22 de diciembre de 2003

TESOROS
La exposición "Gothic: Art For England 1400-1547" en el V&A, reúne más de 300 piezas de la Edad Media tardia, creadas entre los reinados de Enrique IV y Enrique VIII, entre ellas el casco funerario del rey Enrique V, la corona de Margarita de York (hermana de Eduardo IV) que ha estado en Alemania durante los últimos 500 años, un enorme vitral de la Iglesia de Santa María y una de las primeras ediciones de los Cuentos de Canterbury impresa por William Caxton en 1483.

“La exhibición muestra la enorme riqueza y dominio de los monarcas, aristócratas, clérigos y comerciantes de la época, que fue uno de los períodos artísticos más productivos de la historia de Inglaterra. Lejos de ser insulares, los señores feudales eran internacionales y cosmopolitas y encargaban obras de grandes artistas tanto de Inglaterra como del extranjero, principalmente de Holanda y Francia”.

Incendios, guerras y la Reforma hicieron su parte para mermar muchos tesoros, pero la muestra reúne algunos de los manuscritos, tapices, esculturas y joyas más espectaculares de la historia.

19 de diciembre de 2003

ILUSIONES ÓPTICAS
El Centro Galego Contemporánea presenta una gran exposición dedicada al artista brasileño Vik Muniz conocido por su utilización de todo tipo de materiales perecederos para construir su particular visión de retratos de personas famosas y de individuos anónimos y su recreación de famosas obras de la historia del arte que después fotografia.

La exposición se compone de una selección de cincuenta obras agrupadas en series tituladas según el material del que se componen o los temas que evocan (Imágenes de alambre, Imágenes de hilo, Los niños de azúcar, Imágenes de chocolate, Imágenes de polvo, Imágenes de tinta, Imágenes de color, Cárceles, Imágenes de nubes, Imágenes de revistas, Serie Erótica, Almohadas y Catedrales).

"Mi obra es una especie de desafío que parte de un tipo de ambigüedad formal donde el espectador es forzado a tomar una posición crítica. Para mí es interesante el hecho de que, al principio, el espectador no sabe si lo que está viendo es un dibujo, una pintura o una fotografía, sino que antes ha de localizar esta imagen dentro de un contexto taxonómico y después ensayar una lectura crítica. Esta ambigüedad favorece una relación más intensa con el espectador y favorece un posicionamiento concreto. Como artista estoy haciendo la mitad del trabajo, para la otra mitad cuento con aspectos como la memoria o interpretación del espectador. Esta ambigüedad es una forma muy calculada; cuando dibujo soy un pintor o diseñador, cuando fotografío un fotógrafo, pero sobre todo soy un artista que busca y estudia posibilidades, y esta clasificación trasciende todas las demás."

"Para mí lo principal es crear una reacción física, aprehender la tensión del espectador ante cada trabajo. Lo hago mediante estrategias humorísticas y juegos ópticos o ilusionistas; a partir de ahí construyo la imagen cuya transposición parte de esta estrategia de captar la tensión del individuo para hacerlo pensar en la imagen".


"Liz" (1999)

16 de diciembre de 2003

MODERNIZAR LA PLAZA
Del 11 de diciembre al de 8 de febrero se pueden ver en Londres las seis propuestas que artistas nacionales e internacionales han creado para la escultura que ocupará el espacio que actualmente está vacante en la esquina del noroeste de Trafalgar Square.
Pero no estará allí para siempre ya que cada año se cambiará la escultura utilizando el mismo sistema que esta primera vez, una comisión selecciona varios proyectos que después son mostrados en maqueta y sometidos a un debate público.

Mi proyecto favorito?
El de Sokari Douglas Camp. Héroes contemporáneos antibelicistas.



El más impactante?
El de Marc Quinn. Representa a la artista Alison Lapper embarazada, nada peculiar salvo porque Alison nació sin brazos y con las piernas más cortas de lo normal. Su vida es todo un ejemplo de superación, el que la llevó de un orfanato para discapacitados a la Escuela de Bellas Artes para formarse y el que ha conseguido que hace tres años fuese madre.

15 de diciembre de 2003

PIEZAS CLAVES
La exposición "James Rosenquist: A Retrospective" en el Museo Guggenheim de Nueva York reúne reúne 200 pinturas, esculturas, dibujos y collages representativos de los últimos 40 años de desarrollo artístico de Rosenquist.

