28 de noviembre de 2005

ARTE EN TURIN

"T1-Turín Trienal Tresmuseos", la trienal de arte contemporáneo organizada por tres instituciones artísticas: el Castillo de Rivoli, la Fundación Sandretto Re Reabaudengo y la Gam Galeria Civica de Arte Moderno y Contemporaneo de Turín, se desarrolla en siete sedes expositivas de la ciudad de Turín.

El síndrome de Pantagruel, una exposición con voluntad de convertirse en un acontecimiento trienal, presenta obras de 75 jóvenes artistas de todo el mundo, junto a monográficas de Doris Salcedo y Takashi Murakami.

En este proyecto los comisarios quieren establecer un diálogo entre las propuestas de los más jóvenes y el trabajo de artistas que ya han alcanzado una madurez en su lenguaje expresivo. Además, se quiere poner de manifiesto el desarrollo y el intercambio cultural que ha experimentado Turín y la región del Piamonte con el resto del mundo.

A partir de Pantagruel, figura creada en el siglo XVI por el francés François Rabelais, se establece un paralelismo entre esa criatura de proporciones enormes, la fuerza desmesurada y la voracidad de este personaje con la sociedad contemporánea. Se inicia un debate en torno al fenómeno del "gigantismo" y del "todo" a través de las manifestaciones artísticas y se recupera el discurso sobre las consecuencias de la globalización en el mundo de la creación.

29 de septiembre de 2005

EILEEN GRAY

La exposición sobre Eileen Gray (1878-1976) en el Museo del Diseño de Londres reconoce a una de las personalidades más originales del diseño de la primera mitad del siglo XX, cuya obra influyó tanto en el modernismo como en el Art Déco.

Eileen Gray estudió en la Slade School of Design londinense y en plenos años 20 abre una galería en la famosa calle del Faubourg Saint-Honoré. Allí innovó con sus creaciones laqueadas, gracias a un método que había aprendido de un artesano japonés, y muebles ejecutados con los nuevos materiales industriales, sobre todo el acero tubular.

Diseñó muebles que combinaban el máximo confort con el mínimo espacio: sillas y hamacas plegables, que podían sacarse a la terraza o guardarse en cualquier sitio, una elegante mesilla circular de cristal y acero tubular que permitía desayunar en la cama, muebles con cajones que giraban sobre su eje.

Su primera gran exposición fue en el Salon des Artistes Décorateurs parisino en 1923, pero la crítica acogió muy negativamente su sofisticado tocador Montecarlo, que alguien dijo que parecía diseñado para la hija del doctor Caligari.

En esta exposición se muestran, además de algunos de sus originales muebles, planos y maquetas de dos de las casas que diseñó en el sur de Francia, cerca de Saint Tropez.

La primera, en forma de L, que llamó de modo críptico E-1027, la concibió junto con Jean Badovici y en ella empleó el mismo rigor e idéntica economía en los espacios interiores que en la arquitectura interior, con muebles empotrados y ventanas que aparecían y desaparecían según las necesidades del diseño.

Entre 1932 y 1934 Gray construyó con ayuda de artesanos locales otra casa, cerca de la primera, que bautizó Tempe á Pailla, en la que trabajó con artesanos locales, y para la que diseñó muebles cómodos, prácticos y sobre todo tremendamente versátiles.

Continuó trabajando hasta su muerte en París con 98 años, aunque pasó los últimos treinta años documentando sus trabajos en una serie de cuadernos en su apartamento de la calle de Bonaparte, y su descubrimiento por el gran público no llegó hasta 1968, gracias al crítico Joseph Rykwert.


Aartamento de Rue de Lota con su sofá Pirogue.

18 de julio de 2005

ANTHONY CARO

"Yo nunca quise hacer algo impersonal, ni siquiera no figurativo. Mi preferencia por la escultura abstracta respondía a una búsqueda de algo más real, más verdadero y cercano a mis sentimientos y a mi rechazo a la imitación de las apariencias. Yo quería ir más allá de la belleza conocida y poder decir: Soy un escultor. Estoy aquí y éste es mi trabajo, no es sólo la naturaleza".
Hasta el 4 de Septiembre Anthony Caro en el IVAM de Valencia y en la Summer Exhibition de la Royal Academy of Art de Londres.

