23 de diciembre de 2004

Museos.es

ANIMALES

El Museo Metropolitano de Nueva York es el escenario en el que 80 creadores muestran sus diseños inspirados en pájaros, bestias, pieles y plumas en la muestra que, Salvaje: la moda sin domesticar.
Reúne más de cien trajes y otros accesorios cuya principal inspiración son los pájaros y las bestias, las pieles y las plumas como síntesis de la parte más viva y salvaje de la naturaleza.

13 de diciembre de 2004

LOS OJOS DE LA GENTE

En la Whitechapel la exposición "Faces in the Crowd" estudia la representación de la figura humana como expresión de la modernidad.

El título de la exposición está tomado de este poema que Ezra Pound escribió inspirado por un trayecto en el metro de París en 1913,

In a station of the metro

The apparition of these faces in the crowd;
Petals on a wet, black bough.


En una estación del metro

La aparición de estos rostros en la multitud;
pétalos en una mojada rama negra.


Partiendo de "Baile de mascaras en la Opera" de Edouard Manet, en la que el artista posa con algunos de sus amigos rodeados de los demás participantes en el baile, se establece un recorrido por algunas de las obras maestras del arte figurativo de vanguardia y contemporáneo.

10 de diciembre de 2004

HUIDA

El 28 de mayo de 1606 Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio, juega en un equipo de cuatro personas una partida de pelota en el Campo Marzio. El juego degenera en riña, los ocho jugadores llegan a las manos, y Caravaggio y Ranuccio Tomassoni, jefe de una banda de maleantes, se baten en una especie de duelo. Caravaggio, mata a su contrincante y huye; jamás volvería a Roma, la ciudad donde había alcanzado la fama.

Esta huida dejó una serie de obras muy dispersas y difíciles de rastrear. El museo de Capodimonte de Nápoles, con la colaboración de diez museos y una veintena de préstamos privados ha reunido 19 de sus obras y presenta 5 lienzos más como propuestas de atribución. Además, completan esta visión 9 copias de autores menores de originales que se dan por desaparecidos.

Su última huida le llevó primero a varios pueblos del sur del Roma, propiedad de la familia Colonna. Desde allí, se fue a Nápoles, donde cumplió varios encargos sublimes, como 'Las obras de la Misericordia' y 'La flagelación', pero el temor a ser apresado le empujó a embarcarse hacia Malta, donde nada sabían de sus problemas con la justicia. Allí logra que le nombren caballero y realiza varios retratos y lienzos.

Sin embargo, una nueva bronca le llevó también a la cárcel. No se sabe cómo, pero logró escapar y recalar en Sicilia. En la isla, entonces borbónica, trabajó de 1608 a 1609 entre Siracusa, Messina y Palermo. Pero no conseguía pasar inadvertido: le denunciaron por molestar a alumnos y tuvo más peleas.

De nuevo regresó a Nápoles, pero nada más llegar le dieron un paliza que lo dejó malherido. La tenebrosidad de sus obras ya es abrumadora y le persiguen las imágenes de torturas, martirios y sobre todo la decapitación, la pena que pesaba sobre él. En la muestra hay cinco, con el pretexto temático de Salomé y Goliat. Entre ellas su famoso autorretrato en la cabeza que sostiene David.

Caravaggio pensó en volver a Roma y se embarcó hacia Porto Ercole, al norte de la ciudad. Llevaba encima tres lienzos. Fue detenido otra vez, al parecer por un error de identidad, y liberado a los dos días, pero ya estaba muy enfermo.
Falleció, triste y solo en la playa, el 18 de julio de 1610.

1 de diciembre de 2004

DISEÑANDO PARA LA MUJER MODERNA

La exposición "Shocking! The Art and Fashion of Elsa Schaparelli", organizada por el el Museo de Arte de Filadelfia y que se pudo ver este verano en el Museo de la Moda de París, homenajea a la diseñadora italiana Elsa Schiaparelli (1890-1973) con la muestra de 250 de sus modelos y diseños que permiten recorrer la obra de esta "artista que hace vestidos", como la calificaba su gran rival, Coco Chanel.
Schiaparelli se auto calificaba como "una modista inspirada".

La exposición se propone explicar el genio creativo de "una mujer de ideas, cuyos amigos eran los surrealistas y que hizo realizar sus modelos por los más grandes artistas franceses", la conservadora del museo, quien también señala que Schiaparelli fue "la primera que inventó el desfile-espectáculo, esto es, el tema para una colección".

Schiaparelli nació en Roma en el seno de una familia burguesa y en 1916 conoció a Gabrielle Picabia, la mujer del pintor dadaísta Francis Picabia, quien le presentaría después al pintor y fotógrafo Man Ray.
Tras separarse poco después de su marido, Elsa Schiaparelli se instaló en París, donde se reencontró con sus amigos artistas y conoció a Jean Cocteau, Salvador Dalí y Pablo Picasso.

Después de trabajar como diseñadora en una pequeña firma de moda, decidió abrir su propia casa de alta costura en el número 21 de la Plaza Vendome.
Sus prendas sport, sus trajes de calle y sus trajes de noche harían furor entre las más elegantes de la capital francesa.
Muchas de sus creaciones más innovadoras se deben a la colaboración con la casa Lesage, los grandes bordadores de esos años, como su colección "Circo" (1938) o "La Música" (1939).


30 de noviembre de 2004

REALIDADES Y SUEÑOS

La pintora Paula Rego expone por partida doble en el Museo Serralves de Oporto y en la Tate Britain.

En la exposición de Oporto, presenta una selección de obras producidas a partir de 1996 que inciden en la relación entre su pintura y el diseño; por primera vez presentará los diseños preparatorios de sus pinturas y una nueva serie de trabajos realizados expresamente para esta exposición en los que el tema de referencia es la ciudad de Oporto.

Y en la muestra de la Tate Britain, se reúnen dibujos y pinturas representativas de una buena parte de su producción, desde esos primeros collages y obras en las que las figuras semi-abstractas y la técnica del dibujo automático la aproximan al surrealismo, hasta obras recientes, algunas nunca antes expuestas, como The Pillowman (2003), pasando por aquellas más conocidas para el público, como The Dance (1988).
De esta última, Rego llegó a hacer hasta once dibujos preliminares diferentes y en cada uno de ellos jugaba con distintas actitudes, expresiones de los personajes y composiciones, en su afán por explorar los distintos roles femeninos que se establecen entre mujeres y entre mujeres y hombres.

La investigación sobre la feminidad y sobre las relaciones ha acaparado en los últimos años la producción de Paula Rego, ocupándose menos de temas políticos y más de aspectos de carácter autobiográfico.

19 de noviembre de 2004

REMODELACIÓN

De Queens a Manhattan.
425 millones de dólares después se reabre la nueva sede del Museo de Arte de Nueva York tras dos años y medio de iniciado el proyecto de ampliación y remodelación. También se conmemora el 75 aniversario del museo, que cuenta con la colección de arte moderno y contemporáneo más importante del mundo.

La obra del arquitecto japonés Yoshio Taniguchi eleva a seis los pisos del MoMA y tiene como eje central un amplio atrio alrededor del cual se han dispuesto las galerías que albergan su colección de 150.000 esculturas, pinturas, dibujos y fotografías.

Tiene fachada de cristal y piedra y ventanas que permiten la entrada de luz natural y que hacen que la arquitectura de Manhattan sea parte de las galerías.
Según el director del MOMA: "Taniguchi ha expuesto al museo a la ciudad, dejando a los visitantes crear una nueva relación entre las galerías y el paisaje exterior a través de las aberturas de cristal dispuestas en las paredes".


16 de noviembre de 2004

JUZGAR

El polémico Premio Turner ya tiene finalistas para este año. La Tate Britain realiza una exposición con la obra de los artistas seleccionados: Kutlug Ataman, Jeremy Deller, Langlands & Bell y Yinka Shonibare, de entre los cuales saldrá el ganador el día 6 de diciembre.