Su evolución estilística va desde sus primeras obras en las que como reacción al Expresionismo Abstracto, el movimiento artístico dominante; Rosenquist desarrolla su propio estilo llamado entonces "Nuevo Realismo", que después comenzó a conocerse como arte Pop, hasta sus pinturas-murales más recientes que rescatan la abstracción y la monumentalidad de su paso por el medio publicitario; ya que, como sus contemporáneos Jim Dine, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg y Andy Warhol, Rosenquist se nutrió de la iconografía derivada de la publicidad y los medios de información para invocar el sentido de la vida moderna.

En la década de 1960 se interesó por temas científicos y cósmicos, y comenzó a trabajar las grandes escalas y el formato horizontal.
Alcanzó la fama internacional en 1965, con el mural antibelicista "F-111", que pintó en respuesta a la Guerra de Vietnam y al desarrollo industrial y militar estadounidense.

Entre las décadas de 1970 y 1980, Rosenquist comenzó a experimentar con pinturas de múltiples niveles y de diferentes formatos, como en "Dog Descending a Staircase" (1979) y "Ultra Tech" (1981), cuyos bordes rompen con el tradicional formato rectangular.

Entre los 80 y los 90, el artista comenzó a representar flores y ambientes naturales, inspirado por la flora tropical que rodeaba su taller en Florida.
Su conciencia ambientalista emergió a plenitud en la serie "Water Planet", creada a finales del decenio de 1980 y que él mismo describe como "pinturas políticas y ecológicas que abordan la vida en la tierra y las decisiones que aquí tomamos los seres humanos".

Desde 1999 hasta el presente, el artista ha venido trabajando en la abstracción casi pura, como lo muestra la serie "Speed of Light".

"James Rosenquist: A Retrospective" llegará al Guggenheim de Bilbao en Julio de 2004.

10 de diciembre de 2003

SOL
El nuevo proyecto de la multinacional Unilever para la sala de las turbinas de la Tate es "The Weather Project" del artista danés Olafur Eliasson. Un gigantesco sol crepuscular que ocupa todo el muro del fondo de la sala, creado por medio de un gran número de pequeñas lámparas. Una inyección periódica de humo crea una neblina que intensifica la atmósfera trasladándola al ámbito de la irrealidad.

El proyecto gira en torno a la tradicional percepción británica del tiempo. Según Eliasson el tema del tiempo es la conversación más frecuente que tienen los ingleses. Al hilo del proyecto se ha realizado un intenso estudio sociológico sobre este tema y los expertos en marketing han cubierto la ciudad de carteles publicitarios que ahondan en la idea del proyecto.

3 de diciembre de 2003

VOLVER A LA ESCENA DEL "CRIMEN"
Eso es lo que ha hecho la fotógrafa Taryn Simon con 44 hombres y una mujer que han pasado varios años en prisión por crímenes que no cometieron.
La mayoría de ellos han sido fotografiados en el lugar del delito, con el que no tienen ninguna relación; otros han preferido ser retratados en el sitio donde fueron detenidos o identificados erróneamente.
Todos fueron liberados gracias a "The Innocence Project", una organización de Nueva York fundada por dos abogados que, mediante el análisis del ADN, prueban la inocencia de las personas encarceladas injustamente.

1 de diciembre de 2003

GENIALIDAD
Botticelli. De Lorenzo el Magnífico a Savonarola es la exposición del Museo de Luxemburgo en que se reúnen 19 pinturas y 6 dibujos de Botticelli, dos obras de taller y algunos lienzos de otros artistas florentinos como Leonardo da Vinci, Piero di Cosimo y Filippino Lippi.
El principal objetivo de esta exposición es corregir cierta imagen distorsionada de la obra de Botticelli. Durante demasiado tiempo la fama de este pintor se ha vinculado a cuadros como "La primavera" y "El nacimiento de Venus", exagerando su interpretación estetizante. Algunos críticos ingleses, como Walter Pater y John Ruskin, subrayaron la actitud melancólica de las figuras, la suavidad y la elegancia de las composiciones.
Pero esta visión resulta parcial y niega la complejidad estilística y conceptual del pintor.
Definido por Vasari "extravagante y sofisticado", se formó en la Florencia de las últimas décadas del siglo XV, en un clima cultural marcado por el humanismo propiciado por los Médicis e influenciado por la filosofía neoplatónica.
Botticelli intentó entonces una conciliación entre fe y razón, entre el mundo clásico y la modernidad, siguiendo los dictados de la filosofía imperante. La sobria compostura filosófica se vio pronto sacudida por las predicaciones visionarias de Savonarola.
Esta duplicidad es visible en las obras expuestas, que se presentan según un orden cronológico.