28 de febrero de 2002

OKUPAS EN EL SANTUARIO DADÁ
Un grupo autónomo de artistas "okupa" desde comienzos de febrero el famoso Cabaret Voltaire, de Zúrich, que fue cuna de Dadá, movimiento iconoclasta de vanguardia de comienzos del siglo XX. Los artistas "okupas" quieren que la UNESCO compre el edificio para convertirlo en un santuario de ese movimiento de protesta antibelicista, en el que militaron artistas tan conocidos como Hans Arp, Tristan Tzara o Max Ernst.

La fachada del edificio aparece cubierta de diarios y carteles y sobre la puerta figuran los tres santos patronos de la ciudad, Félix, Regula y Exuperanthius, disfrazados de ejecutivos y portando en los brazos sus propias cabezas. El edificio, situado en el barrio de Niederdorf, que estuvo más de un año vacío tras haber albergado una serie de tabernas y locales nocturnos, ha sido comprado por una aseguradora que quiere renovarlo y dedicarlo tal vez a apartamentos de lujo.

El 2 de febrero, un grupo autónomo de artistas tomó posesión de los locales en un intento de resucitar Dadá: en las paredes se han colgado carteles de manifestaciones de aquel movimiento así como vestidos de la época. Se trata de un lugar de exposición permanente en el que cualquier artista o quien se considere como tal puede exhibir gratuitamente el fruto de su genio, su imaginación o su simple ocurrencia. Los sábados se celebra a medianoche una misa Dadá, en la que se recita una "madrenuestra", y la sátira, la burla del orden establecido y todo lo que suena a irreverente están a la orden del día.

27 de febrero de 2002

ASIA EN EL MUSEO
Con el nombre "Asia en las Colecciones del Museo Nacional de Artes Decorativas" de Madrid, el Museo de Bellas Artes de A Coruña presenta una muestra que reúne una selección de 2.500 piezas que formaron parte de las colecciones orientales de la Corona española (ahora en el Museo Nacional de Artes Decorativas)
Dentro de esta colección destacan las obras de China y Japón, procedentes casi en su totalidad del Real Gabinete de Historia Natural, creado por Carlos III y desde donde se impulsaron diversas expediciones científicas para recorrer los distintos confines del mundo con el fin de traer objetos raros y curiosos, tanto de producción humana como de la naturaleza.

Las obras pertenecientes a la cultura china son las más abundantes, y desde el punto de vista cronológico, la gran mayoría pertenecen a las dinastías Ming (1368-1644) y a Qing (1644-1911), con importantes conjuntos de porcelana, bronces, piezas de piedras duras, marfiles, esmaltes, nácar, vestidos imperiales, instrumentos musicales, armas, pinturas, aguadas y abanicos; y las obras procedentes de Japón se distribuyen cronológicamente en los periodos Edo (1615-1868) y Meijí (1868-1912), destacando las porcelanas, los marfiles, las xilografías y los libros ilustrados. Del conjunto cabe resaltar, asimismo, una serie de imágenes devocionales, cabezas y bustos de Buda, originarios del suroeste asiático (Nepal, Tailandia y Java) y que en el tiempo se centran en los siglos XVIII y XIX.

La exposición se estructura en diversas secciones que recogen objetos hechos de la misma materia en las diversas culturas representadas en la colección, desarrollándose en los siguientes apartados: cerámica y porcelana, bronces, piedras duras, esmaltes, marfiles, música, indumentaria, armas, aguadas chinas, estampas japonesas, budismo y chinerías (abanicos, mantones de manila...).






26 de febrero de 2002

COLLAGE
Joe Tilson (1928) es un pintor y grabador británico que trabaja en sus inicios como carpintero de obra y muebles. Realiza sus estudios en la Escuela de Arte de San Martin de Londres y en el Royal College of Art.
A mediados de los años cincuenta viene a trabajar España y también va a Italia. Experimenta con la pintura figurativa y con la abstracta antes de empezar, en 1961 a construir objetos. Normalmente son de madera y las escenas que representa recogen composiciones tipográficas en las que aparecen con frecuencia palabras o símbolos cuya finalidad es completar el mensaje visual que pretende expresar.

En sus trabajos se aprecia el interés por las técnicas de comunicación como punto de arranque para desarrollar su proceso creativo.
Su trabajo más reciente se distingue por la incorporación de nuevas y variadas técnicas. Muestra un interés creciente por el género del paisaje, al mismo tiempo que recurre a la utilización de términos y mensajes literarios para confeccionar un lenguaje lleno de simbolismo.

La primera retrospectiva que su pais dedica a Tilson se inaugurará el 14 de Marzo en la Royal Academy of Arts y reunirá 40 obras, desde sus comienzos en los años 60 hasta la actualidad.



Caja A-Z, de amigos y familiares, es un casillero de madera con las letras del abecedario donde cada amigo (p.e. David Hockney, Richard Smith, Richard Hamilton) debía donar un objeto para llenar el módulo que tenía su inicial.

25 de febrero de 2002

BOLITAS AZULES
¿Una instalación divertida? Si. Y algo más.
McKendree Key, una joven artista norteamericana, ha creado una instalación compuesta de 45.000 bolas azules de 7´5 centímetros de diámetro, que ocupan todo el suelo, llegando hasta una altura de un metro, del tejado de la galería de arte Espai 292, un edificio de tres plantas apretujado entre edificios más altos de la calle Consell de Cent de Barcelona.
Para acceder a la instalación los visitantes deben salvar una barrera de un metro, que evita que las bolas se escapen por la escalera interior de la galería, y pasearse tambaleantes por entre la obra con las bolas hasta las rodillas. La obra tiene una lectura a dos niveles: una interactiva, dónde las personas pueden sentirla táctilmente y sentirse como parte de la obra, y una segunda más lúdica e infantil, en la cual los niños pueden ver que el arte también puede ser divertido.

