T13:56:00.000+01:00

Para conmemorar los cien años del nacimiento del artista norteamericano de origen japonés Isamu Noguchi, el Whitney Museum de Nueva York le dedica una importante exposición centrada exclusivamente en su faceta como escultor e integrada por sesenta piezas y 20 dibujos.

"Isamu Noguchi. Master Sculptor" dará a conocer la variada producción del artista, empezando por sus esculturas constructivistas realizadas bajo el impacto de la obra de Brancusi, hasta llegar a sus esculturas lunares, sus esculturas totémicas de mediados de los cuarenta o sus piezas de piedra de los sesenta.

RETRATOS

2004-10-27T14:31:00.000+02:00

En Inglaterra varias exposiciones conmemoran el centenario de la muerte del retratista victoriano George Frederic Watts (1817-1904).

Amigo de poetas como Alfred Tennyson, del crítico de arte, esteta y pensador John Ruskin, de los pintores prerrafaelitas y de la pionera de la fotografía Julia Margaret Cameron, Watts es sin duda uno de los más grandes retratistas ingleses del siglo XIX.

Se inició en la pintura en 1834. Después de una larga estancia en Italia volvió a Inglaterra, donde sus pinturas "Eco", "San Jorge matando al dragón" y "Alfredo animando a los sajones a emprender una expedición marítima" fueron adquiridas por el gobierno para adornar las paredes del Parlamento.
Para la escuela de Derecho pintó "La alegoría filosófica de los legisladores del mundo". Entre sus retratos destacan Paolo Malatesta, Francesca de Rimini y El hada Morgana.

G.F. Watts supo utilizar su talento para progresar en el círculo de artistas, coleccionistas, aristócratas e intelectuales que frecuentaban a Lord y Lady Holland en Florencia hacia mediados del siglo XIX. Lord Holland, era un destacado mecenas y amigo del pintor, y en su residencia londinense de Kensington, la Little Holland House, estuvo el salón por excelencia de la era victoriana, lugar de reunión de los políticos, escritores y artistas más destacados del momento.

Como invitado permanente en la Little Holland House, en la que llegó a pasar veinticinco años de su vida, Watts frecuentó a la flor y nata de la sociedad londinense: los prerrafaelitas y Burne-Johns, escritores como Carlyle, Ruskin y Tennyson, el famoso astrónomo John Hershel o políticos como Gladstone.

En la National Portrait Gallery se pueden ver algunos de sus retratos.

Autorretrato
G.F. Watts, 1845

BSO

2004-10-15T22:06:00.000+02:00

Quien entra estos días en la Sala de Turbinas de la Tate Modern se encuentra con el montaje "Raw materials" (Materias primas) creado por el artista Bruce Nauman.

Según se avanza por la sala se va escuchando un "collage" de voces que recitan textos distintos, algunos gritados, otros susurrados y siempre repetitivos; son 21 bandas sonoras ejecutadas en el transcurso de los últimos treinta años.

Es una "obra abierta", que sugerirá a cada persona cosas distintas, en la que se nota la influencia de la música aleatoria y minimalista de un John Cage o de un Philip Glass, al mismo tiempo que la visión del mundo entre obsesiva y desesperada del escritor Samuel Beckett.

Si uno se acerca a cualquiera de los altavoces, puede escuchar de manera distinta los sonidos, pero cuando se aleja y se sitúa en el centro de la sala le llega una especie de griterío angustioso y confuso. Es algo parecido a lo que podemos escuchar en el ejemplo que encontramos en la web.

TIERRA Y ARTE

2004-10-06T13:30:00.000+02:00

En la galería Estiarte, de Madrid, se puede ver hasta finales de mes la exposición "Rock Drawings" que reúne obra gráfica y esculturas del británico Richard Long.

Son tres series de litografías y una serie de cinco piedras pintadas a mano.

"Rock Drawings", de 1994, es una carpeta con doce litografías de las piedras del desierto de Mojave, de California, de las cuales parece estar tomada, siguiendo la técnica pictórica del "frottage", la textura de las láminas.

"Untitle" consta de otras seis litografías sobre papel hecho a mano y de un acabado vegetal próximo a la corteza de algunos árboles, sobre el que Long traza un itinerario de círculos, líneas y laberintos.

La exposición se completa con "Black Dust", tres litografías de dos metros de altura; la pieza "Linea de sonido", con textos de las experiencias anotadas por Long en sus paseos, y cinco esculturas de piedra arenosa, con la huella impresa del artista.

CUADROS DE NORUEGA

2004-10-04T14:39:00.000+02:00

CUADROS DE NORUEGA
Mientras seguimos sin noticias de las tres obras de Munch robadas en agosto, el Museo Munch de Oslo presta al Kunsthalle de Emden (Alemania) 63 obras que Munch pintó en Noruega, cuando se estableció allí tras sus estancias en Francia y Alemania.

En 1885 realiza su primer viaje a París para estudiar y allí volverá en los años que van de 1889 a 1892; en París comienza con la temática que se acerca al drama humano con sus temores, obsesiones... y allí descubre a Gauguin, en él encuentra una imagen simplificada que le va a ser útil para transmitir la angustia y la soledad.

En Berlín, tras su participación en 1892 en la exposición de la Berliner Künstlerverein (Círculo de artistas berlineses), se convierte en una figura clave para los expresionistas; realiza exposiciones por toda Alemania sentando las bases de una profunda influencia en el arte centroeuropeo.

Los años previos a la crisis nerviosa de 1908 son de continuos viajes, alternando largas estancias en Alemania y París, con veraneos en su casa Noruega de Argardstran, en el fiordo de Oslo; en otoño de ese año sus problemas nerviosos, agravados por los efectos del alcoholismo, le obligan a permanecer internado ocho meses en una clínica psiquiátrica de Copenhague.

Restablecido, regresa a Noruega e inicia un periodo en el que su obra muestra una nueva vitalidad. Un excelente ejemplo de ello son los paneles que decoran el Aula Magna de la Universidad de Oslo y el vigoroso y brillante colorido de sus paisajes. Este optimismo es paralelo al reconocimiento general de su obra, que se concreta en la exposición del Sonderbund de Colonia en 1912 y la del año siguiente de Berlín.

Munch pasará las últimas dos décadas de su vida retirado en su finca de Ekely, en las afueras de Oslo, dedicado con renovada intensidad a la pintura.

BOCA ABAJO

2004-08-28T18:19:00.000+02:00

El Centro de Artes y Exposiciones de Alemania en Bonn reúne en "Georg Baselitz: Pictures That Turn Your Head" los 130 de los trabajos más importantes de este representante del neoexpresionismo alemán
Se pueden ver sus "poco conocidos" primeros trabajos, sus famosas pinturas de héroes de los años 60, las pinturas fracturadas y bocabajo que crea a partir del año 69 junto a sus cuadros pintados con los dedos de mediados de los 70 y sus "comedores de naranjas" de principios de los 80.
A estas les siguen sus pinturas figurativas entre las que figuran el gran "Painter Picture" y la obra de gran formato "Work One".
El recorrido continua por sus poéticos trabajos basados en el romanticismo de Caspar David Friedrich y que se dieron a conocer en 1999 en una muestra celebrada en el Reichstag de Berlín, concluyendo en obras inéditas realizadas entre el 2002 y el 2004.