Table Piece CCLXVI

31 de mayo de 2005

INFLUENCIAS

La exposición "Art of Tomorrow: Hilla Rebay and Solomon R. Guggenheim" analiza el decisivo papel que tuvo Hilla Rebay von Ehrenwiesen (1890-1967) como fundadora del Guggenheim Museum de Nueva York y como artista.

Hilla Rebay estudió arte en Munich, Berlín y París; su círculo de amigos de la época incluia a Jean Arp, Rudolf Bauer, Juan Gris, Vasily Kandinsky, Fernand Léger, Ben Nicholson, Pablo Picasso, Hans Richter, Kurt Schwitters...

Cuando en 1927 Solomon R. Guggenheim, que ya poseía una de las mayores fortunas de Estados Unidos, conoce a "la baronesa" Rebay, el mundo del arte cambia para siempre. Guiado por ella descubre a Kandinsky, conoce a artistas de las vanguardias que se encontraban exilados en el país y comienza a interesarse por el universo abstracto.

Guggenheim subasta su colección de arte antiguo. Ella le convence para que coleccione pintura no-objetiva, que es como denominaban al arte abstracto y él la invita a ayudarle en la creación de lo que hoy representa una de las mejores colecciones de arte moderno del mundo, la fundación Guggenheim y el Museo de arte no-objetivo (ahora Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York).

Establecida la Fundación Guggenheim en 1937, Rebay comienza a organizar exposiciones desde 2 años más tarde y hasta el momento de su retiro, poco tiempo después de la muerte de Solomon R. Guggenheim, en 1959.

26 de mayo de 2005

PIES EXPRESIVOS

Durante los últimos 20 años el fotógrafo de prensa Roland Owsnitzki ha fotografiado conciertos de rock desde el foso, hasta aquí nada extraño, salvo que para el proyecto "Feet me" ha limitado su campo de acción a lo que tenía a la altura de los ojos: los pies.


Nick Cave 30.06.86

25 de mayo de 2005

MUJERES VICTORIANAS

Con talento, energía y temperamento se atrevieron a enfrentarse a los convencionalismos sociales y a las presiones familiares con tal de ser ellas mismas.
Durante la época victoriana, una época caracterizada por el ascenso de la burguesía y la reafirmación de la mujer, ellas se hacen con nuevos papeles femeninos: actrices, botánicas, poetas, novelistas, viajeras, escultoras, astrónomas, cortesanas, investigadoras...

"Before Victoria: Extraordinary Women of the British Romantic Era" en la Biblioteca Pública de Nueva York.


Dora Jordan (1752 - 1816), la actriz cómica del momento.

19 de mayo de 2005

DRAMAS DIARIOS

Ambientes oníricos, inquietantes. drama interior, soledad, aislamiento. Escenas en suburbios estadounidenses poblados por presencias inexplicables y misteriosas. Paisajes desolados, calles vacías.

Gregory Crewdson, precursor de un grupo de fotógrafos que combinan la fotografía documental tradicional con elementos de ficción, propone en "Beneath the roses" 20 fotografías que representan escenarios cotidianos con una enorme carga de irrealidad; con evidentes analogías cinematográficas, en la construcción de la imagen, la iluminación, los actores, y un ambiente digno de obras de Hopper o de relatos de Raymond Carver.

Imágenes oscuras iluminadas por ejes de luz, como si alguna fuerza exterior entrara en contacto con los habitantes de un mundo imaginado

En la Galería White Cube de Londres.

18 de mayo de 2005

CELEBRANDO

Hoy es el Día Internacional del Museo. Esta celebración, promovida por el ICOM (Consejo Internacional de Museos) se centra este año en el patrimonio cultural material e inmaterial que es cada vez más reconocido como un factor decisivo en los procesos de desarrollo económico y turístico de la sociedad actual, sirviendo como herramienta de afirmación de la identidad cultural de cada pueblo.