La pareja formada por Ben Langlands y Nikki Bell, con un proyecto incluye una animación digital interactiva de una casa que ocupó Bin Laden en las montañas afganas a finales de los 90 y varias construcciones que utilizan los logotipos de las organizaciones no gubernamentales activas en ese país.

Otro de los finalistas, Jeremy Deller presenta una instalación en la que destaca su vídeo "Memory Bucket" (Cubo de la Memoria), un documental político rodado en Texas , y que completan un documental sobre una marcha en San Sebastián durante la bienal de arte "Manifesta 5" y una serie fotográfica relacionada con un conflicto minero británico.

En el vídeo "Twelve", Kutlug Ataman mezcla realidad y ficción y muestra como varios individuos de distintas edades de una comunidad árabe del sureste de Turquía que cree en la reencarnación, cuentan ante la cámara su experiencia personal de la muerte y posterior resurrección.

El último de los cuatro seleccionados este año es el anglo-nigeriano Yinka Shonibare, que presenta un mundo a mitad de camino entre el rococó europeo y el exotismo colorista del continente negro.


Yinka Shonibare
Maxa, 2003
Colección Melva Bucksbaum y Raymond Learsy.

9 de noviembre de 2004

RAFAELLE D'URBINO

La National Gallery de Londres alberga la exposición "Rafael: de Urbino a Roma", que pretende mostrar la evolución estilística desde los orígenes de Rafael (1483–1520) en su ciudad natal de Urbino, hasta su consagración en la capital italiana bajo el patronazgo del Papa Julio II.

También se explorará el contexto histórico en que el maestro creó sus obras y el desarrollo de las técnicas que empleó.

Para la exposición se han reunido pinturas y dibujos provenientes tanto de los fondos de la Galería Nacional de Londres como de préstamos de otras relevantes colecciones internacionales: la "Madonna de Alba", de la Galería Nacional de Washington, y la "Madonna del Condestable", del Hermitage de San Petersburgo; un autorretrato de Rafael, procedente de la Galería de los Uffizi, y "San Jorge" y "San Miguel", de El Louvre.


4 de noviembre de 2004

ESCULTURAS

Para conmemorar los cien años del nacimiento del artista norteamericano de origen japonés Isamu Noguchi, el Whitney Museum de Nueva York le dedica una importante exposición centrada exclusivamente en su faceta como escultor e integrada por sesenta piezas y 20 dibujos.

"Isamu Noguchi. Master Sculptor" dará a conocer la variada producción del artista, empezando por sus esculturas constructivistas realizadas bajo el impacto de la obra de Brancusi, hasta llegar a sus esculturas lunares, sus esculturas totémicas de mediados de los cuarenta o sus piezas de piedra de los sesenta.

27 de octubre de 2004

RETRATOS

En Inglaterra varias exposiciones conmemoran el centenario de la muerte del retratista victoriano George Frederic Watts (1817-1904).

Amigo de poetas como Alfred Tennyson, del crítico de arte, esteta y pensador John Ruskin, de los pintores prerrafaelitas y de la pionera de la fotografía Julia Margaret Cameron, Watts es sin duda uno de los más grandes retratistas ingleses del siglo XIX.

Se inició en la pintura en 1834. Después de una larga estancia en Italia volvió a Inglaterra, donde sus pinturas "Eco", "San Jorge matando al dragón" y "Alfredo animando a los sajones a emprender una expedición marítima" fueron adquiridas por el gobierno para adornar las paredes del Parlamento.
Para la escuela de Derecho pintó "La alegoría filosófica de los legisladores del mundo". Entre sus retratos destacan Paolo Malatesta, Francesca de Rimini y El hada Morgana.

G.F. Watts supo utilizar su talento para progresar en el círculo de artistas, coleccionistas, aristócratas e intelectuales que frecuentaban a Lord y Lady Holland en Florencia hacia mediados del siglo XIX. Lord Holland, era un destacado mecenas y amigo del pintor, y en su residencia londinense de Kensington, la Little Holland House, estuvo el salón por excelencia de la era victoriana, lugar de reunión de los políticos, escritores y artistas más destacados del momento.

Como invitado permanente en la Little Holland House, en la que llegó a pasar veinticinco años de su vida, Watts frecuentó a la flor y nata de la sociedad londinense: los prerrafaelitas y Burne-Johns, escritores como Carlyle, Ruskin y Tennyson, el famoso astrónomo John Hershel o políticos como Gladstone.

En la National Portrait Gallery se pueden ver algunos de sus retratos.


Autorretrato
G.F. Watts, 1845

15 de octubre de 2004

BSO

Quien entra estos días en la Sala de Turbinas de la Tate Modern se encuentra con el montaje "Raw materials" (Materias primas) creado por el artista Bruce Nauman.

Según se avanza por la sala se va escuchando un "collage" de voces que recitan textos distintos, algunos gritados, otros susurrados y siempre repetitivos; son 21 bandas sonoras ejecutadas en el transcurso de los últimos treinta años.

Es una "obra abierta", que sugerirá a cada persona cosas distintas, en la que se nota la influencia de la música aleatoria y minimalista de un John Cage o de un Philip Glass, al mismo tiempo que la visión del mundo entre obsesiva y desesperada del escritor Samuel Beckett.

Si uno se acerca a cualquiera de los altavoces, puede escuchar de manera distinta los sonidos, pero cuando se aleja y se sitúa en el centro de la sala le llega una especie de griterío angustioso y confuso. Es algo parecido a lo que podemos escuchar en el ejemplo que encontramos en la web.

6 de octubre de 2004

TIERRA Y ARTE

En la galería Estiarte, de Madrid, se puede ver hasta finales de mes la exposición "Rock Drawings" que reúne obra gráfica y esculturas del británico Richard Long.

Son tres series de litografías y una serie de cinco piedras pintadas a mano.

"Rock Drawings", de 1994, es una carpeta con doce litografías de las piedras del desierto de Mojave, de California, de las cuales parece estar tomada, siguiendo la técnica pictórica del "frottage", la textura de las láminas.

"Untitle" consta de otras seis litografías sobre papel hecho a mano y de un acabado vegetal próximo a la corteza de algunos árboles, sobre el que Long traza un itinerario de círculos, líneas y laberintos.

La exposición se completa con "Black Dust", tres litografías de dos metros de altura; la pieza "Linea de sonido", con textos de las experiencias anotadas por Long en sus paseos, y cinco esculturas de piedra arenosa, con la huella impresa del artista.

4 de octubre de 2004

CUADROS DE NORUEGA

CUADROS DE NORUEGA
Mientras seguimos sin noticias de las tres obras de Munch robadas en agosto, el Museo Munch de Oslo presta al Kunsthalle de Emden (Alemania) 63 obras que Munch pintó en Noruega, cuando se estableció allí tras sus estancias en Francia y Alemania.

En 1885 realiza su primer viaje a París para estudiar y allí volverá en los años que van de 1889 a 1892; en París comienza con la temática que se acerca al drama humano con sus temores, obsesiones... y allí descubre a Gauguin, en él encuentra una imagen simplificada que le va a ser útil para transmitir la angustia y la soledad.

En Berlín, tras su participación en 1892 en la exposición de la Berliner Künstlerverein (Círculo de artistas berlineses), se convierte en una figura clave para los expresionistas; realiza exposiciones por toda Alemania sentando las bases de una profunda influencia en el arte centroeuropeo.

Los años previos a la crisis nerviosa de 1908 son de continuos viajes, alternando largas estancias en Alemania y París, con veraneos en su casa Noruega de Argardstran, en el fiordo de Oslo; en otoño de ese año sus problemas nerviosos, agravados por los efectos del alcoholismo, le obligan a permanecer internado ocho meses en una clínica psiquiátrica de Copenhague.