Con esta obra McKendree Key ha querido crear una obra eterea, transitoria, efímera, y con ella ha transformado de forma sorprendente este espacio en medio de la ciudad. Quiere recordar la importancia del juego, devolver a la gente sus experiencias de infancia de explorar un espacio sin tener que atenerse a unas reglas.
Las bolas parecen haber llovido sobre el tejado y cuando cae la noche unas luces fluorescentes se encienden e iluminan las bolas desde abajo, destacando su efecto y creando una extraña sensación de irrealidad en la oscuridad de la noche. De hecho, la obra fue concebida como una instalación nocturna. De día su efecto es completamente diferente que de noche. Durante el día cada bola recibe exactamente la misma cantidad de luz y uno puede ver perfectamente la manera en que la luz cae sobre cada una.

Esta no es la primera obra en la que McKendree Key utiliza bolas de plástico. Ya en el año 2000 creó The Ball Room una instalación de estas mismas características; después hizo otras que se situaban en el agua: en una de ellas puso 28.000 bolas rosas en un lago de Vermont llamado Didrichsen´s Pond; en otra 7.500 bolas fueron a parar a un pequeño río, Cook Brook, dejando que bajaran por la corriente, al final del recorrido las bolas quedaron atrapadas en un cerco de alambre, pudiendo ser recuperadas.

22 de febrero de 2002

CAJA DE REMORDIMIENTOS
Bancaja expone en Alicante una serie de cuarenta y cinco grabados: aguafuertes, puntas secas y barnices blandos que Picasso realizó a lo largo de su vida, considerada como una especie de diario íntimo del artista, ya que refleja todas las etapas de su vida y los diversos estilos con los que experimentó.
En la web creada para esta exposición podemos participar en el juego "Reinterpretando a Picasso", visitar la muestra "Suite 347" y profundizar en la biografía del pintor.

La historia de la Caja de remordimientos comienza a finales de 1960 con el traslado de Cannes a Mougins por parte de Picasso y Jacqueline Roque, con quien se casa en 1961. Al dejar la casa se encontraron con una serie de planchas de cobre y zinc de las que mandó hacer pruebas. De estas copias, Picasso rechazó algunas y el resto las mandó imprimir. El artista firmó las once primeras estampas de esta impresión. El resto fue guardado en una caja, que Picasso dejaría en una esquina de su taller. La caja no volvería a abrirse hasta su muerte.

La Serie 347 fue realizada en 1968 y se llama así por el número de grabados que la forman (todos se pueden ver en la web), con el tema del pintor y la modelo como asunto principal. Se mostró por primera vez como conjunto en la Galerie Louise Leiris de París en diciembre de 1968; y debido al erotismo de algunas estampas, en especial las referidas a los juegos del pintor Rafael con su amante la Fornarina, se expusieron en una sala privada, cerrada al público en general.
Se encuentran en estos grabados todos los demás temas de Picasso: el mundo de las corridas de toros y de los cantaores de flamenco, el mundo de la mitología grecorromana y sobre todo el mundo del paisaje mediterráneo. Alrededor de 66 imágenes se dedican a un tema tan español como es el de La Celestina, novela de la que el artista poseía dos ejemplares antiguos, uno del s. XVI.
También hay amplias referencias a la vida cotidiana, a la propia infancia del artista, o a lo que Picasso podía ver en la televisión francesa, como películas de romanos, o Las mil y una noches, etc. Pero además esta Suite está llena de referencias a otros artistas, como Rembrandt, el ya citado Rafael, Ingres, al cuadro del Greco El Entierro del Conde de Orgaz, a la pintura de Manet y a la de Monet.

21 de febrero de 2002

ESPACIOS - LUGARES
Per Barclay es un artista noruego que comenzó su carrera en Italia, donde se dirigió para completar sus estudios de arte. Allí pasó por el Istituto Statale de Florencia, la Academia di Belle Arti de Bolonia y la de Roma. A partir de 1984, expone sus trabajos con regularidad en galerías italianas y noruegas y, tras su reconocimiento internacional, comienza a exponer en los principales centros de arte contemporáneo de Europa, en colaboración con los cuales ha ido desarrollando sus instalaciones y su obra fotográfica.

Hasta el 20 de abril, la sala de exposiciones del Koldo Mitxelena Kulturenea acoge una exposición de Barclay en la que se incluyen fotografías e instalaciones, dos de ellas creadas especialmente para esta muestra, coproducida entre el Kunsthall Museum de Bergen y el Centre de Creation Contemporaine de Tours.
En una de las instalaciones diseñadas especialmente para esta muestra permite que los espectadores puedan caminar alrededor de una habitación sobre la que cae luz cenitalmente desde el techo.
La otra pieza exclusiva para esta exposición se incluye dentro de su serie de las casas, con la que mantiene una serie de diferencias, siendo la más importante el uso del tipo de cristal utilizado, que es un falso espejo. Barclay permite así una única visión exterior, en la que la persona puede observar lo que pasa dentro de la casa, pero no puede participar ni refugiarse en ella. Además, el artista ha reconstruido para esta ocasión una de sus instalaciones sonoras, basada en dos sacos que emiten sonidos cuando el visitante se sitúa bajo uno de ellos.

Se presentan también ejemplos de sus trabajos de digitalizaciones fotográficas murales, "Bailarina, 2001" y "Gigante, 2001". Hay ejemplos, asimismo, de sus grandes bolsas semihinchadas, en las que el espacio no queda definido por sus límites sino por su ocupación. La muestra se completa con algunas de sus fotografías de figuras humanas, que define como "esculturas", y con una de sus piezas más rotundas, "Guillotina, 1997", que "refleja la sensación de poder como forma de belleza".

El tema principal de su obra es el espacio; define sus propuestas como "lugares", entornos que crean una situación de tensión en el espectador. Es famosa su serie Oil Rooms: en la que extiende agua, aceite o sangre sobre el suelo de los ámbitos que fotografía (habitaciones iluminadas y vacías, sórdidos paritorios, viejos mataderos municipales), consiguiendo, de un lado, una imagen invertida de la realidad, lo cual podría interpretarse como la ilusión que muchas veces adopta nuestro conocimiento del mundo, y, de otro lado, ofreciendo inquietantes metáforas de la soledad y de la muerte.