Se ha establecido como lema para la celebración de este año: "El Museo, puente entre las culturas"; este lema hace referencia a la integración cultural y el papel social del museo como lugar de intercambio entre culturas. Este intercambio se realiza a través de los bienes que en él se alberga los cuales son el reflejo de la tradición, costumbres y modo de ser y pensar de los pueblos.

12 de mayo de 2005

VEDUTTE

La exposición "Canaletto y el triunfo de las vistas" en el Palacio Giustiniani de Roma, exhibe las "vistas" y los paisajes con los que tanta fama conquistó Antonio Canal "Canaletto" (1697-1768), en 31 óleos y 33 dibujos y grabados.

La muestra se centra en los veinte años que preceden su marcha a Londres en 1746, cuando sus obras eran ya objeto de culto del coleccionismo internacional hasta el punto de abrir el camino a una legión de seguidores e imitadores.

Venecia vista desde el Canal Grande o desde la Plaza de San Marcos, con el Palacio Ducal, sus puentes, sus iglesias, sus torres y sus góndolas. Venecia imaginada, perspectivas imposibles, con puntos de vista desde las alturas, edificios engrandecidos, estilizados o cambiados de lugar.

Junto al Canaletto pintor, la exposición ofrece una interesante retrospectiva de su faceta como dibujante, en la que los motivos venecianos se mezclan con los grandes vestigios de la Roma antigua.


Vista de la Plaza de San Marcos

5 de mayo de 2005

FOTOGRAFIANDO LO COTIDIANO

André Kertész (1894-1985) inició su carrera fotográfica en 1912, cuando compró su primera cámara y comenzó a fotografiar escenas cotidianas de su Budapest natal.
En 1925 se trasladó a París, donde inicia una relación con el mundo artístico de Montparnasse, se instala como fotógrafo ilustrador; fotografia a Leger, Mondrian, Chagall, Brancussi, Collete...Trabaja independientemente para revistas francesas, alemanas y británicas. Conoce a Brassai y Cartier-Bresson.

En 1936 emigra a Estados Unidos, donde trabaja realizando fotografías de arquitectura para diversas publicaciones gráficas y como freelance de revistas como Harper's Bazaar y Vogue.
Su trabajo no se da a conocer al gran público hasta que en 1964 el MOMA organizó una exhibición individual de su obra. A partir de ese momento su obra fue expuesta en los principales museos internacionales y su obra reconocida como una importante influencia en el nacimiento del fotoperiodismo y de la fotografía artística.

En los años 60 se siente atraído por los edificios de la ciudad, creando unas imágenes abstractas, tomadas desde su casa, en una planta 12, donde se dominaba Washington Square, relegando a un segundo plano el papel de la gente.

André Kertész en la Galería Nacional de Arte de Washington.

26 de abril de 2005

CARRACI

En el Museo del Prado la restauración de "Venus, Adonis y Cupido" de Annibale Carraci (1560-1609) ha revelado la gran calidad del lienzo que se ocultaba bajo repintes antiguos y sucesivas capas de barnices oxidados.

La escena del encuentro y enamoramiento de Venus y Adonis recreada por Carracci se muestra junto a las pinturas que Tiziano y Veronés dedicaron a otros momentos de la secuencia de estos amores mitológicos narrados por Ovidio en las Metamorfosis.
El cuadro de Carracci representa el momento del encuentro y el enamoramiento; el de Veronés, el reposo de los dos amantes y el de Tiziano, el momento de la partida fatídica de Adonis que, alertado por sus perros de presa, se aleja de Venus para ir a cazar al jabalí que le dará muerte.

Además cuatro grabados y dos dibujos contribuyen a explicar el proceso creativo seguido por Carracci, y una serie de piezas muestran la restauración llevada a cabo en la obra, entre las que se encuentran las radiografías que permiten apreciar algunos de los "pentimenti" del pintor.