Restablecido, regresa a Noruega e inicia un periodo en el que su obra muestra una nueva vitalidad. Un excelente ejemplo de ello son los paneles que decoran el Aula Magna de la Universidad de Oslo y el vigoroso y brillante colorido de sus paisajes. Este optimismo es paralelo al reconocimiento general de su obra, que se concreta en la exposición del Sonderbund de Colonia en 1912 y la del año siguiente de Berlín.

Munch pasará las últimas dos décadas de su vida retirado en su finca de Ekely, en las afueras de Oslo, dedicado con renovada intensidad a la pintura.

28 de agosto de 2004

BOCA ABAJO

El Centro de Artes y Exposiciones de Alemania en Bonn reúne en "Georg Baselitz: Pictures That Turn Your Head" los 130 de los trabajos más importantes de este representante del neoexpresionismo alemán
Se pueden ver sus "poco conocidos" primeros trabajos, sus famosas pinturas de héroes de los años 60, las pinturas fracturadas y bocabajo que crea a partir del año 69 junto a sus cuadros pintados con los dedos de mediados de los 70 y sus "comedores de naranjas" de principios de los 80.
A estas les siguen sus pinturas figurativas entre las que figuran el gran "Painter Picture" y la obra de gran formato "Work One".
El recorrido continua por sus poéticos trabajos basados en el romanticismo de Caspar David Friedrich y que se dieron a conocer en 1999 en una muestra celebrada en el Reichstag de Berlín, concluyendo en obras inéditas realizadas entre el 2002 y el 2004.

Los "Upside Down Paintings" surgen en el año 1969, fecha en la que realiza "The Forest on its Head". El artista afirmó en repetidas ocasiones que cuando quería pintar cuadros aún después de estrujarse los sesos y de inventar motivos, la salida más fácil era la de pintar los motivos al revés. Puso el ejemplo del cielo y la tierra, preguntándose por qué habían de ser representados el primero arriba y la segunda abajo. Baselitz utiliza este recurso para deconstruir el sentido convencional de la imagen.

6 de agosto de 2004

MULTITUDES

En el Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci de Prato se expone la primera muestra retrospectiva dedicada por un museo italiano al fotógrafo Massimo Vitali.
Esta exposición se expondrá en la Fundacion BBK de Bilbao desde el 8 de noviembre hasta el 15 de diciembre.

La exhibición recorre toda su obra desde sus primeros trabajos en 1995 hasta los últimos, realizados para la ocasión, a través de fotografías de gran formato dispuestas por tipologías y predominio cromático: el rojo para la concurrida playa de Riccione, el azul para la costa tirrénica o las piscinas del norte de Europa, el verde para los jardines del Luxemburgo de París y las dunas de la costa belga, el blanco de la playa de Knokke y de la nieve de Les Menuires y el negro en las fiestas nocturnas de la playa o en la discoteca.
La exposición cuenta por primera vez con cincuenta fotografías de Vitali provenientes de colecciones privadas e importantes galerías europeas, entre ellas numerosos dípticos, trípticos y polípticos, series famosas como Rosignano (1995/98) y Riccione (1997), obras más recientes como Pic-nic (2000) y Kiss (2001) y otras nunca antes presentadas en Italia como el grandioso Knokke poliptych (2002).

"Una playa donde las personas juegan en el agua con un polígono industrial al fondo puede leerse como una crítica de la sociedad del tiempo libre, como una evidencia de la destrucción de la naturaleza, de la incosciencia de frente a los problemas del medio ambiente; del mismo modo, en la misma imagen aparecen también las nociones contrarias al placer, del juego, de los cuerpos, de las relaciones amorosas y el color empalagoso del agua nos lleva a la idea perdida de la belleza o de aquellas representaciones históricas donde los cuerpos fluctúan evocando el purgatorio.
Soy curioso hasta el punto de dejarme arrastrar por el voyerismo.
Me fascina el comportamiento de las personas pero sin intentar comprender qué es.
Mi intervención es neutra, sólo dejo constancia de un estado que se impone frente a mí.
Soy rígido porque elijo una posición y espero que las cosas sucedan delante de mí.
Soy abierto porque las cosas que suceden son las que definen la foto.
La experiencia fotográfica se convierte en una práctica abierta para vivir una experiencia del mundo".


5 de agosto de 2004

3 de agosto de 2004

LA FLOR Y EL SAUCE

En la Galería Pelayo47 de Madrid se exponen hasta finales de septiembre una serie de fotografías que siguen el estilo que el fotógrafo italiano Felice Beato inició en su estudio de Yokohama.
Felice Beato (1825-1908), un veneciano nacionalizado británico, documentó con sus fotografías la guerra de Crimea (1855), la revuelta de los Cipayos en la India (1857) en lo que serían las primeras imágenes de cadáveres de guerra.
También cubrió la Segunda Guerra del Opio entre China y Francia-Gran Bretaña (1856-1860), allí fue donde conoció a Charles Wirgman un ilustrador que era corresponsal del "Illustrated London News".

Alentado por Wirgman, se instaló en Yokohama en 1862 donde abrió un estudio fotográfico, el Yokohama Foreign Settlement, en el que se dedicó a un tipo de fotografía de corte antropológico y costumbrista.
La temática y puesta en escena de sus fotografías recuerdan a las de las estampas ukiyo-e con las que Beato estaba familiarizado. Buscando la representación de los estereotipos presentes en la sociedad nipona, Felice Beato hace protagonistas a geishas, actores del teatro kabuki, comerciantes y artesanos, pero siempre dejando patente la individualidad y psicología del personaje retratado.

La gran popularidad que adquirieron estas imágenes coloreadas, tanto entre los extranjeros que las adquirían como souvenir de sus viajes, como entre los nativos que reconocen en ellas una nueva visión de su "mundo flotante", llevó a Beato a contratar a numerosos artistas japoneses del ukiyo-e para colorear sus fotografías, llegando a establecer en su estudio auténticas cadenas de producción para hacer frente a la creciente demanda de estas imágenes.

30 de julio de 2004

PARQUE

La ciudad estadounidense de Chicago estrena el proyecto cultural más caro de su historia, el parque del Milenio ha costado 383,8 millones de euros, el triple de lo previsto, tiene una superficie de 100.000 metros cuadrados e incluye, además de amplios jardines y paseos, obras arquitectónicas, esculturas, lugares de ocio y auditorios musicales.
El escultor espa?ol Jaume Plensa es el autor de la obra monumental en este espacio, la Fuente Crown; se trata de un espacio de 2.200 metros cuadrados en cada uno de cuyos extremos hay una torre de dieciséis metros de altura y ocho y medio de ancho, de las que brota agua en cascada y que funcionan de pantallas gigantes en las que se proyecta una secuencia de luces e imágenes de los rostros de un millar de habitantes de Chicago. El trabajo de filmación y selección de los rostros que aparecen en la fuente estuvo a cargo de alumnos del Instituto de Arte de Chicago, sobre una idea del artista catalán de incluir “la gente de verdad que construye esta ciudad”.
También aportan obras al parque el arquitecto Frank O. Gehry, que dise?ó el pabellón Pritzker como sede de la orquesta sinfónica y el coro del parque Grant, Gehry volvió a utilizar generosamente el titanio y el acero para construír la cúpula del pabellón, que tiene capacidad para 11.000 espectadores. También es el responsable de un puente de acero que permite unir el nuevo Millennium Park con el resto del Parque Grant, que es el escenario de las fiestas multitudinarias del verano frente al lago Michigan. Otro escultor invitado fue el londinense Amish Kapoor, cuya obra Puerta Celestial (rebautizada como "El Frijol") realizada en acero inoxidable refleja a los visitantes y a los edificios de los alrededores. El dise?o de los jardines es obra de la arquitecta Kathryn Gustafson, quien acaba de inaugurar el monumento conmemorativo de la princesa Diana de Gales en Londres.