Los "Upside Down Paintings" surgen en el año 1969, fecha en la que realiza "The Forest on its Head". El artista afirmó en repetidas ocasiones que cuando quería pintar cuadros aún después de estrujarse los sesos y de inventar motivos, la salida más fácil era la de pintar los motivos al revés. Puso el ejemplo del cielo y la tierra, preguntándose por qué habían de ser representados el primero arriba y la segunda abajo. Baselitz utiliza este recurso para deconstruir el sentido convencional de la imagen.

MULTITUDES

2004-08-06T22:00:00.000+02:00

En el Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci de Prato se expone la primera muestra retrospectiva dedicada por un museo italiano al fotógrafo Massimo Vitali.
Esta exposición se expondrá en la Fundacion BBK de Bilbao desde el 8 de noviembre hasta el 15 de diciembre.

La exhibición recorre toda su obra desde sus primeros trabajos en 1995 hasta los últimos, realizados para la ocasión, a través de fotografías de gran formato dispuestas por tipologías y predominio cromático: el rojo para la concurrida playa de Riccione, el azul para la costa tirrénica o las piscinas del norte de Europa, el verde para los jardines del Luxemburgo de París y las dunas de la costa belga, el blanco de la playa de Knokke y de la nieve de Les Menuires y el negro en las fiestas nocturnas de la playa o en la discoteca.
La exposición cuenta por primera vez con cincuenta fotografías de Vitali provenientes de colecciones privadas e importantes galerías europeas, entre ellas numerosos dípticos, trípticos y polípticos, series famosas como Rosignano (1995/98) y Riccione (1997), obras más recientes como Pic-nic (2000) y Kiss (2001) y otras nunca antes presentadas en Italia como el grandioso Knokke poliptych (2002).

"Una playa donde las personas juegan en el agua con un polígono industrial al fondo puede leerse como una crítica de la sociedad del tiempo libre, como una evidencia de la destrucción de la naturaleza, de la incosciencia de frente a los problemas del medio ambiente; del mismo modo, en la misma imagen aparecen también las nociones contrarias al placer, del juego, de los cuerpos, de las relaciones amorosas y el color empalagoso del agua nos lleva a la idea perdida de la belleza o de aquellas representaciones históricas donde los cuerpos fluctúan evocando el purgatorio.
Soy curioso hasta el punto de dejarme arrastrar por el voyerismo.
Me fascina el comportamiento de las personas pero sin intentar comprender qué es.
Mi intervención es neutra, sólo dejo constancia de un estado que se impone frente a mí.
Soy rígido porque elijo una posición y espero que las cosas sucedan delante de mí.
Soy abierto porque las cosas que suceden son las que definen la foto.
La experiencia fotográfica se convierte en una práctica abierta para vivir una experiencia del mundo".

EL OJO DEL SIGLO

2004-08-05T00:44:00.000+02:00

LA FLOR Y EL SAUCE

2004-08-03T14:20:00.000+02:00

En la Galería Pelayo47 de Madrid se exponen hasta finales de septiembre una serie de fotografías que siguen el estilo que el fotógrafo italiano Felice Beato inició en su estudio de Yokohama.
Felice Beato (1825-1908), un veneciano nacionalizado británico, documentó con sus fotografías la guerra de Crimea (1855), la revuelta de los Cipayos en la India (1857) en lo que serían las primeras imágenes de cadáveres de guerra.
También cubrió la Segunda Guerra del Opio entre China y Francia-Gran Bretaña (1856-1860), allí fue donde conoció a Charles Wirgman un ilustrador que era corresponsal del "Illustrated London News".

Alentado por Wirgman, se instaló en Yokohama en 1862 donde abrió un estudio fotográfico, el Yokohama Foreign Settlement, en el que se dedicó a un tipo de fotografía de corte antropológico y costumbrista.
La temática y puesta en escena de sus fotografías recuerdan a las de las estampas ukiyo-e con las que Beato estaba familiarizado. Buscando la representación de los estereotipos presentes en la sociedad nipona, Felice Beato hace protagonistas a geishas, actores del teatro kabuki, comerciantes y artesanos, pero siempre dejando patente la individualidad y psicología del personaje retratado.

La gran popularidad que adquirieron estas imágenes coloreadas, tanto entre los extranjeros que las adquirían como souvenir de sus viajes, como entre los nativos que reconocen en ellas una nueva visión de su "mundo flotante", llevó a Beato a contratar a numerosos artistas japoneses del ukiyo-e para colorear sus fotografías, llegando a establecer en su estudio auténticas cadenas de producción para hacer frente a la creciente demanda de estas imágenes.

PARQUE

2004-07-30T12:47:00.000+02:00

La ciudad estadounidense de Chicago estrena el proyecto cultural más caro de su historia, el parque del Milenio ha costado 383,8 millones de euros, el triple de lo previsto, tiene una superficie de 100.000 metros cuadrados e incluye, además de amplios jardines y paseos, obras arquitectónicas, esculturas, lugares de ocio y auditorios musicales.
El escultor espa?ol Jaume Plensa es el autor de la obra monumental en este espacio, la Fuente Crown; se trata de un espacio de 2.200 metros cuadrados en cada uno de cuyos extremos hay una torre de dieciséis metros de altura y ocho y medio de ancho, de las que brota agua en cascada y que funcionan de pantallas gigantes en las que se proyecta una secuencia de luces e imágenes de los rostros de un millar de habitantes de Chicago. El trabajo de filmación y selección de los rostros que aparecen en la fuente estuvo a cargo de alumnos del Instituto de Arte de Chicago, sobre una idea del artista catalán de incluir “la gente de verdad que construye esta ciudad”.
También aportan obras al parque el arquitecto Frank O. Gehry, que dise?ó el pabellón Pritzker como sede de la orquesta sinfónica y el coro del parque Grant, Gehry volvió a utilizar generosamente el titanio y el acero para construír la cúpula del pabellón, que tiene capacidad para 11.000 espectadores. También es el responsable de un puente de acero que permite unir el nuevo Millennium Park con el resto del Parque Grant, que es el escenario de las fiestas multitudinarias del verano frente al lago Michigan. Otro escultor invitado fue el londinense Amish Kapoor, cuya obra Puerta Celestial (rebautizada como "El Frijol") realizada en acero inoxidable refleja a los visitantes y a los edificios de los alrededores. El dise?o de los jardines es obra de la arquitecta Kathryn Gustafson, quien acaba de inaugurar el monumento conmemorativo de la princesa Diana de Gales en Londres.

SOBRE PAPEL

2004-07-20T11:27:00.000+02:00

La galería Distrito Cu4tro cierra la temporada, en sus dos espacios de Madrid, con una muestra cuyo denominador común es el soporte de la obra. Se trata de una selección de trabajos, ejecutados con distintos lenguajes, desde el dibujo hasta la pintura o el collage, hecha con el deseo de dar a conocer el trabajo más íntimo de los artistas. Pintores conocidos, españoles e internacionales, como Felicidades Moreno, James Rielly o Dario Urzay, que recorren una amplia gama de estilos: desde la abstracción gestual de Moreno a la figuración atmosférica de Rielly.