20 de febrero de 2002

UNA DANESA, MA NON TROPPO
Que una película danesa llegue a la cartelera de donde vivo es una novedad, y más tratándose de una cinta que sigue los postulados Dogma creados por Lars von Triers y otra serie de directores. En realidad, en esta ocasión, los distribuidores lo han tenido un poco más fácil ya que después de haber triunfado en los festivales de Berlín y Valladolid han podido meter la película dentro del circuito comercial. Y, la verdad, que se agradece.

"Italiano para principiantes" es una pequeña maravilla. Se trata del quinto Dogma hecho en Dinamarca (es el décimosegundo de todo el mundo), y es la primera película Dogma realizada por una mujer, Lone Scherfig. Dogma 95 es un colectivo de cineastas fundado en Copenhague en la primavera de 1995 que tiene como fin formal luchar contra "ciertas tendencias" del cine actual.
Todo director que quiera rodar una película Dogma debe aceptar una serie de reglas conocidas como el voto de castidad; y antes de ser estrenada la peli debe pasar una serie de controles para poder conseguir el diploma Dogma (que aparece junto con los títulos de inicio de la película).
Un director español ha hecho también una película Dogma "Érase otra vez", aunque creo que con escaso éxito.

"Italiano para principiantes" no es una película purista, no sigue en todo las reglas de Dogma 95, que prohiben por ejemplo la utilización de ciertos medios que son necesarios para la producción, pero si que tiene rasgos comunes con el resto de las películas dogma: ausencia de efectos especiales, actores de formación teatral, casi nada de música (sólo aparece en los últimos minutos de la peli), máxima sencillez en cuanto a decorados...en fin, purismo formal es la norma.
El argumento es sencillo: un grupo de treintañeros daneses se ven unidos por el azar y su común afición al italiano; comparten clases nocturnas y desde ahí se establecen entre ellos lazos estrechos que marcarán todas sus vidas. Y si, para los buscadores de finales felices, la historia acaba bien.

19 de febrero de 2002

AVEDON EN EL OESTE AMERICANO
El fotógrafo americano Richard Avedon está considerado como uno de los mejores retratistas del siglo XX; su actividad más conocida es la de fotógrafo de moda pero ha realizado también un tipo de fotografía relacionada más intimamente con la realidad.
En el Centro José Guerrero de Granada se presenta un ejemplo de esto último: la exposición In the American West, una muestra con más de un centenar de imágenes que retratan la vida de trabajadores de varios estados del Oeste de Estados Unidos.

Esta muestra fue realizada por encargo del Museo Amon Carter entre 1979 y 1984; y tuvo bastante mala acogida entre los habitantes de las zonas escogidas por Avedon, seguramente por la crudeza y realismo con que estaban hechas, totalmente alejadas de la sociedad que a estos norteamericanos les hubiera gustado pensar que tenían.
Son fotografías tomadas en un estudio, sobre fondo blanco y sin ningún tipo de paisaje de referencia; 750 retratos de personas que para Avedon representaban el espíritu del Medio Oeste. Este trabajo supuso todo un reto personal, su encuentro con la América profunda fue un auténtico desafio; se alejaba de todas aquellas otras fotografías que le habían dado la fama: los retratos de famosos y de modelos publicadas en las más importantes revistas de moda.

El blanco y negro (si los retratos eran al aire libre utilizaba una cartulina blanca como fondo) siguió siendo el sello de Avedon; como principal objetivo, captar la psicología del retratado; la precisión de foco; la frontalidad y una austeridad elegante, hasta captando a personajes de la extracción social más baja, mostraba que su interés por el personaje iba más allá de su nombre o profesión. Aunque la mejor definición de esta exposición corresponde al propio Avedon al afirmar que "este es un Oeste ficticio, no creo que el Oeste, en estos retratos, sea más concluyente que el Oeste de John Wayne"

"A veces pienso que todas mis fotos son simplemente fotos de mí. Mi preocupación es...la situación humana; sólo que lo que yo considero como la situación humana puede ser simplemente la mía."



18 de febrero de 2002

BEN VAUTIER
La web de Ben Vautier es una de las más completas, originales y divertidas que he visto en bastante tiempo. Generalmente los artistas delegan en sus galerías o marchantes el trabajo de su promoción en la red y a lo máximo que se llega es a una web normalita con un curriculum y algunas fotos de sus obras.
Sin embargo Ben, un artista francés que lleva en el mundo del arte desde los años 60, ha llevado su vida y su obra a Internet desde 1996. La web muestra un completísimo recorrido por sus pensamientos, sus creaciones, sus viajes, sus reflexiones sobre el arte y la cultura, sus poesías, sus libros; todo con el inconfundible sello estético de Ben: dibujos muy sencillos y tipografía infantil.

Vautier tiene la idea de que toda acción que realice un artista es arte; sus obras toman, muchas veces, la forma de declaraciones o proclamas sobre la comprensión o el contenido del arte, buscando estimular la mente del espectador. Escribe sobre todo tipo de superficies (frecuentemente imita pizarras) y sus frases son algunas veces interrumpidas por objetos que toma del mundo real (p.e. fotografías).
Forma parte de Fluxus, un grupo artístico creado en 1962 cuyos miembros viven dispersos por todo el mundo, especialmente en Estados Unidos y Europa. No existe ningún vínculo oficial entre ellos, a no ser una misma forma de concebir el arte y las influencias que han tenido (John Cage, el movimiento Dadá y Marcel Duchamp).

Su actitud parte, en un primer momento, de agotar todas las posibilidades/límites del "todo es arte" y, en un segundo momento, en superar ese "todo es arte" con una actitud no-arte, anti-arte.
Buscan devolver su función primaria (divertir) al arte; transformar las cosas de la vida y del hombre, aparentemente indignas del arte, en obra de arte.