20 de julio de 2004

SOBRE PAPEL

La galerí­a Distrito Cu4tro cierra la temporada, en sus dos espacios de Madrid, con una muestra cuyo denominador común es el soporte de la obra. Se trata de una selección de trabajos, ejecutados con distintos lenguajes, desde el dibujo hasta la pintura o el collage, hecha con el deseo de dar a conocer el trabajo más í­ntimo de los artistas. Pintores conocidos, españoles e internacionales, como Felicidades Moreno, James Rielly o Dario Urzay, que recorren una amplia gama de estilos: desde la abstracción gestual de Moreno a la figuración atmosférica de Rielly.

13 de julio de 2004

FRIDA

"Mi cuerpo es un marasmo. No puedo escapar de él. Como un animal que siente su muerte, siento que la mía se instala en mi vida con tanta fuerza que me priva de cualquier posibilidad de lucha. No me creen, porque me han visto luchar tanto. No me atrevo a creer que podría equivocarme, esa clase relámpagos no existen.

Mi cuerpo me abandonará, a mi, que siempre fui su presa. Presa rebelde, pero presa. Sé que nos vamos a aniquilar mutuamente, así que la lucha no tendrá vencedor. Vana y permanente ilusión creer que el pensamiento, porque está intacto, puede liberarse de esa otra materia hecha carne.

La vida es cruel encarnizándose de este modo conmigo. Debiera de haber distribuido mejor sus cartas. Tuve demasiado mal juego. Un tarot negro en el cuerpo".

Al amanecer del 13 de julio de 1954 encontraron a Frida muerta en su cama.

Su último cuadro fue un bodegón titulado Viva la vida!

Sus últimas palabras, una frase en su diario: "Espero que la salida sea afortunada y espero no volver jamás".

12 de julio de 2004

UNDERSKIN

Robert Gligorov, un artista de origen macedonio, que vive y trabaja en Milán, expone en solitario por vez primera en Madrid, en la galería Carmen de la Guerra su último trabajo "Underskin", que consta de una docena de fotografías, algunas de gran formato, y del vídeo "La leyenda de Bobe".

Gligorov es conocido sobre todo por sus inquietantes fotografías en las que hace inesperadas combinaciones de la vida animal, humana y vegetal para explorar la identidad y la sexualidad.

Violencia, provocación, denuncia...un militar cuyas medallas producen heridas sangrantes, las dos torres gemelas neoyorquinas ardiendo en un mechero de gasolina, o un hombre tendido en el suelo al que la bandera blanca que aún porta no le ha evitado ser ejecutado y clavado en el suelo con una cruz que le atraviesa la garganta...

En otras fotografías hace osadas combinaciones de las anatomías humana y animal, de manera que una y otra se unen hasta volverse indistinguibles: de la pata de un conejo puede nacer un dedo humano, de los órganos de otro animal puede formarse el dedo de una persona.

6 de julio de 2004

60s

La Tate Britain reúne en "Art and the 60s: This Was Tomorrow" la colección más grande de arte británico de los años sesenta
Una muestra de las tendencias de la época desde el arte abstracto hasta los ejemplos pop, que examina la cultura popular y también las posiciones críticas contra el arte y la sociedad

La exhibición comienza con obras de 1956, porque fue en enero de ese año cuando se presentó también en la Tate la exposición de arte moderno de Estados Unidos con trabajos de Mark Rothko y Jackson Pollock entre otros.
Siete meses más tarde del impacto que causó el "expresionismo abstracto" de Norteamérica se presentó "This is Tomorrow" en Whitechapel con dos grupos dominantes: los constructivistas y el grupo independiente del Instituto de Arte Contemporáneo.

Poco después Elvis y el rock and roll dominan el escenario de la cultura popular y establecen un paralelismo entre Reino Unido y Estados Unidos que se suma a la postura antibélica y a una creciente visión de bienestar y consumismo. Es entonces cuando artistas que se han convertido en iconos de la época, como David Hockney, Richard Hamilton, Peter Blake y Bridget Riley, participan en una modificación del lenguaje artístico de Reino Unido del que aún se viven sus consecuencias.


Eduardo Paolozzi
Collage from BUNK

1 de julio de 2004

PAISAJE RUSO

Durante el curso del siglo XIX, el paisaje vino desempeñar un papel único en el arte ruso, en un momento en que las pinturas históricas eran elogiadas y los paisajes calificados de carentes de ideología.

La academia imperial de artes de San Petersburgo, la única escuela de la pintura del país, tradicionalmente se inclinaba más por los temas históricos. En 1863, 14 estudiantes de la academia decidieron cambiar el rumbo, formaron a su propia cooperativa, un grupo conocido como Wanderers, y lucharon en una sociedad altamente ideológica a favor de un arte naturalista que directamente conectara con la tierra y con su gente.
Fieles a los canones de de la pintura europea, eran representaciones más estereotipadas que verdaderas pinturas de paisajes locales.

Obras de Isaak Levitan, Ivan Shishkin, Aleksei Savrasov, Mikhail Klodt y otros artistas de la segunda mitad del siglo XIX se muestran en la exposición "Russian landscape in the age of Tolstoy" organizada por la National Gallery.


Alexei Kondratyevich Savrasov
Winter Landscape

29 de junio de 2004

TEMAS

El colectivo Proyecciones Atemporales sigue con su lucha por la visibilidad, ver lo nunca visto...
Podemos disfrutar de algunas de las proyecciones de 1 minuto de duración en PROYECTA. Esta web que reúne trabajos de varios creadores que han sido expuestos recientemente en Madrid con ocasión de PhotoEspaña, reunidos en varias propuestas temáticas: identidades, cuerpos, sueños, fragmentos, márgenes, fracasos...

23 de junio de 2004

JARDINES PARA TODOS

Alimentando el mito de que todo inglés lleva un jardinero en su interior la Tate organiza la exposición "Art of the Garden" para analizar los lazos de conexión entre el jardín y el arte británico.

Un centenar de piezas de los siglos XIX y XX, desde Constable y Turner hasta Lucian Freud, Ian Hamilton Finlay y Gary Hume junto a nuevas piezas realizadas expresamente para la ocasión, para mostrar el jardín como la prolongación del estudio del artista, el lugar desde el que se contempla el mundo exterior; la relación entre jardín y paisaje salvaje, la idea de un espacio mediador entre la ciudad y el campo, entre lo construido y lo desarrollado de modo natural.

La exposición se completa con imágenes de jardines creados por los propios artistas como el "Little Sparta" de Ian Hamilton Finlay, el de Barbara Hepworth en su estudio de St. Ives, el de Derek Jarman en Kent o el de Ivon Hitchens en el oeste de Sussex.


James Tissot
Holyday (circa 1876)

21 de junio de 2004

FOTO

La galería Estiarte expone la obra de Lidia Benavides (Madrid, 1971), una artista que centra su investigación en la luz como lenguaje visual autónomo y autoreferencial, a través de distintas series de fotografías y vídeo.

La exposición Cosmorama la componen dos series de fotografías, una fotoinstalación y un vídeo en DVD.
La serie Cinérea, título para la serie de nueve fotos de distintos formatos que, firmadas en 2004 en edición de 5 ejemplares, muestran un tratamiento muy sutil de partículas de luz como veladuras que cubren veladuras, para lograr una gradación infinita del color en una microinterválica de fotones de ceniza lunar.
La serie Cosmorama está compuesta por las fotografías Fotosfera, Fosfeno y Hexagrama boreal en las que se producen combustiones de luz en complejas combinaciones de espacios, volúmenes y colores filtrados mediante recursos ópticos.
Y Vídeocosmorama, es el título del vídeo en formato DVD que introduce el factor tiempo para una suerte de sublimación de distintas sustancias pertenecientes al mismo campo semántico del discurso de abstracción fotográfica de Lidia Benavides.



14 de junio de 2004

LUZ Y VERDAD

Los neones de Jenny Holzer llegan a la Kunsthaus de Bregenz con la exposición "Truth Before Power" en la trata temas relacionados con la política internacional de su país, repasa las complejas relaciones político-comerciales de los Estados Unidos con Oriente Medio desde el fin de la 2ª Guerra Mundial hasta la actual "guerra contra el terrorismo", las consecuencias del 11-S, el debate sobre la teoría y la práctica de la inteligencia y la contrainteligencia y el problema de lograr un equilibrio adecuado entre el secretismo y la transparencia.