FRIDA

2004-07-13T12:46:00.000+02:00

"Mi cuerpo es un marasmo. No puedo escapar de él. Como un animal que siente su muerte, siento que la mía se instala en mi vida con tanta fuerza que me priva de cualquier posibilidad de lucha. No me creen, porque me han visto luchar tanto. No me atrevo a creer que podría equivocarme, esa clase relámpagos no existen.

Mi cuerpo me abandonará, a mi, que siempre fui su presa. Presa rebelde, pero presa. Sé que nos vamos a aniquilar mutuamente, así que la lucha no tendrá vencedor. Vana y permanente ilusión creer que el pensamiento, porque está intacto, puede liberarse de esa otra materia hecha carne.

La vida es cruel encarnizándose de este modo conmigo. Debiera de haber distribuido mejor sus cartas. Tuve demasiado mal juego. Un tarot negro en el cuerpo".

Al amanecer del 13 de julio de 1954 encontraron a Frida muerta en su cama.

Su último cuadro fue un bodegón titulado Viva la vida!

Sus últimas palabras, una frase en su diario: "Espero que la salida sea afortunada y espero no volver jamás".

UNDERSKIN

2004-07-12T11:23:00.000+02:00

Robert Gligorov, un artista de origen macedonio, que vive y trabaja en Milán, expone en solitario por vez primera en Madrid, en la galería Carmen de la Guerra su último trabajo "Underskin", que consta de una docena de fotografías, algunas de gran formato, y del vídeo "La leyenda de Bobe".

Gligorov es conocido sobre todo por sus inquietantes fotografías en las que hace inesperadas combinaciones de la vida animal, humana y vegetal para explorar la identidad y la sexualidad.

Violencia, provocación, denuncia...un militar cuyas medallas producen heridas sangrantes, las dos torres gemelas neoyorquinas ardiendo en un mechero de gasolina, o un hombre tendido en el suelo al que la bandera blanca que aún porta no le ha evitado ser ejecutado y clavado en el suelo con una cruz que le atraviesa la garganta...

En otras fotografías hace osadas combinaciones de las anatomías humana y animal, de manera que una y otra se unen hasta volverse indistinguibles: de la pata de un conejo puede nacer un dedo humano, de los órganos de otro animal puede formarse el dedo de una persona.

60s

2004-07-06T12:38:00.000+02:00

La Tate Britain reúne en "Art and the 60s: This Was Tomorrow" la colección más grande de arte británico de los años sesenta
Una muestra de las tendencias de la época desde el arte abstracto hasta los ejemplos pop, que examina la cultura popular y también las posiciones críticas contra el arte y la sociedad

La exhibición comienza con obras de 1956, porque fue en enero de ese año cuando se presentó también en la Tate la exposición de arte moderno de Estados Unidos con trabajos de Mark Rothko y Jackson Pollock entre otros.
Siete meses más tarde del impacto que causó el "expresionismo abstracto" de Norteamérica se presentó "This is Tomorrow" en Whitechapel con dos grupos dominantes: los constructivistas y el grupo independiente del Instituto de Arte Contemporáneo.

Poco después Elvis y el rock and roll dominan el escenario de la cultura popular y establecen un paralelismo entre Reino Unido y Estados Unidos que se suma a la postura antibélica y a una creciente visión de bienestar y consumismo. Es entonces cuando artistas que se han convertido en iconos de la época, como David Hockney, Richard Hamilton, Peter Blake y Bridget Riley, participan en una modificación del lenguaje artístico de Reino Unido del que aún se viven sus consecuencias.

Eduardo Paolozzi
Collage from BUNK

PAISAJE RUSO

2004-07-01T13:27:00.000+02:00

Durante el curso del siglo XIX, el paisaje vino desempeñar un papel único en el arte ruso, en un momento en que las pinturas históricas eran elogiadas y los paisajes calificados de carentes de ideología.

La academia imperial de artes de San Petersburgo, la única escuela de la pintura del país, tradicionalmente se inclinaba más por los temas históricos. En 1863, 14 estudiantes de la academia decidieron cambiar el rumbo, formaron a su propia cooperativa, un grupo conocido como Wanderers, y lucharon en una sociedad altamente ideológica a favor de un arte naturalista que directamente conectara con la tierra y con su gente.
Fieles a los canones de de la pintura europea, eran representaciones más estereotipadas que verdaderas pinturas de paisajes locales.

Obras de Isaak Levitan, Ivan Shishkin, Aleksei Savrasov, Mikhail Klodt y otros artistas de la segunda mitad del siglo XIX se muestran en la exposición "Russian landscape in the age of Tolstoy" organizada por la National Gallery.

Alexei Kondratyevich Savrasov
Winter Landscape

TEMAS

2004-06-29T14:44:00.000+02:00

El colectivo Proyecciones Atemporales sigue con su lucha por la visibilidad, ver lo nunca visto...
Podemos disfrutar de algunas de las proyecciones de 1 minuto de duración en PROYECTA. Esta web que reúne trabajos de varios creadores que han sido expuestos recientemente en Madrid con ocasión de PhotoEspaña, reunidos en varias propuestas temáticas: identidades, cuerpos, sueños, fragmentos, márgenes, fracasos...

JARDINES PARA TODOS

2004-06-23T11:20:00.000+02:00

Alimentando el mito de que todo inglés lleva un jardinero en su interior la Tate organiza la exposición "Art of the Garden" para analizar los lazos de conexión entre el jardín y el arte británico.

Un centenar de piezas de los siglos XIX y XX, desde Constable y Turner hasta Lucian Freud, Ian Hamilton Finlay y Gary Hume junto a nuevas piezas realizadas expresamente para la ocasión, para mostrar el jardín como la prolongación del estudio del artista, el lugar desde el que se contempla el mundo exterior; la relación entre jardín y paisaje salvaje, la idea de un espacio mediador entre la ciudad y el campo, entre lo construido y lo desarrollado de modo natural.

La exposición se completa con imágenes de jardines creados por los propios artistas como el "Little Sparta" de Ian Hamilton Finlay, el de Barbara Hepworth en su estudio de St. Ives, el de Derek Jarman en Kent o el de Ivon Hitchens en el oeste de Sussex.

James Tissot
Holyday (circa 1876)

FOTO

2004-06-21T12:07:00.000+02:00

La galería Estiarte expone la obra de Lidia Benavides (Madrid, 1971), una artista que centra su investigación en la luz como lenguaje visual autónomo y autoreferencial, a través de distintas series de fotografías y vídeo.

La exposición Cosmorama la componen dos series de fotografías, una fotoinstalación y un vídeo en DVD.
La serie Cinérea, título para la serie de nueve fotos de distintos formatos que, firmadas en 2004 en edición de 5 ejemplares, muestran un tratamiento muy sutil de partículas de luz como veladuras que cubren veladuras, para lograr una gradación infinita del color en una microinterválica de fotones de ceniza lunar.
La serie Cosmorama está compuesta por las fotografías Fotosfera, Fosfeno y Hexagrama boreal en las que se producen combustiones de luz en complejas combinaciones de espacios, volúmenes y colores filtrados mediante recursos ópticos.
Y Vídeocosmorama, es el título del vídeo en formato DVD que introduce el factor tiempo para una suerte de sublimación de distintas sustancias pertenecientes al mismo campo semántico del discurso de abstracción fotográfica de Lidia Benavides.