Instants de vie trouvés

1980

15 de febrero de 2002

CO-BR-A
El grupo Cobra fue la contribución más significativa de Dinamarca al arte europeo de la postguerra. Cobra fue fundado en 1948 en París por una serie de artistas abstractos que provenían de Dinamarca, Bélgica y los Países Bajos, cuyos pilares fueron el poeta belga Christian Dotremont y el danés Asger Jorn.
Las siglas de Cobra corresponden a las primeras letras de Copenhague, Bruselas y Amsterdam.
La creatividad de Asger Jorn y sus numerosos contactos personales garantizaron el sello internacional y la amplitud de espíritu de este grupo. Durante los tres años en los que los artistas de Cobra lograron permanecer unidos como movimiento organizaron muchas exposiciones y publicaron varias revistas. El estilo característico de Cobra culminó en 1951, tras la disolución del grupo.

La Fundación Tàpies de Barcelona presenta estos días una exposición dedicada a Asger Jorn, que además de pintor fue escultor e historiador del arte. Jorn es uno de los renovadores del panorama artístico europeo en la segunda mitad del siglo XX. La experimentación es la palabra clave a la hora de definir su obra.
Al inicio de su vida artística estuvo vinculado al surrealismo que practicaban pintores como Miró o Arp; después estuvo vinculado a dos movimientos artísticos claves del siglo XX: el grupo Cobra y la Internacional Situacionista.

El situacionismo le servirá como plataforma para articular un discurso artístico basado en la conjunción de la creación cultural de vanguardia y la crítica social revolucionaria. En esta época, Jorn comienza su serie de "modificaciones", obras creadas a partir de los retoques que él mismo reliza sobre cuadros anónimos.
Tras abandonar el grupo situacionista en 1961, Jorn comenzará su labor de estudioso del arte escandinavo y sus últimos años los dedica a desarrollar obra escultórica en cerámica.

14 de febrero de 2002

MUNCH: AMOR, ANGUSTIA, MUERTE
Munch nació en Löten, Noruega, en 1863, era hijo de un médico militar y en su familia había una gran tradición de artistas e intelectuales. Pero no fue este pasado ilustre lo que marcó su vida sino la muerte. Cuando apenas tenía cinco años falleció su madre. Esto llevó a que su padre, un hombre profundamente religioso, tuviera crisis místicas. A los pocos años falleció su hermana más querida, su otra hermana cayó en depresiones profundas (llamadas entonces "melancolía") y sólo su hermano varón llegó a edad adulta, pero a los pocos días de casarse también falleció. Munch sentía cómo la muerte dominaba toda su vida.

A los diecisiete años decidió que quería ser pintor y partió hacia Cristiania, la capital de Noruega. Estudió en la Escuela Real de Dibujo y se convirtió en discípulo de Christian Krogh, el más importante pintor naturalista noruego quien descubrió enseguida las cualidades artísticas de su alumno.
En 1885 partió en viaje de estudios a París donde descubrió a los impresionistas que revolucionaban el arte francés. Munch se dio cuenta que el naturalismo ya no tenía sentido y que debía pintar no lo que vea sino lo que sentía. Volvió a Noruega con estas ideas y se puso a trabajar en una obra que reflejara sus nuevas ideas en el arte.
El resultado fue una obra maestra: "Niña enferma", una obra desgarradora donde a partir de trazos gruesos y colores contrastantes conseguía transmitir el dolor por su hermana muerta. La crítica recibió despectivamente a esta obra que parecía despreciar los principios básicos del arte naturalista. Debido a esa respuesta, Munch pintó algunas telas más tradicionales.

En 1889 su vida iba a cambiar rotundamente al conocer a Hans Jæger, el líder artístico y político de los anarquistas noruegos. Jæger había soportado la cárcel debido a sus principios políticos y también sexuales ya que fue uno de los impulsores del amor libre en Noruega. Munch se fascinó con este grupo anarquista y compartía su ideología rebelde.
Ese mismo año viajó nuevamente a París en el que comenzaba la etapa post-impresionista marcada también por un profundo desprecio por el naturalismo.
Munch admiraba especialmente las obras de Gauguin y de Van Gogh, cuyas sensibilidades las sentía afines a la suya.
Fue en París donde redactó su manifiesto artístico: "No pintaremos más interiores con hombres que leen y mujeres que tejen. Queremos pintar seres vivos, que respiran, sienten, sufren y aman. La gente se va a dar cuenta de que es algo casi sagrado y se va a quitar el sombrero como si estuviese en una iglesia".

También fue en París donde se enteró de la muerte del único ser de su familia que le quedaba: su padre. Una vez más Munch cayó en la depresión marcada por la sensación de estar solo en el mundo. Igualmente siguió trabajando en sus pinturas que aún mantenían una gran influencia de los impresionistas franceses.
Hacia 1891, Munch decidió ir hacia una búsqueda todavía más arriesgada y personal. En esa década de los 90 iba a crear sus cuadros más logrados y célebres "El grito" cuyos primeros bosquejos son de 1891, aunque su versión más famosa es de 1893. Munch acostumbraba a crear obras inacabadas o variaciones de técnica o realización sobre aquellas imágenes que pintaba. De "El grito" existen alrededor de cincuenta versiones.

Con su nuevo estilo en el que tenía como tarea "estudiar el alma, lo que equivale a decir, estudiarme a mí mismo", Munch avanzó sobre sus obsesiones: multitudes paseándose como espectros ("Tarde en la calle Karl Johan"), el sufrimiento ante el amor contrariado ("Melancolía"), el sexo de burdel ("Rose y Amélie"), la mujer seductora y sensual ("Manos").

Con este bagaje de obras llegaría Munch en 1893 a Berlín para una muestra individual en una prestigiosa galería. Alemania se había mostrado hasta entonces inmune a los efectos del impresionismo francés. Tal vez fue esa falta de costumbre ante obras vanguardistas lo que desencadenó un verdadero escándalo ante la gran cantidad de críticas en contra que recibió la muestra de Munch. El público y los pintores de más edad interpretan el arte de Munch como una provocación anarquista y, en protesta, se clausura la exposición.