Para ilustrar sus neones y estructuras luminosas emplea textos que fueron clasificados como confidenciales cuando fueron escritos, principalmente comunicados oficiales, informes y cartas hechas públicas recientemente gracias a la ley "Freedom of Information Act".
"Truth before power" alude a un escrito publicado en 1968 titulado "Estimates and Influence" de Sherman Kent, uno de los fundadores de la CIA.

10 de junio de 2004

GENIOS

Photographers of Genius at The Getty, es una interesante exposición que conmemora los veinte años de la creación del departamento de fotografía del Getty.
Se han escogido más de seiscientas obras cruciales para la historia de esta disciplina artística pertenecientes a unos 38 artistas, aquellos que más han influido en el desarrollo visual de la historia de la fotografía y que constituyen los fondos del museo.

Más de un siglo de fotografía, desde la obra de pioneros como Hyppolyte Bayard hasta los trabajos de Diane Arbus realizados a finales de la década de los sesenta del siglo veinte, pasando por hitos como el surrealismo, dadá o landart.


André Kertész
Reloj de la Academia Francesa, París, 1929–32

8 de junio de 2004

ARCHIVOS

Desde hoy están a la disposición del público (también online) los archivos de la Real Sociedad Geográfica de Londres.
Dos millones de documentos reunidos en un nuevo y mejor acondicionado edificio anexo a la sede central; allí se podrán consultar desde mapas del siglo XV, a multitud de libros y fotografías y unos 3.500 informes de las expediciones que han realizado a lo largo de la historia los miembros de la Real Sociedad Geográfica.

También se podrá ver una colección de objetos de exploradores famosos, por ejemplo la gorra del doctor David Livingstone, que llevaba cuando fue descubierto por el periodista Henry Morton Stanley en las márgenes del lago Tanganika en 1871; el sextante portátil que llevó Charles Darwin en The Beagle, o un bidón de oxígeno que llevaba Edmund Hillary en su ascenso al Everest en 1953.


El Endurance atrapado por el hielo. Frank Hurley

Galería fotográfica online

7 de junio de 2004

DESIGUALDADES

En Lisboa la galería Filomena Soares expone "Fórmula secreta: riqueza sin trabajadores", un amplio resumen de la obra del fotógrafo y escritor Allan Sekula.
Su obra trata sobre las consecuencias de los cambios económicos surgidos a partir de la globalización y las cuestiones acerca de la función de la fotografía documental en los medios de comunicación, el arte y la sociedad.

Sus reportajes tienen un fuerte contenido de denuncia y se centran habitualmente en el esfuerzo personal de aquellos que luchan contra las desigualdades sociales creadas por las tendencias globalizadoras de la economía contemporánea o de los que indirectamente se encuentran inmersos, como parte perjudicada, en estas batallas cotidianas y de resistencia contra las estrategias homogenizadoras del liberalismo capitalista. Este elemento ha hecho que se haya querido incluir su obra dentro de la corriente del realismo social.

Los proyectos documentales de Sekula se centran tanto en acontecimientos puntuales, p.e. fotografías sobre las manifestaciones antiglobalización que tuvieron lugar en Seattle en 1999 o su más reciente serie de imágenes sobre la catástrofe ecológica producida por el hundimiento del Prestige en las costas gallegas; como en otros que tienen un carácter de trabajo en proceso, en construcción, como es Fish Story (1987-1994) en el que explora las transformaciones producidas en las condiciones laborales de los pescadores por la creciente internacionalización de la economía mundial o Dead Letter Office (1996-1997), encargada para InSITE, que investiga exhaustivamente el contexto económico, político y social de la frontera entre México y Estados Unidos, o Titanic's Wake, una especie de diario de los últimos dos años del milenio.

3 de junio de 2004

RETROSPECTIVA

Sin adscribirse a ninguna tendencia artística definida y con la ambición de sumar a su propuesta a escritores, cineastas, músicos y arquitectos, los artistas que crearon en 1957 el grupo "El Paso" comenzaban un capítulo nuevo en la historia del arte español: una vanguardia libre nacía después de dos décadas de silencio creativo y lo hacía con una idea clara de compromiso con su tiempo.

La galería Marlborough, recuerda aquella época con la exposición retrospectiva, "El Paso 1957-1960" , que reúne treinta y cinco pinturas y esculturas del grupo.
El número de obras que se presentan de cada artista "depende del tiempo de pertenencia en el grupo"; de los que formaron el "núcleo duro", los que estuvieron en el grupo hasta su disolución en 1960, Saura, Millares, Canogar o Feito, hay un mayor número de obras, mientras que de Pablo Serrano, Juana Francés o Antonio Suárez, que estuvieron sólo unos meses en "El Paso", aunque fueron fundadores, hay únicamente dos obras.

Los cuatro miembros de "El Paso" que quedan vivos, Feito, Chirino, Antonio Suárez y Canogar, comentaron durante la presentación de la exposición que los planteamientos del grupo "siguen vigentes" casi medio siglo después. Definieron "El Paso" como un movimiento "vivo y rupturista que surgió en defensa de la abstracción a partir de la tradición española".


Rafael Canogar
La pereza 1959

1 de junio de 2004

POPOVA

El próximo viernes se inaugura en la Fundación Juan March en Palma de Mallorca una exposición de la pintora rusa Liubov Popova (1889-1924), considerada como uno de los cuatro artistas más importantes de la vanguardia rusa del primer cuarto del siglo XX, junto con Malevich, Tatlin y Ródchenko.
Se presentan 25 obras realizadas por la artista rusa entre 1910 y 1922 procedentes del Museo Estatal Tretiakov de Moscú, excepto dos, que provienen de una colección particular.

Popova (1889–1924) estudió con Henri Le Fauconnier y Jean Metzinger en París; a su vuelta a Moscú frecuentó el taller de Vladimir Tatlin quien la influyó en su experiencia constructiva y escultural. Después viajó a Italia e investigó la pintura de Giotto y se interesó por lo que hacían los futuristas.
En 1915 se unió al grupo "Supremus" y a los suprematistas, Malevitch y sus seguidores eran el núcleo más radical de la abstracción que había surgido hasta el momento.

"La vida y la producción artística de Popova están marcadas por dos acontecimientos: la Revolución de 1917 y las vanguardias históricas. De la inquieta joven burguesa que acude a París en el curso 1912-13 para estudiar en la "Academia Cubista" de La Palette, junto a Le Fauconnier y Metzinger, a la mujer plenamente integrada en el discurso y la práctica artística de la Revolución, han pasado tan solo diez años. Diez años marcados por una rápida sucesión de cambios formales -cubo-futurismo, suprematismo, constructivismo y arte de producción-, políticos y vitales".

31 de mayo de 2004

PREMIADOS

Los Premios Altadis de Artes Plásticas 2003, para artistas residentes en España y en Francia, se presentan en Madrid dentro del "Festival Off" de PhotoEspaña04, en dos galerías, Elba Benítez y Heinrich Ehrhardt.

Los artistas ganadores de esta edición son Stephen Dean, Bruno Perramant y Fabien Rigobert (Francia) y Mateo Maté, Mabel Palacín y Sergio Prego (España).


Mabel Palacín
La distancia correcta, Fotografía 2002-2003

27 de mayo de 2004

LOS ECOS DE LA BATALLA

En Liverpool con la exposición "Spirit of the Blitz" rinden homenaje a todos los que sufrieron de una u otra manera los bombardeos sobre la ciudad en mayo de 1941.

El Puerto de Liverpool jugó un papel importante en la Segunda Guerra Mundial, quedando abierto para proporcionar una ruta de suministro vital para la supervivencia británica. Esto era un objetivo obvio para bombarderos alemanes y en los ataques aéreos más de 4.000 personas murieron, 10.000 casas fueron destruidas y 70.000 personas convirtieron en "homeless" durante los ataques aéreos que alcanzaron su punto máximo con la campaña de mayo de 1941.