LUZ Y VERDAD

2004-06-14T12:38:00.000+02:00

Los neones de Jenny Holzer llegan a la Kunsthaus de Bregenz con la exposición "Truth Before Power" en la trata temas relacionados con la política internacional de su país, repasa las complejas relaciones político-comerciales de los Estados Unidos con Oriente Medio desde el fin de la 2ª Guerra Mundial hasta la actual "guerra contra el terrorismo", las consecuencias del 11-S, el debate sobre la teoría y la práctica de la inteligencia y la contrainteligencia y el problema de lograr un equilibrio adecuado entre el secretismo y la transparencia.

Para ilustrar sus neones y estructuras luminosas emplea textos que fueron clasificados como confidenciales cuando fueron escritos, principalmente comunicados oficiales, informes y cartas hechas públicas recientemente gracias a la ley "Freedom of Information Act".
"Truth before power" alude a un escrito publicado en 1968 titulado "Estimates and Influence" de Sherman Kent, uno de los fundadores de la CIA.

GENIOS

2004-06-10T13:36:00.000+02:00

Photographers of Genius at The Getty, es una interesante exposición que conmemora los veinte años de la creación del departamento de fotografía del Getty.
Se han escogido más de seiscientas obras cruciales para la historia de esta disciplina artística pertenecientes a unos 38 artistas, aquellos que más han influido en el desarrollo visual de la historia de la fotografía y que constituyen los fondos del museo.

Más de un siglo de fotografía, desde la obra de pioneros como Hyppolyte Bayard hasta los trabajos de Diane Arbus realizados a finales de la década de los sesenta del siglo veinte, pasando por hitos como el surrealismo, dadá o landart.

André Kertész
Reloj de la Academia Francesa, París, 1929–32

ARCHIVOS

2004-06-08T14:03:00.000+02:00

Desde hoy están a la disposición del público (también online) los archivos de la Real Sociedad Geográfica de Londres.
Dos millones de documentos reunidos en un nuevo y mejor acondicionado edificio anexo a la sede central; allí se podrán consultar desde mapas del siglo XV, a multitud de libros y fotografías y unos 3.500 informes de las expediciones que han realizado a lo largo de la historia los miembros de la Real Sociedad Geográfica.

También se podrá ver una colección de objetos de exploradores famosos, por ejemplo la gorra del doctor David Livingstone, que llevaba cuando fue descubierto por el periodista Henry Morton Stanley en las márgenes del lago Tanganika en 1871; el sextante portátil que llevó Charles Darwin en The Beagle, o un bidón de oxígeno que llevaba Edmund Hillary en su ascenso al Everest en 1953.

El Endurance atrapado por el hielo. Frank Hurley

Galería fotográfica online

DESIGUALDADES

2004-06-07T14:10:00.000+02:00

En Lisboa la galería Filomena Soares expone "Fórmula secreta: riqueza sin trabajadores", un amplio resumen de la obra del fotógrafo y escritor Allan Sekula.
Su obra trata sobre las consecuencias de los cambios económicos surgidos a partir de la globalización y las cuestiones acerca de la función de la fotografía documental en los medios de comunicación, el arte y la sociedad.

Sus reportajes tienen un fuerte contenido de denuncia y se centran habitualmente en el esfuerzo personal de aquellos que luchan contra las desigualdades sociales creadas por las tendencias globalizadoras de la economía contemporánea o de los que indirectamente se encuentran inmersos, como parte perjudicada, en estas batallas cotidianas y de resistencia contra las estrategias homogenizadoras del liberalismo capitalista. Este elemento ha hecho que se haya querido incluir su obra dentro de la corriente del realismo social.

Los proyectos documentales de Sekula se centran tanto en acontecimientos puntuales, p.e. fotografías sobre las manifestaciones antiglobalización que tuvieron lugar en Seattle en 1999 o su más reciente serie de imágenes sobre la catástrofe ecológica producida por el hundimiento del Prestige en las costas gallegas; como en otros que tienen un carácter de trabajo en proceso, en construcción, como es Fish Story (1987-1994) en el que explora las transformaciones producidas en las condiciones laborales de los pescadores por la creciente internacionalización de la economía mundial o Dead Letter Office (1996-1997), encargada para InSITE, que investiga exhaustivamente el contexto económico, político y social de la frontera entre México y Estados Unidos, o Titanic's Wake, una especie de diario de los últimos dos años del milenio.

RETROSPECTIVA

2004-06-03T10:33:00.000+02:00

Sin adscribirse a ninguna tendencia artística definida y con la ambición de sumar a su propuesta a escritores, cineastas, músicos y arquitectos, los artistas que crearon en 1957 el grupo "El Paso" comenzaban un capítulo nuevo en la historia del arte español: una vanguardia libre nacía después de dos décadas de silencio creativo y lo hacía con una idea clara de compromiso con su tiempo.

La galería Marlborough, recuerda aquella época con la exposición retrospectiva, "El Paso 1957-1960" , que reúne treinta y cinco pinturas y esculturas del grupo.
El número de obras que se presentan de cada artista "depende del tiempo de pertenencia en el grupo"; de los que formaron el "núcleo duro", los que estuvieron en el grupo hasta su disolución en 1960, Saura, Millares, Canogar o Feito, hay un mayor número de obras, mientras que de Pablo Serrano, Juana Francés o Antonio Suárez, que estuvieron sólo unos meses en "El Paso", aunque fueron fundadores, hay únicamente dos obras.

Los cuatro miembros de "El Paso" que quedan vivos, Feito, Chirino, Antonio Suárez y Canogar, comentaron durante la presentación de la exposición que los planteamientos del grupo "siguen vigentes" casi medio siglo después. Definieron "El Paso" como un movimiento "vivo y rupturista que surgió en defensa de la abstracción a partir de la tradición española".

Rafael Canogar
La pereza 1959

POPOVA

2004-06-01T11:04:00.000+02:00

El próximo viernes se inaugura en la Fundación Juan March en Palma de Mallorca una exposición de la pintora rusa Liubov Popova (1889-1924), considerada como uno de los cuatro artistas más importantes de la vanguardia rusa del primer cuarto del siglo XX, junto con Malevich, Tatlin y Ródchenko.
Se presentan 25 obras realizadas por la artista rusa entre 1910 y 1922 procedentes del Museo Estatal Tretiakov de Moscú, excepto dos, que provienen de una colección particular.

Popova (1889–1924) estudió con Henri Le Fauconnier y Jean Metzinger en París; a su vuelta a Moscú frecuentó el taller de Vladimir Tatlin quien la influyó en su experiencia constructiva y escultural. Después viajó a Italia e investigó la pintura de Giotto y se interesó por lo que hacían los futuristas.
En 1915 se unió al grupo "Supremus" y a los suprematistas, Malevitch y sus seguidores eran el núcleo más radical de la abstracción que había surgido hasta el momento.