El rechazo de los primeros años se convirtió de manera casi automática en admiración. Munch pasó a ser un artista respetado y seguido, aunque Noruega tardó algunos años más en reconocer la obra de su hijo pródigo.

Pero el creciente éxito como artista no iba acompañado con una vida de felicidad. Sus relaciones con las mujeres siempre fueron siempre conflictivas.
Al igual que los anarquistas que frecuentaba, Munch estaba a favor del amor libre pero en la práctica le costaba superar los celos (tema recurrente en sus cuadros) y los rechazos.
Durante mucho tiempo estuvo enamorado de Dagny Juel, una amiga de su infancia que se incorporó al grupo de bohemios de Cristiania. Su desenfado hizo que el grupo de amigos se terminara disolviendo, la mayoría se peleó por ella y sólo uno se convirtió en su pareja estable, un poeta admirador de Munch. Pero también ella, su amor loco de juventud, murió joven.
En 1898, Munch tenía una relación tormentosa con otra chica; actos de amor y de desamor se sucedían entre los dos. Un día, llegaron unos amigos comunes para avisarle a Munch que su amada había muerto. Se dirigió a la casa de la chica y la encontró en su lecho de muerte. Pero grande fue su sorpresa cuando le tomó las manos y su amada "resucitó". Había sido una puesta en escena para atraer a Munch. Descubierta la trampa, Munch discutió fuertemente con algunos de los participantes en ese delirio y terminó con una herida de bala en el brazo izquierdo. Desde entonces, Munch prefirió la soledad.

El artista se refugió en el alcohol y los fantasmas de muerte y dolor se multiplicaron. En 1908 tuvo que internarse en un instituto psiquiátrico en Copenhague durante varios meses donde fue sometido a descargas eléctricas para curarlo. Cuando salió de la clínica decidió volver a Noruega. Estaba mucho más tranquilo y pero los autorretratos de esa época lo muestran abatido. Su pintura había perdido parte de ese trazo nervioso que lo había identificado. Igualmente, no perdió su genio tal como lo testimonian los murales del aula magna de la Universidad de Oslo y en las pinturas de los paisajes noruegos.

Munch acumulaba las telas en su casa de Oslo porque no le gustaba venderlas ya que consideraba que la obra tomaba su real sentido en el conjunto y no individualmente. Por eso, reproducía por distintos medios sus pinturas, en xilografía y en litografía, entre otros procedimientos en los que se destacó.
"Enfermedad, locura y muerte fueron los ángeles negros que velaron mi cuna al nacer" escribió una vez. Munch murió a los 81 años, en una Oslo invadida por los nazis. Murió en soledad, rodeado por cientos de sus cuadros.

Munch comentando sus obras: El Friso de la Vida



Eye to Eye. 1894
When our eyes met invisible hands tied delicate threads - which went through your great eyes in through my eyes and bound our hearts together

13 de febrero de 2002

COMO LA VIDA MISMA

Un título: Love con o sin dinero.

Un artista: Oriol Font.

Un espacio y un tiempo: Sala Montcada de la Fundación la Caixa; 13 de febrero al 7 de abril.

Un formato: videoproyección en DVD.

Un proyecto: un experimento en primera persona sobre la convivencia en pareja, el deseo de llegar a ser alguien y las precariedades económicas con las que topan sus protagonistas. La cinta resume en aproximadamente 45 minutos los cuatro meses de convivencia entre actriz y director, un espacio de tiempo en el que amar y filmar acaban siendo prácticamente sinónimos.

Una invitación: que el espectador se convierta en una suerte de amigo invisible de la actriz, inmiscuyéndole en una historia personal cuya protagonista, aparentemente un ser anónimo, bien podría ser el prototipo de un determinado modelo de urbanita: treintañero, inconformista, desencantado, rebelde...

Una historia: que comienza cuando Lola decide embarcarse en una aventura con alguien (Oriol Font) al que acaba de conocer, acepta un extraño trabajo (filmar una película de arte) y se desplaza a Barcelona. A lo largo de este periodo se establece una cierta ambigüedad entre el hecho de estar juntos por amor o juntos para seguir filmando. El retorno a Madrid pone fin al relato.

Una idea: el artista busca compartir una experiencia privada a través de unas imágenes, reconstruyendo la historia a modo de rompecabezas que el espectador debe dotar de sentido.
A medida que transcurre la acción, aparecen testimonios ajenos a la propia pareja director-actriz, que brindan algunas claves para descifrar el porqué de ambos personajes.

Una trayectoria: Oriol Font (Barcelona, 1968) comenzó a trabajar con el vídeo como formato artístico en 1998. A partir de entonces, decidió centrarse en el amor y los sentimientos personales, proponiendo múltiples reflexiones. Font siempre se ha sentido atraído por los elementos que conforman e identifican la cultura juvenil y las reminiscencias Pop. El artista explora en sus vídeos la frontera entre la autobiografía y la posibilidad de trascender la esfera del espacio privado mediante la identificación del público con la narración de la obra que se expone. Intercalando tomas artísticas con tomas propias de un videoaficionado, Font reconstruye en sus obras una historia ambigua. Entre los últimos trabajos exhibidos de este artista catalán, destacan Lovers (New Art, Barcelona) y Superman lives in Madrid (La Garita, Madrid).

+: Ciclo de exposiciones Mínimo Denominador Común




Love con o sin dinero.


12 de febrero de 2002

FRESCOS DE LUZ
"Going Forth by Day. Frescoes of light" es la nueva muestra de Bill Viola que presenta el Guggenheim de Berlín; Viola es uno de los grandes videoartistas del momento.
Se formó a principios de los setenta en la Universidad de Siracusa, en Nueva York, donde entabló amistad con importantes videocreadores como Paik Nam June y está considerado como un pionero del vídeo y la videoinstalación.
En 1995 representó a Estados Unidos en la 46ª edición de la Bienal de Venecia y entre 1997 y 2000 su obra fue objeto de una gran exposición que viajó por Europa y Estados Unidos.
El Centro de Arte Reina Sofía le dedicó una exposición en 1993, "Unseen images", en la que se expusieron piezas memorables, como un impresionante díptico de la vida y la muerte en el que la agonía de su madre y el nacimiento de su hijo se proyectaban simultáneamente en la penumbra de una sala.