Como complemento a la exposición los alrededores del Museo Marítimo de Merseyside han adoptado el espíritu de campaña, con la Casa de Piermaster transformada en una casa de verano de los años 40 y el Museum of Liverpool Life con un jardín plantado con verduras que habrían ayudado a completar la dieta de esos años.



25 de mayo de 2004

EL TALLER DEL ARTISTA

Entre 1985 y 2003, de París a Barcelona, de Gao a Palermo, de Mallorca a Ségou, el fotógrafo Jean-Marie del Moral acompañó a Miquel Barceló en sus talleres y fotografió minuciosamente su universo, los objetos y detalles esenciales en el imaginario del artista mallorquín.

"El taller de Barceló era extremadamente grande y contenía un gran número de telas aún sin finalizar, todas ellas adosadas a la pared. El suelo estaba lleno de papeles, de paquetes de cigarrillos Gitanes vacíos, de botes de pintura de los cuales emanaba un olor acre, ácido. Barceló hablaba poco, absorto únicamente en su trabajo. Comprendí rápidamente que no le gustaban los fotógrafos. Aún hoy percibo su apuro, su timidez mientras se balanceaba apoyándose en un pie y luego en otro, con la mirada clavada en el suelo.

Mis primeras fotografías de Miquel deseaban sobre todo mostrarlo mientras trabajaba. Fotografié detalles de sus distintos talleres. Lo visitaba regularmente. Desde el momento en que Miquel me hablaba de un proyecto, de un viaje, yo siempre me las arreglaba para visitarle durante un corto periodo de tiempo. Estuve con él en Barcelona, en Palma, durante su primera estancia en Gao, luego en Ségou, en el país Dogón, en Palermo. Yo siempre partía sin la menor idea preconcebida, sin saber con qué iba a encontrarme, llevado únicamente por la idea de mostrar al pintor a través de fotografías."

Jean-Marie del Moral en Photogaleria.com

24 de mayo de 2004

DESCUBRIMIENTO

A la galería 303 de Nueva York llega la nueva videoinstalación del artista canadiense Rodney Graham, Rheinmetall/Victoria 8, además de algunas de sus obras en papel.
La protagonista del documental es una máquina de escribir alemana modelo Rheinmetall de mediados de los 30 que Graham encontró en una chatarrería de Vancouver. Estaba como si jamás se le hubiera pulsado ninguna tecla.

Al principio de la película, la funda que cubre la máquina desaparece y la máquina es examinada desde diversos puntos de vista. A lo largo de la película un polvo blanco va cayendo, suavemente al principio y con más fuerza al final, hasta que el objeto es cubierto casi por completo.
Este desarrollo se repite, creando un ciclo que hace referencia al paso del tiempo, una estructura recurrente en la obra de Graham.

19 de mayo de 2004

ARTE Y VIOLENCIA

Más de 30 artistas de todo el mundo reflexionan en la muestra "Laocoonte devorado. Arte y violencia política", una coproducción de ARTIUM, el Centro José Guerrero de Granada y la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura, que se podrá visitar en Vitoria desde el 6 de mayo hasta el 3 de octubre.

Bill Viola, Marina Abramovic, Krysztof Wodiczko, William Kentridge, Leon Golub, Annika Larsson, Francesc Torres, Txomin Badiola o Esther Ferrer son algunos de los creadores que aportan su aproximación al tema en una exposición que habla de la violencia política en un sentido global.
La exposición mostrará, por primera vez en varios años, la serie de los grabados “Los desastres de la guerra” de Goya, en paralelo con una pequeña selección con fotografías de prensa.
Según su comisario en la exposición “no se trata de que (los artistas) manifiesten su “compromiso político” militante, sino de que pongan sobre el tapete una idea, un punto de vista o una opinión, que (…) al estar expresadas con el lenguaje del arte (en cualquier clave: crítica, irónica, ambigua...) posibiliten un acercamiento diferente a los asuntos espinosos... No es cuestión de que los artistas ofrezcan respuestas que nadie tiene o de que encuentren un sentido a lo que carece de ello, sino de que, como dijo Th. W. Adorno, se consiga cambiar las preguntas..”

“Laocoonte devorado” ocupa completamente a Sala Norte de ARTIUM y una parte de la Antesala del museo, donde se tiene un primer contacto con la exposición en las instalaciones de video de Félix Gmelin (“Farbtest, de rote fahne II”), Joham Grimonprez (“Dial H-I-S-T-O-R-Y”), y Matilde ter Heijne (“Suicide bomb”) y una instalación de Valeriano López (“Libre de culpa”).
En la Sala Norte, al visitante le recibe la escultura de Robert Longo “Oil and Roses”, metáfora de todos los holocaustos, a partir de la cual se suceden fotografías de Gabriele Basilico, Santiago Sierra, y Hans Peter Feldmann, entre otros), las esculturas (Antony Gormley, Mona Hatoum o Robert Longo), por citar algunos, las instalaciones (de Esther Ferrer, o Francesc Torres), pinturas (León Golub o Simeón Sáiz Ruiz, entre otros) y los vídeos.

Entre estos últimos destacan las propuestas de Bill Viola (“Hall of Whispers”, diez proyecciones simultaneas de video con la tensión subyacente propia de la obra del artista norteamericano), Antoni Muntadas (“On traslation: el aplauso”, una reflexión universal sobre la actitud de la sociedad ante la violencia, la corrupción y la desigualdad social) o Marina Abramovic (“The Hero”, una instalación de vídeo que, con su idea del renacimiento tras la catástrofe, supone un contrapunto optimista al conjunto de la exposición).


Mona Hatoum
Over my dead body, 1998-2002

17 de mayo de 2004

DÍA

Se celebra mañana en todo el mundo el Día Internacional del Museo, instaurado en 1977 por el ICOM.
Este el lema es "Los museos y el patrimonio inmaterial", una reivindicación de la herencia colectiva que se transmite de generación en generación por medio del idioma, del arte, de la música, la literatura, gestos, prácticas y costumbres.

El ICOM plantea que se tiene que prestar una creciente y significativa atención al estudio y defensa del patrimonio cultural en su conjunto, tanto material como intangible, fomentando planteamientos globales e ínterdisciplinares. En la conservación de la totalidad de esos recursos patrimoniales de la más variada naturaleza, los museos deben continuar dando servicio a la sociedad promoviendo también su labor común de recopilación, conservación, investigación, intercambio, exposición y difusión de nuestra herencia común inmaterial.

11 de mayo de 2004

DALIMANIA
Hoy, día en que se cumplen cien años del nacimiento de Dalí, oficialmente comienza el año de homenajes con once exposiciones:

"Dalí. Cultura de masas" CaixaForum (enero-mayo del 2004) y viajará luego al Museo Reina Sofía de Madrid, al Salvador Dalí Museum de Saint Petersburg (Florida) y al Museo Beuymans de Rotterdam.
"Dalí. Antológica" Palazzo Grassi de Venecia (septiembre 2004 - enero 2005) y después viajará al Museo de Arte de Filadelfia.
"Dalí. Las afinidades electivas" Sala Verdaguer de la Generalitat (febrero-abril)
"Dalí / Gaudí" La Pedrera (abril - octubre)
"El país de Dalí" Museu de l'Empordà (mayo-agosto) y Museu d'Història de Catalunya (septiembre-novembre)
"El manifest groc" Fundació Miró (junio-septiembre)
"Dalí a l'Empordà" Museu de l'Empordà (enero), P. Robert (marzo)
"El Quijote según Dalí" Casa-Museu Castell Gala-Dalí (marzo-noviembre)
"Dalí y Lorca": itinerante: Museu d'Història de Catalunya, etc.
"Dalí. Dibujos": Museu Municipal de Cadaqués (mayo-noviembre)
"Recuerdos íntimos, infancia y juventud de Dalí": Museo del Juguete de Figueres (abril-septiembre)
"Salvador Dalí, una vida de libros": Biblioteca de Catalunya (julio-octubre)
"Dalí y las ilusiones ópticas": Museo del cine de Girona (julio-octubre)
"Dalimitar": Museu de l'Empordà de Figueres (septiembre-diciembre 2004)