"La vida y la producción artística de Popova están marcadas por dos acontecimientos: la Revolución de 1917 y las vanguardias históricas. De la inquieta joven burguesa que acude a París en el curso 1912-13 para estudiar en la "Academia Cubista" de La Palette, junto a Le Fauconnier y Metzinger, a la mujer plenamente integrada en el discurso y la práctica artística de la Revolución, han pasado tan solo diez años. Diez años marcados por una rápida sucesión de cambios formales -cubo-futurismo, suprematismo, constructivismo y arte de producción-, políticos y vitales".

PREMIADOS

2004-05-31T13:10:00.000+02:00

Los Premios Altadis de Artes Plásticas 2003, para artistas residentes en España y en Francia, se presentan en Madrid dentro del "Festival Off" de PhotoEspaña04, en dos galerías, Elba Benítez y Heinrich Ehrhardt.

Los artistas ganadores de esta edición son Stephen Dean, Bruno Perramant y Fabien Rigobert (Francia) y Mateo Maté, Mabel Palacín y Sergio Prego (España).

Mabel Palacín
La distancia correcta, Fotografía 2002-2003

LOS ECOS DE LA BATALLA

2004-05-27T21:32:00.000+02:00

En Liverpool con la exposición "Spirit of the Blitz" rinden homenaje a todos los que sufrieron de una u otra manera los bombardeos sobre la ciudad en mayo de 1941.

El Puerto de Liverpool jugó un papel importante en la Segunda Guerra Mundial, quedando abierto para proporcionar una ruta de suministro vital para la supervivencia británica. Esto era un objetivo obvio para bombarderos alemanes y en los ataques aéreos más de 4.000 personas murieron, 10.000 casas fueron destruidas y 70.000 personas convirtieron en "homeless" durante los ataques aéreos que alcanzaron su punto máximo con la campaña de mayo de 1941.

Como complemento a la exposición los alrededores del Museo Marítimo de Merseyside han adoptado el espíritu de campaña, con la Casa de Piermaster transformada en una casa de verano de los años 40 y el Museum of Liverpool Life con un jardín plantado con verduras que habrían ayudado a completar la dieta de esos años.

EL TALLER DEL ARTISTA

2004-05-25T11:14:00.000+02:00

Entre 1985 y 2003, de París a Barcelona, de Gao a Palermo, de Mallorca a Ségou, el fotógrafo Jean-Marie del Moral acompañó a Miquel Barceló en sus talleres y fotografió minuciosamente su universo, los objetos y detalles esenciales en el imaginario del artista mallorquín.

"El taller de Barceló era extremadamente grande y contenía un gran número de telas aún sin finalizar, todas ellas adosadas a la pared. El suelo estaba lleno de papeles, de paquetes de cigarrillos Gitanes vacíos, de botes de pintura de los cuales emanaba un olor acre, ácido. Barceló hablaba poco, absorto únicamente en su trabajo. Comprendí rápidamente que no le gustaban los fotógrafos. Aún hoy percibo su apuro, su timidez mientras se balanceaba apoyándose en un pie y luego en otro, con la mirada clavada en el suelo.

Mis primeras fotografías de Miquel deseaban sobre todo mostrarlo mientras trabajaba. Fotografié detalles de sus distintos talleres. Lo visitaba regularmente. Desde el momento en que Miquel me hablaba de un proyecto, de un viaje, yo siempre me las arreglaba para visitarle durante un corto periodo de tiempo. Estuve con él en Barcelona, en Palma, durante su primera estancia en Gao, luego en Ségou, en el país Dogón, en Palermo. Yo siempre partía sin la menor idea preconcebida, sin saber con qué iba a encontrarme, llevado únicamente por la idea de mostrar al pintor a través de fotografías."

Jean-Marie del Moral en Photogaleria.com

DESCUBRIMIENTO

2004-05-24T11:40:00.000+02:00

A la galería 303 de Nueva York llega la nueva videoinstalación del artista canadiense Rodney Graham, Rheinmetall/Victoria 8, además de algunas de sus obras en papel.
La protagonista del documental es una máquina de escribir alemana modelo Rheinmetall de mediados de los 30 que Graham encontró en una chatarrería de Vancouver. Estaba como si jamás se le hubiera pulsado ninguna tecla.

Al principio de la película, la funda que cubre la máquina desaparece y la máquina es examinada desde diversos puntos de vista. A lo largo de la película un polvo blanco va cayendo, suavemente al principio y con más fuerza al final, hasta que el objeto es cubierto casi por completo.
Este desarrollo se repite, creando un ciclo que hace referencia al paso del tiempo, una estructura recurrente en la obra de Graham.

ARTE Y VIOLENCIA

2004-05-19T13:00:00.000+02:00

Más de 30 artistas de todo el mundo reflexionan en la muestra "Laocoonte devorado. Arte y violencia política", una coproducción de ARTIUM, el Centro José Guerrero de Granada y la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura, que se podrá visitar en Vitoria desde el 6 de mayo hasta el 3 de octubre.

Bill Viola, Marina Abramovic, Krysztof Wodiczko, William Kentridge, Leon Golub, Annika Larsson, Francesc Torres, Txomin Badiola o Esther Ferrer son algunos de los creadores que aportan su aproximación al tema en una exposición que habla de la violencia política en un sentido global.
La exposición mostrará, por primera vez en varios años, la serie de los grabados “Los desastres de la guerra” de Goya, en paralelo con una pequeña selección con fotografías de prensa.
Según su comisario en la exposición “no se trata de que (los artistas) manifiesten su “compromiso político” militante, sino de que pongan sobre el tapete una idea, un punto de vista o una opinión, que (…) al estar expresadas con el lenguaje del arte (en cualquier clave: crítica, irónica, ambigua...) posibiliten un acercamiento diferente a los asuntos espinosos... No es cuestión de que los artistas ofrezcan respuestas que nadie tiene o de que encuentren un sentido a lo que carece de ello, sino de que, como dijo Th. W. Adorno, se consiga cambiar las preguntas..”

“Laocoonte devorado” ocupa completamente a Sala Norte de ARTIUM y una parte de la Antesala del museo, donde se tiene un primer contacto con la exposición en las instalaciones de video de Félix Gmelin (“Farbtest, de rote fahne II”), Joham Grimonprez (“Dial H-I-S-T-O-R-Y”), y Matilde ter Heijne (“Suicide bomb”) y una instalación de Valeriano López (“Libre de culpa”).
En la Sala Norte, al visitante le recibe la escultura de Robert Longo “Oil and Roses”, metáfora de todos los holocaustos, a partir de la cual se suceden fotografías de Gabriele Basilico, Santiago Sierra, y Hans Peter Feldmann, entre otros), las esculturas (Antony Gormley, Mona Hatoum o Robert Longo), por citar algunos, las instalaciones (de Esther Ferrer, o Francesc Torres), pinturas (León Golub o Simeón Sáiz Ruiz, entre otros) y los vídeos.

Entre estos últimos destacan las propuestas de Bill Viola (“Hall of Whispers”, diez proyecciones simultaneas de video con la tensión subyacente propia de la obra del artista norteamericano), Antoni Muntadas (“On traslation: el aplauso”, una reflexión universal sobre la actitud de la sociedad ante la violencia, la corrupción y la desigualdad social) o Marina Abramovic (“The Hero”, una instalación de vídeo que, con su idea del renacimiento tras la catástrofe, supone un contrapunto optimista al conjunto de la exposición).