20 de abril de 2005

PIRANESI VERSUS VIK MUNIZ

Vik Muniz recrea las "Cárceles" de Piranesi en "Prisons of the Imagination".
Las "Invenzioni Capric[ci] di Carceri" de Piranesi, visiones imaginarias de prisiones en arquitecturas imposibles, fueron grabadas en dos series. La primera edición de los grabados fue publicada en 1745 y fechada por su autor en 1742; dicen que estas imágenes son resultado de los delirios febriles ocasionados por la malaria que sufriera en la campiña romana.
Y enn 1761 hace una segunda edición de sus "Prisiones", agregando dos más a las catorce láminas precedentes.

En esos grabados Piranesi transforma las ruinas romanas en fantásticos y enormes calabozos dominados por largos y oscuros pasadizos, empinadas escaleras a increíbles alturas y extrañas galerías que no conducen a ninguna parte.
Ahora Vik Muniz recrea esos espacios imaginados en esta serie de reproducciones de reproducciones; no con la intención de imitar o mejorar el original, sino con la de animar al espectador a revisitar el original.


Vik Muniz
Carceri IV, La gran Plaza

12 de abril de 2005

MAGRITTE

El Foro de las Artes de Viena inaugura la exposición de 70 lienzos "René Magritte: la llave de los sueños” (nombre de uno de sus cuadros); la muestra está dispuesta en orden cronológico y muestra las obras de Magritte (1898-1967) desde mediados de los años 20, bajo la influencia de la pintura metafísica del italiano Giorgio de Chirico, hasta los años 60.
Todas ellas, en su conjunto, ayudan a redescubrir a un artista que, nacido del surrealismo, se convirtió en referente para muchos creadores de generaciones posteriores y movimientos artísticos como el pop y el arte conceptual.


El imperio de las luces (1954)

6 de abril de 2005

MAX ERNST

El Metropolitan de Nueva York inaugura la primera retrospectiva organizada en EEUU en los últimos treinta años de Max Ernst, cofundador del movimiento dadá y del surrealismo.
La exposición reunirá unas 175 obras que recorren el desarrollo estilístico, técnico y temático del artista, desde su primera aproximación al cubismo/expresionista hasta sus novelas-collages y pinturas realizadas con técnicas innovadoras.

Fue el trabajo de Giorgio de Chirico el detonante del nuevo rumbo que tomaría la obra de Ernst en la década de los años 20, que se manifestó en "collages" y en las que hoy estilísticamente se consideran primeras pinturas surrealistas.

Entre éstas pinturas "protosurrealistas" destacan "Elefante Celebes" y "Ubu Imperator", que, muy al estilo de De Chirico, presentan asociaciones ilógicas de partes y elementos en paisajes solitarios de perspectivas confusas y bañados de duras sombras.

Poco después de realizar estos trabajos, Ernst comenzó a experimentar con la técnica semiautomática del "frottage", que consiste en frotar grafito o pastel sobre papeles colocados encima de superficies de rica textura, a fin de "grabar" sus diseños. Ernst aplicaría luego ésta técnica a la pintura, un proceso que acuñó como "grattage" y que utilizaría para representar bosques, conchas marinas, flores y pájaros.

El artista adoptaría posteriormente la técnica "decalcomanía", que se logra al aplicar una capa de pintura sobre el lienzo y luego un trozo de papel o vidrio encima que, al ser presionado y levantado, deja patrones y manchas de formas orgánicas.

En sus pinturas solía representar bosques, ciudades en ruinas y materia orgánica en descomposición, así como mujeres cubiertas de plumas o con cabeza de pájaro, bestias y seres deformes, temas alejados de la realidad política de ese momento.

En los años 40, Ernst se mudó a Arizona con su cuarta esposa, la pintora estadounidense Dorothea Tanning, donde pintaría escenas que reflejan los saturados colores del paisaje desértico y donde se aproximaría, tangencialmente, a la abstracción.

Ernst regresó a París en 1953, y murió allí el 1 de abril de 1976, la noche antes de cumplir 85 años.