El proyecto que se presenta ahora en el Guggenheim de Berlin, y que es el séptimo que realiza específicamente por encargo de este centro, retoma la reflexión sobre la inexorable sucesión de los ciclos naturales.
Going Forth by Day está integrada por cinco proyecciones de VHD (video de alta definición) de unos 35 minutos de duración y en las que se exploran los diferentes estados de nacimiento, muerte y resurrección. Los títulos de los distintos paneles son: Fire/Birth, The Path, The Deluge, The Voyage y First Light .
Viola ha mencionado que al concebir el proyecto tenía en mente el ciclo de frescos realizado por Giotto para la capilla Scrovegni de Padua; esta no es la primera vez que Viola toma como fuente de referencia la obra de un maestro del Renacimiento italiano; ya en otras instalaciones como The City of Man (1989) o The Greeting (1995) había vuelto sus ojos hacia la pintura sobre tabla y hacia las imágenes religiosas de Jacopo Pontormo con el objetivo de investigar cuestiones intemporales relativas a la composición, el paisaje, el gesto y la emoción.



The Deluge. Panel 3. Going Forth by Day. Frescoes of light.


Anotaciones para una obra

...Yo diria que el tiempo es la base fundamental, el material basico de mi trabajo./...Habré tenido exito si una persona se marcha con una imagen, un pensamiento, un descubrimiento, un sentimiento que pueda utilizar en su vida, incluso aunque no pueda recordar mi nombre...Las cosas se han atrasado mucho en el mundo del arte contemporáneo...Estas son las cosas esenciales sobre el arte, y las practicas analiticas criticas que dominan nuestras vidas como profesionales del arte son funciones secundarias./ Cuando la gente me pregunta que significan mis obras, matan la posibilidad de que puedan significar otra cosa./...todas estas ideas y areas que me han interesado, filosóficas, religiosas, espirituales, la condición humana, se están juntando, y ahora, sobretodo despues de una experiencia como la muerte de mi madre o el nacimiento de mi hijo, los materiales que utilizo (videocamaras, proyecciones, altavoces, etc.) se convierten solo en otro modo de hablar de estas cosas, y la propia discusión se vuelve más importante que la naturaleza de los materiales.

Declaraciones de Bill Viola extraidas de una conversacion que mantuvo con Alexandre Puehringer y Otto Neumaier a finales de 1992, publicada por primera vez en el numero 1 de la revista MEDUSA, Art & Artists Today. Noema Press, invierno 1994/95. Traducción publicada en la revista Lapiz, no113, junio 1995, pp. 58-65.

11 de febrero de 2002

TABULA RASA
El castro de Llagú (Latores, Oviedo) se va a convertir en todo un ejemplo de lo que es hacer las cosas mal; acabará su historia convertido en una instalación virtual como testigo de lo que fue una nefasta actuación en la conservación del patrimonio arqueológico asturiano.

Un poco de historia: en el castro de Llagú hubo un poblado indígena de fundación prerromana (siglo V a. de C.) que tuvo una posterior ocupación romana a partir de mediados del siglo I. Las primeras excavaciones llevadas a cabo en el complejo en 1994 evidenciaron la existencia de complejas fortificaciones de época prerromana con una muralla de módulos.
En época romana se reutilizaron estas defensas encajándoles un torreón circular de unos siete metros de diámetro, provisto de escalera de caracol externa, y un compartimento enlosado que fue interpretado como posible cuerpo de guardia. También existía una segunda muralla con una nueva puerta de acceso .
Durante las excavaciones salieron a la luz restos de actividad metalúrgica, identificándose talleres de fundición, a los que hay que añadir la presencia de cerámicas de cocina y vajillas de lujo, así como un buen número de objetos metálicos.

Los arqueólogos relacionaron siempre el castro de Llagú (11.000 metros cuadrados) con otros yacimientos cercanos, que en algunos casos se divisan desde el mismo castro, y hacen referencia a las minas del Aramo, de las que extraerían el mineral destinado a la transformación. Las excavaciones también constataron la existencia de otras villas romanas, vías y puentes que se levantaban en sus inmediaciones y que se documentan desde época altomedieval. Señalan que todo ello dibuja un contexto único que debió coincidir con los albores y el nacimiento de la ciudad de Oviedo.

Hasta aquí todo perfecto, pero el problema surge cuando la cementera Readymix Asland tiene la necesidad de ampliar la cantera que linda con el castro; una noche de 1997 unos desconocidos entran con una excavadora y se llevan por delante todo lo que pillan. Destruyen el castro. Ningún culpable. Políticos que no ven la gravedad de la desaparición de "un montón de piedras" (palabras textuales del diputado Antón Saavedra). Más despropósitos y olvido durante años.

Ultimamente la Junta General del Principado inicia el proceso para que el yacimiento sea declarado bien de interés cultural (BIC); ante esta petición, la Consejería de Cultura decide encargar a la Real Academia de la Historia la revisión completa de los resultados de las excavaciones realizadas, así como la programación de los estudios necesarios para realizar una valoración del conjunto arqueológico y de las posibilidades de restauración del castro.

El Pleno de Patrimonio optó entonces por posponer su decisión sobre la declaración de BIC hasta conocer el resultado del dictamen de la Real Academia de la Historia y de los trabajos de excavación por ella propuestos.
Pues bien, el dictamen elaborado por la Real Academia de la Historia recomienda la conservación y protección del castro de Llagú como un testimonio de las malas actuaciones que permitieron su expolio y la degradación de su entorno; destaca también que los trabajos llevados a cabo en el castro lo convierten en el primero totalmente excavado de Asturias y en todo el norte de España.