Mona Hatoum
Over my dead body, 1998-2002

DÍA

2004-05-17T14:18:00.000+02:00

Se celebra mañana en todo el mundo el Día Internacional del Museo, instaurado en 1977 por el ICOM.
Este el lema es "Los museos y el patrimonio inmaterial", una reivindicación de la herencia colectiva que se transmite de generación en generación por medio del idioma, del arte, de la música, la literatura, gestos, prácticas y costumbres.

El ICOM plantea que se tiene que prestar una creciente y significativa atención al estudio y defensa del patrimonio cultural en su conjunto, tanto material como intangible, fomentando planteamientos globales e ínterdisciplinares. En la conservación de la totalidad de esos recursos patrimoniales de la más variada naturaleza, los museos deben continuar dando servicio a la sociedad promoviendo también su labor común de recopilación, conservación, investigación, intercambio, exposición y difusión de nuestra herencia común inmaterial.

2004-05-11T14:08:00.000+02:00

DALIMANIA
Hoy, día en que se cumplen cien años del nacimiento de Dalí, oficialmente comienza el año de homenajes con once exposiciones:

"Dalí. Cultura de masas" CaixaForum (enero-mayo del 2004) y viajará luego al Museo Reina Sofía de Madrid, al Salvador Dalí Museum de Saint Petersburg (Florida) y al Museo Beuymans de Rotterdam.
"Dalí. Antológica" Palazzo Grassi de Venecia (septiembre 2004 - enero 2005) y después viajará al Museo de Arte de Filadelfia.
"Dalí. Las afinidades electivas" Sala Verdaguer de la Generalitat (febrero-abril)
"Dalí / Gaudí" La Pedrera (abril - octubre)
"El país de Dalí" Museu de l'Empordà (mayo-agosto) y Museu d'Història de Catalunya (septiembre-novembre)
"El manifest groc" Fundació Miró (junio-septiembre)
"Dalí a l'Empordà" Museu de l'Empordà (enero), P. Robert (marzo)
"El Quijote según Dalí" Casa-Museu Castell Gala-Dalí (marzo-noviembre)
"Dalí y Lorca": itinerante: Museu d'Història de Catalunya, etc.
"Dalí. Dibujos": Museu Municipal de Cadaqués (mayo-noviembre)
"Recuerdos íntimos, infancia y juventud de Dalí": Museo del Juguete de Figueres (abril-septiembre)
"Salvador Dalí, una vida de libros": Biblioteca de Catalunya (julio-octubre)
"Dalí y las ilusiones ópticas": Museo del cine de Girona (julio-octubre)
"Dalimitar": Museu de l'Empordà de Figueres (septiembre-diciembre 2004)

Y además:
- varios conciertos, documentales, estrenos teatrales, cursos universitarios, ciclos de películas y conferencias
- encendido de luces navideñas (las diseñadas por el artista para las calles de Figueras) durante todo el año
- la elaboración de la butifarra dulce más larga del mundo para esa historia del record Guinnes, que recorrerá 850 metros, los que van de de la casa natal de Dalí hasta la Torre Galatea del Museo Dalí
- el Festival Castillo de Peralada dedicará su programación a Dalí con espectáculos como "El sombrero de tres picos", que después se representará en San Sebastián y en los jardines del Generalife de Granada, y "El café de Chinitas", que reúne 13 canciones populares armonizadas por Lorca. También se recuperarán los trabajos escenográficos y de vestuario que Dalí realizó en 1949 para el Covent Garden de Londres de la ópera "Salomé" de Strauss.
- una edición limitada de Vichy Catalán en formato de 250 ml. y de 1 litro que reproduce en su etiqueta la obra "Muchacha en la ventana"
- la reedición de su única novela Visages cachés (Rostros ocultos), en la que Dalí relata la historia de un puñado de aristócratas mundanos entre 1934 y 1945. Escrita en francés y publicada en 1944 aparecerá de nuevo en las librerías francesas editada por la casa Sabine Wespieser.
- su fundación ha impulsado la edición del primer catálogo razonado de la obra daliniana que presentará toda la obra clasificada por técnicas y orden cronológico y que desde enero del próximo año será consultable ya por Internet en el período que va desde su infancia a los años 30.

2004-05-04T14:49:00.000+02:00

LA CASA DE FRIDA KAHLO
El próximo 13 de julio se cumplirán 50 años de la desaparición de Frida y el "Museo Frida Kahlo Casa Azul" homenajeará a la artista con la exposición más amplia que se haya realizado sobre su obra.
El museo Dolores Olmedo de México D.F., que es el que posee la mayor colección en el mundo de los pintores Diego Rivera y Frida Kahlo, ha prestado 26 de sus obras para que puedan ser expuestas con las que ya se se exhiben de manera permanente en las habitaciones de La Casa Azul, en el barrio colonial de Coyoacán, la casa donde nació y murió y donde creó su mundo.

Se ha realizado un inventario de las obras de Kahlo y se ha reordenado museográficamente La Casa Azul para que, además de esta exposición conmemorativa, pueda albergar en el futuro otras muestras temporales. Se ha pintado el exterior casa con su característico azul y se han se restaurado algunos vestidos de Frida.

2004-04-29T13:52:00.000+02:00

EL HUMANISTA
El único retrato italiano que existe anterior a 1500 es el que Botticelli hizo a Michele Marullo Tarcaniota. Gracias al deposito temporal acordado con la familia Guardans-Cambó, propietaria de la obra, acompañará durante los próximos doce meses a las otras tres obras de Botticelli que posee el Museo del Prado, tres escenas de La Historia de Nastagio degli Onesti.

Michele Marullo Tarcaniota fue un poeta, soldado y humanista de origen griego-bizantino que había nacido en Constantinopla aunque pronto emigraría a Italia a causa de la conquista de los turcos en 1453. Su primera estancia en Florencia está documentada entre 1489 y 1494 pudiendo ser entonces cuando Botticelli pintó el retrato.

Aparece representado en busto de tres cuartos, con gran severidad y simplicidad compositiva, su rostro delgado y mirada penetrante emergen con fuerza sobre los tonos negros de su atuendo.

2004-04-27T14:31:00.000+02:00

REMBRANDT
La muestra del Instituto de Arte de Chicago Rembrandt’s Journey: Painter, Draftsman, Etcher explora la evolución del extenso y variado trabajo del artista en el contexto de unas doscientas obras entre pinturas, dibujos y grabados.
En la exposición los temas a los cuales Rembrandt recurría repetidamente: ilustración bíblica, el retrato y el autorretrato, escenas de la vida diaria, el paisaje, y el desnudo, sirven de guía para explorar el conjunto de su obra.

Autorretrato con Saskia
1636

Saskia van Uylemburgh, sobrina de su socio, el marchante de arte Hendrick van Uylemburgh, con la que Rembrandt contrae matrimonio en 1634 se convierte en musa protagonista de muchas de sus obras.
Entre 1635 y 1641 Saskia dio a luz cuatro niños, de los que sólo sobrevivió el último, Titus.
Saskia murió en 1642.