Los cormoranes, 1920.

28 de marzo de 2005

EL MONTMARTRE DE TOULOUSE-LAUTREC

"Toulouse-Lautrec y Montmartre", organizada por la National Gallery de Washington, es la mayor retrospectiva que se haya realizado de Toulouse-Lautrec, después de las de 1991 y 1992 en París y Londres.
Se han reunido más de 250 piezas de la década de 1885 a 1895, dentro de las que destacan sus pinturas más famosas y 12 de las 50 litografías que realiza a la bailarina Loïe Fuller.

Fue en 1881 cuando abandonó la casa familiar, se traslada a París y entra en el taller de Bonnat; a partir de 1885 comienza a manifestar un estilo personal, con un estilo fundamentado en la línea y en el dibujo con zonas de color amortiguado muy parecidas con las estampas japonesas.
En este período comenzó a frecuentar los cabarés y los lugares de reunión de Montmartre; ilustra bailes, cabarets, circos, burdeles, cafés...; y entre otros muchos, diseña el cartel publicitario del cabaret Moulin Rouge, en cuyo vestíbulo exponía las obras que no fueron admitidas en el Salón de París por ser consideradas inaceptables.


En el Moulin Rouge, 1892/1893

15 de marzo de 2005

AZTECAS

Después de arrastrar masas en Londres, Berlín y Nueva York, la exposición El imperio azteca, considerada la muestra más completa sobre la historia, arte y cultura de esa civilización prehispánica, llega al Museo Guggenheim de Bilbao el próximo viernes.

Se trata de la exposición internacional más importante sobre la cultura mexicana ya que se exhiben por primera vez juntas cerca de 600 piezas prehispánicas y coloniales. La muestra se articula en diez temas, distribuídos en once salas que reflejan desde el ambiente geográfico que caracterizó el territorio mexicano de la época, hasta la conquista española, ofreciendo una recreación profunda de la sociedad azteca desde sus orígenes, hasta la culminación del ocaso de su poderío.

Entre las obras de piedra y barro, los códices, cerámicas y joyería de la muestra destacan piezas como la Ofrenda del Dios Rojo (que se mostrará por primera vez en Europa ), la Coatlicue o Chicomecóatl, deidad de la tierra y la fertilidad; la Venus de Texcoco, y la figura de la Coyolxauhqui, diosa lunar que simbolizaba a los pueblos derrotados por los aztecas, entre otras, que reproducen en su conjunto el periodo arqueológico conocido como Postclásico Tardío.

7 de marzo de 2005

BASQUIAT

Murió en su ciudad, Nueva York, antes de cumplir los 28 por una sobredosis de heroína. Le inspiraban Picasso, el arte africano, el jazz y los trazos infantiles; le gustaba dibujar coronas y eses en los fondos de sus cuadros, llenarlos de enigmas y símbolos que solo eran capaces de descifrar los que le conocían bien.

La última gran retrospectiva realizada sobre el trabajo de Jean-Michel Basquiat (Nueva York, 1960-1988) en el Brooklyn Museum expone por primera vez en Estados Unidos más de 70 pinturas y 55 obras en papel de Basquiat, incluyendo los 32 dibujos de la Suite Daros, realizados por el artista tras su relación con el coleccionista Thomas Ammann.

De 1980 a 1982, su dedicación al graffiti favoreció el cambio de opinión de la crítica especializada con respecto a esta técnica. Durante este primer período, Basquiat inserta en su obra la visión de la realidad de los barrios bajos de Nueva York, los fragmentos que conserva de lo aprendido en su niñez.

Entre 1982 y 1985, este rescate de signos del pasado se consolida: imágenes vudú, tótem, arcanos.... También en estos años, reivindica su raza mediante retratos que rinden tributo a músicos, escritores y líderes negros en innumerables disciplinas, principalmente en el arte y el deporte, donde destacan los boxeadores y los jugadores de baloncesto.