Y además:
- varios conciertos, documentales, estrenos teatrales, cursos universitarios, ciclos de películas y conferencias
- encendido de luces navideñas (las diseñadas por el artista para las calles de Figueras) durante todo el año
- la elaboración de la butifarra dulce más larga del mundo para esa historia del record Guinnes, que recorrerá 850 metros, los que van de de la casa natal de Dalí hasta la Torre Galatea del Museo Dalí
- el Festival Castillo de Peralada dedicará su programación a Dalí con espectáculos como "El sombrero de tres picos", que después se representará en San Sebastián y en los jardines del Generalife de Granada, y "El café de Chinitas", que reúne 13 canciones populares armonizadas por Lorca. También se recuperarán los trabajos escenográficos y de vestuario que Dalí realizó en 1949 para el Covent Garden de Londres de la ópera "Salomé" de Strauss.
- una edición limitada de Vichy Catalán en formato de 250 ml. y de 1 litro que reproduce en su etiqueta la obra "Muchacha en la ventana"
- la reedición de su única novela Visages cachés (Rostros ocultos), en la que Dalí relata la historia de un puñado de aristócratas mundanos entre 1934 y 1945. Escrita en francés y publicada en 1944 aparecerá de nuevo en las librerías francesas editada por la casa Sabine Wespieser.
- su fundación ha impulsado la edición del primer catálogo razonado de la obra daliniana que presentará toda la obra clasificada por técnicas y orden cronológico y que desde enero del próximo año será consultable ya por Internet en el período que va desde su infancia a los años 30.




4 de mayo de 2004

LA CASA DE FRIDA KAHLO
El próximo 13 de julio se cumplirán 50 años de la desaparición de Frida y el "Museo Frida Kahlo Casa Azul" homenajeará a la artista con la exposición más amplia que se haya realizado sobre su obra.
El museo Dolores Olmedo de México D.F., que es el que posee la mayor colección en el mundo de los pintores Diego Rivera y Frida Kahlo, ha prestado 26 de sus obras para que puedan ser expuestas con las que ya se se exhiben de manera permanente en las habitaciones de La Casa Azul, en el barrio colonial de Coyoacán, la casa donde nació y murió y donde creó su mundo.

Se ha realizado un inventario de las obras de Kahlo y se ha reordenado museográficamente La Casa Azul para que, además de esta exposición conmemorativa, pueda albergar en el futuro otras muestras temporales. Se ha pintado el exterior casa con su característico azul y se han se restaurado algunos vestidos de Frida.



29 de abril de 2004

EL HUMANISTA
El único retrato italiano que existe anterior a 1500 es el que Botticelli hizo a Michele Marullo Tarcaniota. Gracias al deposito temporal acordado con la familia Guardans-Cambó, propietaria de la obra, acompañará durante los próximos doce meses a las otras tres obras de Botticelli que posee el Museo del Prado, tres escenas de La Historia de Nastagio degli Onesti.

Michele Marullo Tarcaniota fue un poeta, soldado y humanista de origen griego-bizantino que había nacido en Constantinopla aunque pronto emigraría a Italia a causa de la conquista de los turcos en 1453. Su primera estancia en Florencia está documentada entre 1489 y 1494 pudiendo ser entonces cuando Botticelli pintó el retrato.

Aparece representado en busto de tres cuartos, con gran severidad y simplicidad compositiva, su rostro delgado y mirada penetrante emergen con fuerza sobre los tonos negros de su atuendo.

27 de abril de 2004

REMBRANDT
La muestra del Instituto de Arte de Chicago Rembrandt’s Journey: Painter, Draftsman, Etcher explora la evolución del extenso y variado trabajo del artista en el contexto de unas doscientas obras entre pinturas, dibujos y grabados.
En la exposición los temas a los cuales Rembrandt recurría repetidamente: ilustración bíblica, el retrato y el autorretrato, escenas de la vida diaria, el paisaje, y el desnudo, sirven de guía para explorar el conjunto de su obra.


Autorretrato con Saskia
1636

Saskia van Uylemburgh, sobrina de su socio, el marchante de arte Hendrick van Uylemburgh, con la que Rembrandt contrae matrimonio en 1634 se convierte en musa protagonista de muchas de sus obras.
Entre 1635 y 1641 Saskia dio a luz cuatro niños, de los que sólo sobrevivió el último, Titus.
Saskia murió en 1642.

24 de abril de 2004

LA ESENCIA DE LAS COSAS
El pionero de la abstracción, Constantin Brancusi, es objeto de una exposición en la Tate Modern, que pretende captar el carácter esencial de su escultura. La selección de una treintena de piezas reúne obras en piedra y mármol, entre ellas, El Beso (1907), su obra maestra en la que logra por primera vez, la síntesis de los cuerpos y el bloque de mármol en el que están esculpidos.
También hay una serie de obras en madera y bronce, inspiradas en las tradiciones africana y rumana, entre ellas la Maiastra (1911), o la serie de los pájaros, uno de los temas favoritos del artista.

Constantin Brancusi nació en Rumanía en 1876, se trasladó a París en los primeros años del siglo y allí permanece durante más de 50 años; a mediados de los años 20 abrió su taller personal. Estudió la obra de Auguste Rodin y a partir de 1907 inició un proceso de simplificación y depuración de la forma creando así el camino hacia la abstracción.


Constantin Brancusi
Musa durmiendo 1909-10

19 de abril de 2004

LO ÚLTIMO
En 1932 Gertrude Vanderbilt Whitney inauguró el Whitney Studio Club, un espacio alternativo para mostrar los progresos del arte norteamericano, desde entonces y cada dos años lo último del arte estadounidense se presenta en la bienal del Museo Whitney (Art & Artist , + Visual Map).

En esta ocasión más de cien artistas o grupos artísticos han llevado hasta Nueva York sus vídeo instalaciones, arte digital, fotografías y también trabajos de escultura, pintura, grabado y dibujo.



Alec Soth, Charles Vasa, MN, 2002

5 de abril de 2004

FANTASIAS
Transmogrifications, exposición colectiva en la galería Danielle Arnaud de Londres, reúne varios proyectos con el común denominador de la fantasía como proceso de creación de las imágenes.

Y parece ser que el proyecto "Las Puertas" en el que Christo lleva trabajando veinticinco años deja de ser una fantasía para convertirse en una realidad.
Será a partir del 12 de febrero de 2005 cuando, durante 16 días, 7.500 puertas (paneles de tela coloreados de azafrán suspendidos por barras horizontales) se distribuirán en intervalos regulares a lo largo de casi 40 kilómetros por los paseos de Central Park.
Una realidad un poco cara, eso si, ya que el montaje costará unos 20 millones de dólares.

En el Metropolitan se podrán ver a partir de mañana los 45 bocetos y collages de Christo, además de 40 fotografías y 10 mapas y diagramas del proyecto.

2 de abril de 2004

CONSTRUCTIVISTA
La galería Annely Juda de Londres presenta una muestra retrospectiva de la obra de Naum Gabo (1890-1977), escultor ruso nacionalizado estadounidense que fue uno de los líderes del constructivismo del siglo XX.

Estudió medicina e ingeniería en Munich entre 1910 y 1914, en esa época también comienza a crear bustos y cabezas de inspiración cubista realizados en láminas de metal recortado, cartón o celuloide. Entre 1917 y 1922, participó en la fundación del movimiento constructivista en Moscú, que abogaba por la construcción de esculturas a partir de materiales industriales en vez de utilizar el tradicional tallado en piedra o vaciado en bronce.