2004-04-24T13:39:00.000+02:00

LA ESENCIA DE LAS COSAS
El pionero de la abstracción, Constantin Brancusi, es objeto de una exposición en la Tate Modern, que pretende captar el carácter esencial de su escultura. La selección de una treintena de piezas reúne obras en piedra y mármol, entre ellas, El Beso (1907), su obra maestra en la que logra por primera vez, la síntesis de los cuerpos y el bloque de mármol en el que están esculpidos.
También hay una serie de obras en madera y bronce, inspiradas en las tradiciones africana y rumana, entre ellas la Maiastra (1911), o la serie de los pájaros, uno de los temas favoritos del artista.

Constantin Brancusi nació en Rumanía en 1876, se trasladó a París en los primeros años del siglo y allí permanece durante más de 50 años; a mediados de los años 20 abrió su taller personal. Estudió la obra de Auguste Rodin y a partir de 1907 inició un proceso de simplificación y depuración de la forma creando así el camino hacia la abstracción.

Constantin Brancusi
Musa durmiendo 1909-10

2004-04-19T15:00:00.000+02:00

LO ÚLTIMO
En 1932 Gertrude Vanderbilt Whitney inauguró el Whitney Studio Club, un espacio alternativo para mostrar los progresos del arte norteamericano, desde entonces y cada dos años lo último del arte estadounidense se presenta en la bienal del Museo Whitney (Art & Artist , + Visual Map).

En esta ocasión más de cien artistas o grupos artísticos han llevado hasta Nueva York sus vídeo instalaciones, arte digital, fotografías y también trabajos de escultura, pintura, grabado y dibujo.

Alec Soth, Charles Vasa, MN, 2002

2004-04-05T13:35:00.000+02:00

FANTASIAS
Transmogrifications, exposición colectiva en la galería Danielle Arnaud de Londres, reúne varios proyectos con el común denominador de la fantasía como proceso de creación de las imágenes.

Y parece ser que el proyecto "Las Puertas" en el que Christo lleva trabajando veinticinco años deja de ser una fantasía para convertirse en una realidad.
Será a partir del 12 de febrero de 2005 cuando, durante 16 días, 7.500 puertas (paneles de tela coloreados de azafrán suspendidos por barras horizontales) se distribuirán en intervalos regulares a lo largo de casi 40 kilómetros por los paseos de Central Park.
Una realidad un poco cara, eso si, ya que el montaje costará unos 20 millones de dólares.

En el Metropolitan se podrán ver a partir de mañana los 45 bocetos y collages de Christo, además de 40 fotografías y 10 mapas y diagramas del proyecto.

2004-04-02T12:54:00.000+02:00

CONSTRUCTIVISTA
La galería Annely Juda de Londres presenta una muestra retrospectiva de la obra de Naum Gabo (1890-1977), escultor ruso nacionalizado estadounidense que fue uno de los líderes del constructivismo del siglo XX.

Estudió medicina e ingeniería en Munich entre 1910 y 1914, en esa época también comienza a crear bustos y cabezas de inspiración cubista realizados en láminas de metal recortado, cartón o celuloide. Entre 1917 y 1922, participó en la fundación del movimiento constructivista en Moscú, que abogaba por la construcción de esculturas a partir de materiales industriales en vez de utilizar el tradicional tallado en piedra o vaciado en bronce.

En 1920 publicó junto con su hermano Anton Pevsner el Manifiesto Realista, que preconizaba la utilización de formas artísticas nuevas, basadas en el espacio y el tiempo; siguiendo esta teoría realizó varias obras, con partes dotadas de movimiento, a las que denominó esculturas cinéticas.

Vivió en Alemania entre 1922 y 1932 y allí ejecutó piezas que se caracterizan por su calidad arquitectónica monumental, como la Columna (1923), de cristal, metal y plástico.
Durante la II Guerra Mundial continuó produciendo en Londres obras de esas características, como Construcción lineal, variación (1943), en la que hay un espacio oval trazado por unas formas plásticas nítidas que, a su vez, están delicadamente entretejidas con unos planos de intersección en hilos de nailon.

En 1946 se afincó en Estados Unidos. Una de sus obras más notables es un monumento de tamaño colosal, 26 metros, en forma de árbol, de 1957, que le encargaron para el Edificio Bijenkorf de Rotterdam (Holanda), recuerdo a los caídos durante la destrucción de la ciudad por los nazis en 1940. Su última obra importante, realizada en 1976, fue la fuente del hospital de Santo Tomás en Londres.

2004-03-29T20:24:00.000+02:00

ARTISTA TOTAL
Roth Time: A Dieter Roth Retrospective, rinde homenaje a Dieter Roth (1930-1998), uno de los artistas europeos más influyentes de la posguerra. Fue creador plástico, realizó libros, trabajó como músico y cineasta, también escritor, comunicador y mentor de otros artistas.

Se exhiben 350 obras, entre dibujos, libros, pinturas, instalaciones, objetos, esculturas, películas y trabajos en vídeo, realizadas a lo largo de cinco décadas de trabajo.
Roth fue en Europa lo que Robert Rauschenberg en Estados Unidos, como él combina las pinturas con imágenes encontradas, como fotografías, y trabaja con materiales poco convencionales como el chocolate.

Se pueden contemplar desde sus primeros trabajos realizados en los años 40; los primeros experimentos en cine y fotografía de sus objetos cinéticos y su extensa producción de libros, que han influido mucho en el desarrollo de libros de artista en la actualidad.

+ sobre Roth aquí

Dieter Roth
Motorcycle racers III. 1970/1994

2004-03-26T21:08:00.000+01:00

BIZANCIO
"Byzantium: Faith and Power" es la exposición con la que el Metropolitan de Nueva York finaliza su trilogía de muestras dedicadas a dar a conocer la cultura y la historia del imperio bizantino.

Esta último estudio comienza en 1261, cuando Constantinopla recupera su estatus de capital imperial y concluye en 1557, casi un siglo después de que los turcos otomanos tomasen el Imperio (en 1453) y éste fuese renombrado como Bizancio.
Se expone la importancia artística y cultural del Imperio a través de las más de 350 obras maestras del arte bizantino procedentes de 30 países entre los que se encuentran Grecia, Bulgaria, Egipto, Francia, Italia, Rumania, Rusia, Turquia, Serbia y Montenegro y la república de Macedonia.

Muchas de las piezas nunca han sido mostradas fuera de las iglesias y monasterios que las han custodiado a lo largo de los siglos. La exposición comienza con una serie de retratos que nos presentan a los protagonistas de aquella época que ahora se rescata, para continuar con la exhibición de magníficos iconos (entre los que se encuentran 40 del Monasterio de Santa Catalina del Sinaí), frescos, textiles y objetos litúrgicos y de orfebrería, entre otras obras de arte.

2004-03-22T10:17:00.000+01:00

PREMIO
La arquitecta de origen iraquí Zaha Hadid es la última ganadora del premio Pritzker de arquitectura, la primera mujer que consigue un galardón descrito como el «Nobel» de esta disciplina artística.
Entre sus mejores trabajos están el Parque de Bomberos de Viena, la Torre de saltos de esquí de Innsbruck (Austria), la estación del tranvía de Estrasburgo (Francia), el Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati (Estados Unidos) y el restaurante Sapporo en Japón, además de otros proyectos en ciudades como Berlín y Singapur.