Por último, desde 1986 y hasta su muerte, la acción de Basquiat se refina. Aunque sigue buceando en las mismas obsesiones que le persiguieron desde su adolescencia, empieza a mirar hacia Europa y su legado pictórico.

16 de febrero de 2005

RETRATOS

"Los retratos de Memling", una exposición organizada por el Museo Thyssen-Bornemisza en colaboración con el Groeningemuseum de Brujas y la Frick Collection de Nueva York, reúne casi la mitad de la producción retratística de uno de los pintores holandeses más destacados del siglo XV.

La muestra está concebida como un recorrido cronológico que permite observar las diversas variaciones que logra el pintor en su estilo de retratos.
La producción de Memling fue eminentemente de temática religiosa, y en ella el conjunto de los retratos, 30 en total, constituye lo más original, donde introdujo suaves paisajes como fondos de sus retratos, motivo que empleó con más asiduidad para representar a sus clientes italianos, una de sus grandes innovaciones dentro del género.
En los retratos los fondos de campos o terrazas sirven para realzar las figuras, representadas en tres cuartos o de medio cuerpo, una novedad dentro de la retratística flamenca del momento, y también jugó con los marcos de las tablas para aumentar los efectos espaciales de sus modelos.

Sus obras mas tempranas se caracterizan por un moldeado liso y tenso, de una cierta frialdad, mientras en los mas tardíos la pincelada se vuelve ágil y espontánea, su técnica es más suelta y al tiempo forma y segura, y por encima de todo su maestría en la ejecución, virtuosismo y precisión en la definición de los rasgos de la cara y los detalles del traje o los paisajes.


Retrato de hombre desconocido
1490

10 de febrero de 2005

PUERTAS

Ya es una realidad The Gates, la obra de Christo y Jeanne-Claude en la que se instalarán temporalmente 7.500 puertas de 4,9 metros de alto, de cada una de las cuales colgarán telas de color azafrán.

Las puertas se están colocando a lo largo de 37 kilómetros de senderos y podrán ser vistas sólo durante dos semanas, hasta el 27 de febrero, tras lo cual serán desmontadas y se reciclarán las 4.799 toneladas de acero y los 187.311 Km. de hilo de nylon.

En el blog The Gates @ Central Park se pueden subir fotos, comentarios y críticas de los visitantes.

+ fotos en www.fotolog.net/the_gates

7 de febrero de 2005

ARTE ES VIDA, VIDA ES ARTE

Las vitrinas e instalaciones de Joseph Beuys, el artista alemán más influyente del siglo XX, llegan a la Tate Modern de Londres en la mayor retrospectiva de los últimos 10 años dedicada en Europa al llamado "poeta de la grasa".
En las 10 salas de la Tate que ocupa la exposición el espectador puede recorrer las tres áreas del universo creativo del autor: sus vitrinas, sus performances y sus instalaciones.

Una de las salas acoge 16 vitrinas, instalaciones en miniatura que guardan todo tipo de objetos y materiales, un maletín, una botella, basura, una flor o tierra, entre los que predomina el sebo, que Beuys utilizó durante toda su carrera.

Su predilección por las grasas animales parece tener su origen en una experiencia vivida en la Segunda Guerra Mundial, en la que casi pierde la vida; en 1944, su avión fue derribado sobre Crimea y el artista fue rescatado por nómadas tártaros que salvaron su vida gracias a los cuidados que le prodigaron, curándole de sus heridas y protegiéndoles del frío con grasa y piezas de fieltro.

La instalación "El paquete" (1969) consta de una vieja furgoneta Volkswagen de la que cuelgan una treintena de trineos equipados con linternas y bolas de sebo.
Ese trabajo evoca el accidente de Crimea y supone una metáfora de la supervivencia humana, pues, según el propio autor, "la Volkswagen es de utilidad limitada en caso de emergencia, y medios más directos y primitivos deben adoptarse para garantizar la supervivencia".