En 1920 publicó junto con su hermano Anton Pevsner el Manifiesto Realista, que preconizaba la utilización de formas artísticas nuevas, basadas en el espacio y el tiempo; siguiendo esta teoría realizó varias obras, con partes dotadas de movimiento, a las que denominó esculturas cinéticas.

Vivió en Alemania entre 1922 y 1932 y allí ejecutó piezas que se caracterizan por su calidad arquitectónica monumental, como la Columna (1923), de cristal, metal y plástico.
Durante la II Guerra Mundial continuó produciendo en Londres obras de esas características, como Construcción lineal, variación (1943), en la que hay un espacio oval trazado por unas formas plásticas nítidas que, a su vez, están delicadamente entretejidas con unos planos de intersección en hilos de nailon.

En 1946 se afincó en Estados Unidos. Una de sus obras más notables es un monumento de tamaño colosal, 26 metros, en forma de árbol, de 1957, que le encargaron para el Edificio Bijenkorf de Rotterdam (Holanda), recuerdo a los caídos durante la destrucción de la ciudad por los nazis en 1940. Su última obra importante, realizada en 1976, fue la fuente del hospital de Santo Tomás en Londres.


29 de marzo de 2004

ARTISTA TOTAL
Roth Time: A Dieter Roth Retrospective, rinde homenaje a Dieter Roth (1930-1998), uno de los artistas europeos más influyentes de la posguerra. Fue creador plástico, realizó libros, trabajó como músico y cineasta, también escritor, comunicador y mentor de otros artistas.

Se exhiben 350 obras, entre dibujos, libros, pinturas, instalaciones, objetos, esculturas, películas y trabajos en vídeo, realizadas a lo largo de cinco décadas de trabajo.
Roth fue en Europa lo que Robert Rauschenberg en Estados Unidos, como él combina las pinturas con imágenes encontradas, como fotografías, y trabaja con materiales poco convencionales como el chocolate.

Se pueden contemplar desde sus primeros trabajos realizados en los años 40; los primeros experimentos en cine y fotografía de sus objetos cinéticos y su extensa producción de libros, que han influido mucho en el desarrollo de libros de artista en la actualidad.

+ sobre Roth aquí



Dieter Roth
Motorcycle racers III. 1970/1994

26 de marzo de 2004

BIZANCIO
"Byzantium: Faith and Power" es la exposición con la que el Metropolitan de Nueva York finaliza su trilogía de muestras dedicadas a dar a conocer la cultura y la historia del imperio bizantino.

Esta último estudio comienza en 1261, cuando Constantinopla recupera su estatus de capital imperial y concluye en 1557, casi un siglo después de que los turcos otomanos tomasen el Imperio (en 1453) y éste fuese renombrado como Bizancio.
Se expone la importancia artística y cultural del Imperio a través de las más de 350 obras maestras del arte bizantino procedentes de 30 países entre los que se encuentran Grecia, Bulgaria, Egipto, Francia, Italia, Rumania, Rusia, Turquia, Serbia y Montenegro y la república de Macedonia.

Muchas de las piezas nunca han sido mostradas fuera de las iglesias y monasterios que las han custodiado a lo largo de los siglos. La exposición comienza con una serie de retratos que nos presentan a los protagonistas de aquella época que ahora se rescata, para continuar con la exhibición de magníficos iconos (entre los que se encuentran 40 del Monasterio de Santa Catalina del Sinaí), frescos, textiles y objetos litúrgicos y de orfebrería, entre otras obras de arte.


22 de marzo de 2004

PREMIO
La arquitecta de origen iraquí Zaha Hadid es la última ganadora del premio Pritzker de arquitectura, la primera mujer que consigue un galardón descrito como el «Nobel» de esta disciplina artística.
Entre sus mejores trabajos están el Parque de Bomberos de Viena, la Torre de saltos de esquí de Innsbruck (Austria), la estación del tranvía de Estrasburgo (Francia), el Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati (Estados Unidos) y el restaurante Sapporo en Japón, además de otros proyectos en ciudades como Berlín y Singapur.

Hadid acaba de finalizar en Cincinnati el Centro de Arte Contemporáneo Richard y Lois Rosenthal y está trabajando en el Centro Artístico Price Tower en Bartlesville, ambos en EE UU. Y pronto será la encargada de diseñar el área urbanística de la península de Zorrozaurre, en Bilbao.

10 de marzo de 2004

TODO EN UNO
Un atractivo Viggo Mortensen con acento porteño me amenizó ayer la sobremesa en una entrevista promocional en Lo + plus sobre su nueva peli de aventuras.
Descubro un creativo y multidisplinar actor que además pinta, escribe poesías, hace música, fotografías y dirige su propia editorial (Perceval Press) a través de la cual da a conocer interesantes artistas internacionales.

En Estados Unidos le han organizado exposiciones las galerías Robert Mann y Stephen Cohen y sus obras se han expuesto también aquí en Europa y en Nueva Zelanda.

The Many Faces Of Viggo Mortensen recoge muestras de toda esta actividad artística.

9 de marzo de 2004

EL SIMBOLISTA BELGA
Fernand Khnopff, a quien el Museo de Bellas Artes de Bélgica homenajea con una monográfica, fue uno de los representantes del simbolismo figurativo europeo.
Tuvo la clásica formación realista pero pronto se dejó influenciar por las obras de los prerrafaelitas ingleses (especialmente Ford Maddox y Burne-Jones). Junto con su compañero de estudios, James Ensor, funda el grupo Les XX (Les Vingt) con el que expone de 1884 a 1893 las obras de los artistas belgas miembros y las de otros de fuera del país como Cézanne, van Gogh y Seurat. Este grupo era considerado el principal foro para el simbolismo del arte belga.

En esta exposición se reúnen 265 trabajos de Khnopff entre pinturas (retratos de la sociedad belga del momento, paisajes de Fosset y Brujas, trípticos), dibujos, esculturas, fotografías retocadas e ilustraciones para libros.

5 de marzo de 2004

MARINAS
La exposición "Manet y el mar" que está de gira por varios museos de los Estados Unidos relaciona las marinas de Édouard Manet con un centenar de obras de otros artistas, entre ellos Courbet, Delacroix, Boudin, James McNeill Whistler, Monet y Berthe Morisot.

La relación de Manet con el mar comienza en 1848 cuando, tras el rechazo de su padre a que se dedicara a la pintura, decidió probar suerte en la Marina, y se embarcó como piloto ayudante en un carguero que iba rumbo a América; de ese viaje volvió con cuadernos llenos de bocetos y dibujos.
Entonces retoma su aprendizaje con la copia de obras de grandes maestros de la pintura (Tiziano, Velazquez...); y es en los años 60 cuando comienza a pintar paisajes marinos a raiz de viajes a la costa francesa, concretamente a Boulogne.
Sale de su estudio y de los museos, y comienza a trabajar al aire libre y al igual que otros pintores impresionistas Manet escoge el mar (el juego con la luz y el agua) como campo de experimentación artística.




La playa de Boulogne - 1868

2 de marzo de 2004

FOTO
El Bauhaus Archiv ha organizado la monográfica "Elsa Thiemann. Bauhaus y Berlín", dedicada a una fotógrafa de la escuela Bauhaus. Son cerca de 100 fotografías que abarcan los años 1930 a 1960, y también varios de sus diseños para papeles de pared basados en fotogramas.

Elsa Thiemann (1910-1981) estudió a principios de los 30 en la Bauhaus de Dessau. Una vez finalizados sus estudios, comenzó a trabajar en Berlín como fotoperiodista y debido a su oposición al regimen nazi enfocó su trabajo en temas como la vida cotidiana de Berlín.
En la posguerra retoma la fotografía de retratos, creando series dedicadas a artistas relacionados con la Rosen Gallery, muchos de los cuales habían tenido que trabajar de manera clandestina durante los años del Nacional Socialismo. Con el florecimiento de la ciudad durante los años 50, sus imágenes destacaron por su habilidad para incluir en ellas detalles anecdóticos.