La semana pasada el gobierno asturiano aprueba la destrucción del castro de Llagú, en contra del dictamen de la Real Academia de la Historia. Ten políticos para esto...en fin. Me cabrean estas cosas.



Castro de Llagú: le llaman el desaparecido.

8 de febrero de 2002

DESAYUNANDO ABSENTA
La absenta fue una bebida que estuvo muy de moda en el siglo XIX, especialmente en los medios literarios y artísticos (bebían absenta poetas como Rimbaud, Wilde, Baudelaire y Verlaine, y pintores como Van Gogh, Lautrec y Manet).
Se creía, en estos ambientes culturales, que la absenta estimulaba la creatividad; uno de los efectos del consumo masivo de la absenta es un síndrome, llamado absintismo, que se caracteriza por adicción, hiperexcitabilidad y alucinaciones.
A partir de 1850 comenzó a cundir la alarma sobre las consecuencias de su abuso y fue prohibida en muchos países; prohibición que ha llegado hasta la actualidad. Aunque, curiosamente, está de nuevo de moda en toda Europa desde que en varias webs se puede comprar directamente el licor y además se ofrecen recetas, descripciones de sus efectos alucinógenos y mitología sobre esta bebida.

En fin, a lo que iba, llega a Barcelona el artista norteamericano Raymond Pettibon para inaugurar su monográfica en el MACBA de Barcelona y en la rueda de prensa, tras anunciar que se había desayunado una botella de absenta, monta el lio al proclamarse partidario de la filosofía de Bin Laden, ya que quiere que Estados Unidos desaparezca de la política internacional.
No hay mejor cosa para promocionarse que la polémica y Pettibon lo sabe muy bien. Sus declaraciones no tienen desperdicio: "lo que admiro de Bin Laden es su filosofía, porque quiere que Estados Unidos desaparezca de la política internacional, que deje de hacer lo que ha estado haciendo en Arabia, Israel y Egipto"; arremetió contra "el régimen radical de derechas que ha dominado Estados Unidos, con Reagan, Clinton y Bush"; y declaró: "Amo a mi país, al menos el planteamiento inicial cuando surgieron los Estados Unidos", pero "habría sido mejor si también hubieran desaparecido el Pentágono, el Capitolio y la Casa Blanca".

La exposición del MACBA contiene cerca de mil dibujos sobre papel, murales diseñados y ejecutados especialmente para los espacios de este museo, cinco películas en vídeo y también música, libros y notas procedentes del archivo del artista.
En sus obras combina imagen y palabra; muchas de sus imágenes pertenecen a la cultura de masas, la televisión (Perry Mason o las películas de serie B), las revistas y cómics como Krazy Kat, de George Herriman, y Terry & The Pirates, de Milton Caniff. Lo mismo ocurre con los textos que incorpora a sus dibujos, que derivan de su ecléctica lectura: Marcel Proust, Henry James, la Biblia, William Blake y John Ruskin, pero también revistas y novelas baratas.




7 de febrero de 2002

JUEVES DE COMADRES
Hoy se celebra en Asturias (no en toda la Comunidad, eso es cierto) el Jueves de Comadres, una de esas fiestas recuperadas de la tradición en los dos últimos decenios y que están tomando cada vez más importancia.
Se celebra en fecha variable pero siempre el jueves anterior al miércoles de Ceniza; sobre el origen de la fiesta pues hay para todos los gustos: desde los que piensan que se remonta a los siglos XIV-XV y que se celebraba en el tiempo en que las madrinas entregaban a sus ahijados el "bollu", a los dicen que tendría lugar en el momento en que intervieran las Celestinas o Comadres para reconciliar o arreglar los enfados de las parejas de novios o matrimonios para que de esta manera pudieran entrar en la Cuaresma reconciliados.

La idea más coherente nos la da Julio Caro Baroja, quien en un estudio sobre las fiestas de Comadres afirma que en España se celebraban y se celebran por las mismas fechas unos festejos con unas características parecidas, lo que hace suponer que todas ellas tuvieron un origen común en las fiestas romanas llamadas Matronalia, la fiesta de las mujeres casadas.
Las Matronalia eran unas fiestas consagradas a Juno, cuyo sobrenombre era Matrona, y que protegía a las mujeres embarazadas.
Estas fiestas eran celebradas en las Calendas de Marzo por las mujeres casadas, en memoria de la terminación de la guerra entre los sabinos y los romanos. En ellas se hacían sacrificios a Juno y las mujeres, que se adornaban con flores en ofrenda a la mencionada diosa, concedían a sus sirvientas los mismos privilegios que sus maridos concedían a los esclavos en las Saturnalia, pues eran ese día depositarias de la autoridad y el mando.

Ya en la Edad Media, la Iglesia veía con cierto recelo estas celebraciones (Ausonio señalaba que las Matronalia se celebraban incluso entre los cristianos), pero, al no poder suprimirlas, les dio un significado distinto, haciendo derivar el antiguo concepto de matrona al de madrina, como parentesco espiritual que adquiere ésta con la madre del bautizado.

La fiesta se mantuvo durante siglos con pequeños cambios pero con la misma idea originaria; dando un salto en el tiempo, tras su prohibición durante el franquismo (como ocurrió con las otras fiestas relacionadas con el Carnaval) ha retomado en los últimos años un caracter más reivindicativo sobre los derechos de las mujeres etc...y también ha cambiado su forma de celebración: si antes se hacia una merienda en el campo, ahora lo que se lleva es cena en un restaurante o sidrería y espectáculo de sexy-boys. Es, de todas maneras, un día (mejor, una noche) para disfrutar entre amigas; un día para comadrear.
MALPAIS
Es Malpais un proyecto que el artista Edu Valderrey viene desarrollando desde 1996. Se muestra ahora en la galería Astarté de Madrid la propuesta que lleva por título "Las fronteras".
En esta ocasión, el artista utiliza conjuntamente maderas y diapositivas para ofrecer su personal visión de diferentes espacios y ciudades del suroeste de Estados Unidos.
El concepto de "frontera" viene definido por el contraste entre paisajes como los de las grandes superficies comerciales, las amplias autopistas que atraviesan ciudades y las primeras construcciones nativas establecidas en Nuevo México, Colorado o Texas.