Hadid acaba de finalizar en Cincinnati el Centro de Arte Contemporáneo Richard y Lois Rosenthal y está trabajando en el Centro Artístico Price Tower en Bartlesville, ambos en EE UU. Y pronto será la encargada de diseñar el área urbanística de la península de Zorrozaurre, en Bilbao.

2004-03-10T14:33:00.000+01:00

TODO EN UNO
Un atractivo Viggo Mortensen con acento porteño me amenizó ayer la sobremesa en una entrevista promocional en Lo + plus sobre su nueva peli de aventuras.
Descubro un creativo y multidisplinar actor que además pinta, escribe poesías, hace música, fotografías y dirige su propia editorial (Perceval Press) a través de la cual da a conocer interesantes artistas internacionales.

En Estados Unidos le han organizado exposiciones las galerías Robert Mann y Stephen Cohen y sus obras se han expuesto también aquí en Europa y en Nueva Zelanda.

The Many Faces Of Viggo Mortensen recoge muestras de toda esta actividad artística.

2004-03-09T14:44:00.000+01:00

EL SIMBOLISTA BELGA
Fernand Khnopff, a quien el Museo de Bellas Artes de Bélgica homenajea con una monográfica, fue uno de los representantes del simbolismo figurativo europeo.
Tuvo la clásica formación realista pero pronto se dejó influenciar por las obras de los prerrafaelitas ingleses (especialmente Ford Maddox y Burne-Jones). Junto con su compañero de estudios, James Ensor, funda el grupo Les XX (Les Vingt) con el que expone de 1884 a 1893 las obras de los artistas belgas miembros y las de otros de fuera del país como Cézanne, van Gogh y Seurat. Este grupo era considerado el principal foro para el simbolismo del arte belga.

En esta exposición se reúnen 265 trabajos de Khnopff entre pinturas (retratos de la sociedad belga del momento, paisajes de Fosset y Brujas, trípticos), dibujos, esculturas, fotografías retocadas e ilustraciones para libros.

2004-03-05T13:12:00.000+01:00

MARINAS
La exposición "Manet y el mar" que está de gira por varios museos de los Estados Unidos relaciona las marinas de Édouard Manet con un centenar de obras de otros artistas, entre ellos Courbet, Delacroix, Boudin, James McNeill Whistler, Monet y Berthe Morisot.

La relación de Manet con el mar comienza en 1848 cuando, tras el rechazo de su padre a que se dedicara a la pintura, decidió probar suerte en la Marina, y se embarcó como piloto ayudante en un carguero que iba rumbo a América; de ese viaje volvió con cuadernos llenos de bocetos y dibujos.
Entonces retoma su aprendizaje con la copia de obras de grandes maestros de la pintura (Tiziano, Velazquez...); y es en los años 60 cuando comienza a pintar paisajes marinos a raiz de viajes a la costa francesa, concretamente a Boulogne.
Sale de su estudio y de los museos, y comienza a trabajar al aire libre y al igual que otros pintores impresionistas Manet escoge el mar (el juego con la luz y el agua) como campo de experimentación artística.

La playa de Boulogne - 1868

2004-03-02T13:25:00.000+01:00

FOTO
El Bauhaus Archiv ha organizado la monográfica "Elsa Thiemann. Bauhaus y Berlín", dedicada a una fotógrafa de la escuela Bauhaus. Son cerca de 100 fotografías que abarcan los años 1930 a 1960, y también varios de sus diseños para papeles de pared basados en fotogramas.

Elsa Thiemann (1910-1981) estudió a principios de los 30 en la Bauhaus de Dessau. Una vez finalizados sus estudios, comenzó a trabajar en Berlín como fotoperiodista y debido a su oposición al regimen nazi enfocó su trabajo en temas como la vida cotidiana de Berlín.
En la posguerra retoma la fotografía de retratos, creando series dedicadas a artistas relacionados con la Rosen Gallery, muchos de los cuales habían tenido que trabajar de manera clandestina durante los años del Nacional Socialismo. Con el florecimiento de la ciudad durante los años 50, sus imágenes destacaron por su habilidad para incluir en ellas detalles anecdóticos.

2004-02-27T22:12:00.000+01:00

POP
Roy Lichtenstein se expone en Europa por partida doble.
La Galería Hayward de Londres ha organizado una importante retrospectiva sobre este pionero del pop art que se compone de unos ochenta trabajos entre los que figuran las serigrafías y litografías en las que reproduce fielmente imágenes de los cómics y la publicidad.

Es después de 1957 cuando Lichtenstein empieza a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que encontraba en los papeles de envolver chicles, las interpretaba libremente y las mezclaba con imágenes sacadas de los cuadros del típico Oeste americano. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva. Sus series, en forma de viñetas, son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, conservando la trama de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

Y el Kunstforum de Viena hace lo propio en la muestra que reúne más de 45 pinturas y una selección de obras en papel.

2004-02-17T15:02:00.000+01:00

IMAGENES
El New Museum of Contemporary Art de Nueva York ha organizado la primera exposición de los trabajos fotográficos del director de cine John Waters.
Son setenta y cinco "little movies" realizadas durante la década de los 90 con material propio y ajeno; Waters fotografía la pantalla de televisión mientras emite los videos de sus propias películas (Pink Flamingos, Hairspray, Pecket) y los de sus películas favoritas de la historia del cine (Cleopatra, Baby Doll, La semilla del mal...).

2004-02-09T14:06:00.000+01:00

ASÍ ERA...
Delimitar visualmente el mundo.
Viajes por los paisajes del Oeste americano, expediciones arqueológicas a Líbano, Grecia, Siria o Egipto, expediciones militares o botánicas por esa mitad del mundo menos conocida; y retratos personas, retratos de estudio, escenas de su vida diaria...testimonios de un mundo de cambios en "The World in a Frame. Photographs from the great age of exploration, 1865-1915".

2004-02-04T12:32:00.000+01:00

VUILLARD AL COMPLETO
La retrospectiva "Édouard Vuillard" que termina su periplo internacional en la Royal Academy of Arts de Londres, incluye 230 obras, entre las que se encuentran sus trabajos más conocidos y otros nunca mostrados al público o que no habían sido expuestos hacia décadas.

Las obras de Vuillard (1868-1940) que se incluyen en esta exposición van desde sus características pinturas luminosas hasta programas de teatro, grabados, dibujos, fotografías (la mayoría inéditas) y cerámicas. Hay que destacar la reunión de las piezas que conforman la serie "The Public Gardens" (1894), un conjunto de paneles decorativos no mostrados al público desde 1906 y que se dispersaron tras ser subastados en 1929.

La exposición dedica una sección entera al teatro de vanguardia que Vuillard conocía por sus amigos nabis y al que se dedicó casi cinco años trabajando como escenógrafo y decorador en torno al repertorio de Ibsen, Strindberg y Maeterlinck, lo que da una estructura profunda a su pintura, tanto en la forma como en el contenido.