1 de febrero de 2005

INMATERIAL Y MONOCROMO

Desde ayer y hasta el mes de mayo se podrá visitar en el Museo Guggenheim Bilbao la exposición "Yves Klein", una retrospectiva que recorre la trayectoria artística de este creador que pese a lo prematuro de su muerte en 1962 a los 34 años y lo corta de su carrera (7 años), fue precursor de muchas de las tendencias artísticas predominantes en el panorama artístico internacional de la segunda mitad del siglo XX como el happening, la performance, el arte corporal o el arte conceptual, así como de la pintura monocromática.

En esta retrospectiva se podrán ver ejemplos de cada una de sus etapas pictóricas: sus primeras pinturas monocromas en naranja, amarillo, verde, rojo, negro o blanco; las famosas monocromías azules y los relieves y esculturas de esponja; sus polémicas antropometrías, para las que utilizaba modelos femeninas a modo de brochas vivientes; las monocromías doradas y sus experimentos finales con fuego y elementos de la naturaleza.


Salto al vacío de Yves Klein.

24 de enero de 2005

BOTERO EN SINGAPUR

La obra de casi tres décadas del artista Fernando Botero se expone en el Museo de Arte de Singapur, son más de 70 pinturas y dibujos y 36 monumentales esculturas en bronce, 22 de las cuales se exhiben en el Aeropuerto Changi y en otros locales alrededor del Centro de Arte de la Explanada marítima
Diez de las esculturas mostradas están a la venta por un precio de 850.000 dólares cada una.

Desde los años 60, Fernando Botero se dedica a la pintura, tomando como bases el Renacimiento, la pintura Barroca y la tradición colonial de América Latina; es en esta época cuando comienza a experimentar con el volumen de sus creaciones, expandiendo sus figuras y comprimiendo el espacio alrededor de ellas.
En los 70 se inclina por la escultura, durante este tiempo estuvo dedicado de lleno al bronce, mármol y la resina fundida


19 de enero de 2005

TURQUIA

La exposición "Turcos, un viaje de 1000 años" que se inaugurará el sábado en la Royal Academy of Arts de Londres examina la riqueza artística y cultural turca partiendo del Asia profunda y llegando más allá de Estambul.

Estudia un milenio completo, del 600 al 1600 d.C., a través de una amplia selección de más de 350 obras (obras textiles, cerámica, artesanía en madera y metales, manuscritos y caligrafías) provenientes de los dos principales museos turcos: el Topkapi Saray y el Museo de arte turco e islámico de Estambul.

La exposición abarca cuatro imperios turcos; empezando por el del nómada Uyghurs del siglo VII, incluye obras de los imperios Seljuk, Timurid y termina con el Imperio otomano desde el reinado de Mehmet II hasta Solimán el Magnífico, incluida la caída de Bizancio y la expansión extraordinaria del Imperio otomano hasta La Meca.


12 de enero de 2005

INGENIOS

El Palacio Corsini de Roma acoge una exposición internacional itinerante sobre el Código Atlántico de Leonardo da Vinci.
Para esta muestra, de entre las 1.286 piezas de las que se compone el códice, han sido elegidas 70 obras, que son las originales de la edición de Ulrico Hoepli, cuidada y custodiada por la Accademia dei Lincei.
El trabajo de reconstrucción de Hoepli, llevado a cabo entre los años 1894-1904, constituye una fiel copia del original que se encuentra en la Biblioteca Ambrosiana de Milán. Ese original fue salvado de su pérdida o dispersión por Pompeo Leoni, un escultor, coleccionista y gran admirador de Leonardo, que durante la segunda mitad del siglo XVI recopiló las partes que más le interesaban del Código y compiló el documento.

Junto a las piezas del Código, la exposición se completa con reproducciones de inventos y máquinas cedidas por el Museo Leonardiano de Vinci, el Instituto y Museo de la Ciencia de Florencia y la Colección Boldetti.

El Código Atlántico es el más importante y amplio de los 10 famosos códigos en los que fueron divididos sus manuscritos; Leonardo nunca publicó o distribuyó los contenidos de sus manuscritos, éstos permanecieron ocultos hasta el siglo XIX.