Valderrey sigue reflexionando en esta obra sobre los sucesivos cambios formales del espacio urbano a través de un análisis crítico sobre las redefiniciones del entorno habitado y sus múltiples lecturas. El estudio analiza las normas de relación entre la arquitectura y el individuo, tratando de superar la amnesia emocional y geográfica que origina a veces la falta de entendimiento en un nuevo entorno. (Son muy interesantes los artículos sobre el proceso creativo de Valderrey que están en la web).
Los sucesivos proyectos que forman parte de Malpais tuvieron su inicio con Hortus (Barcelona, 1996) donde comienza a investigar sobre las diferentes posibilidades de utilizar el espacio escultórico como soporte de proyección. A partir de 1997 y gracias a varias becas y ayudas continúa con su proyecto artístico ya fuera de España: Le Jardin (París, 1997), Round Trip (NY, 1998; Boston, 1999) y Sur (Roma, 1999; Madrid, 2000).

6 de febrero de 2002

POR AMOR AL ARTE
Los colecccionistas de arte Jacques y Natasha Gelman crearon una de las colecciones privadas más importantes de arte moderno en el siglo XX; durante cuarenta años se dedicaron a comprar obras de arte con la única guía del buen gusto.
Vivieron a caballo entre México y Nueva York, aunque sus orígenes eran europeos; Jacques Gelman había nacido en San Petersburgo en el seno de una familia de terratenientes, por lo que recibió una muy refinada educación. Tenía sólo ocho años cuando estalló la Revolución de Octubre y poco tiempo después sus padres lo mandaron, con su institutriz y un surtido de valiosos huevos Fabergé entre sus ropas, a Berlín.
Allí pudo dedicarse al cine, su pasatiempo favorito: consiguió un trabajo en una distribuidora de cine y luego, en París, instaló su propia empresa. Fue en esa época cuando empezó su colección de arte. Después, huyendo de la guerra, partió a México en 1938.
Justamente fue en esa ciudad, en el hotel donde se hospedaba conoció a su esposa, la checoslovaca Natasha Zahalka. La pareja se convirtió en protagonista de la vida nocturna mexicana y gracias a eso descubrieron al comediante más importante de México: Cantinflas.
Gelman pensó que podía funcionar bien en el cine y dio en el clavo, ya que el éxito de este cómico aseguró que Cantinflas se lanzara al estrellato y permitió que Gelman, sin sobresalto alguno ni distracciones, pudiera coleccionar arte.

Una de las primeras obras en conformar esa famosa y envidiada colección fue un retrato de Natasha encargado a Diego Rivera. El muralista inmortalizó a Natasha recostada cual diva de Hollywood. Luego, otras firmas también retrataron a la rubia checoslovaca. Entre ellos, Rufino Tamayo, Frida Kahlo y Siqueiros.
Los Gelman se inclinaron por los artistas mexicanos que eran conocidos en los Estados Unidos y una vez que compraban las obras, los artistas se hacían aún más conocidos y prestigiosos.

Tras la muerte de la pareja su patrimonio pictórico comenzó a ser codiciado por museos e instituciones culturales de todo el mundo, pero al final se convirtió en una exposición que viaja eternamente por los grandes museos del mundo; en estos momentos es The Metropolitan Museum of Art, el que expone parte de esa colección, concretamente obras de los pintores la Escuela de París (seis pinturas de Picasso; cuatro de Matisse; cinco de Miró; cuatro de Bonnard; tres de Braque; tres de Léger; dos de Dubuffet, Gris, Tanguy y Vlaminck respectivamente; tres bronces y una pintura de Giacometti y también obras de Brauner, Chagall, de Chirico, Derain, Ernst, Modigliani, Mondrian y Rouault).

5 de febrero de 2002

LIBRO DE VIAJES
Hace unos días terminé de leer "Viajeras intrépidas y aventureras" (de Cristina Morató, Ed. Plaza & Janés) una multi-biografía de mujeres que un buen día decidieron emprender la aventura de sus vidas. Setenta mujeres que, desde de la caída del Imperio Romano en el siglo IV hasta la actualidad, abandonaron sus hogares y empezaron un largo viaje hacia lo desconocido. No todas las mujeres son iguales, ni emprendieron sus aventuras por el mismo motivo... pero si tenían en común un espíritu de aventura y descubrimiento de otras realidades.

En la Edad Media eran reinas o monjas que viajaban por motivos religiosos, para conocer los escenarios bíblicos de Tierra Santa; así por ejemplo, el primer libro de viajes en castellano lo escribió la peregrina Egeria que era una religiosa gallega, probablemente una abadesa, que viajó hacia Tierra Santa y los confines del Imperio Romano.
Siglos más tarde, algunas mujeres también emprendieron largos viajes para predicar la palabra de Dios en lejanos lugares del planeta. Otras lo hicieron para participar en conquistas, como la monja Alférez que se embarcó rumbo a las Américas simulando ser un hombre y luchó como cualquier otro en la conquista de Chile; también por interés científico, para trabajar como institutrices o acompañar a sus maridos en las expediciones científicas.
Algunas de ellas eran analfabetas que habían sido apartadas de la educación por su simple condición de mujer. Otras, en cambio, formaban parte de clubs literarios y recogieron en sus diarios de viaje sus increíbles aventuras.
Son damas victorianas que viajan a la selva o a los desiertos vestidas con apretados corsés, enaguas, botines y sombrillas, como Mary Kingsley; o May Sheldon que no renuncia a algún capricho que otro como viajar en un enorme palanquín de mimbre y con su bañera de zinc; o Gertrude Bell que cena en el desierto con su vajilla de porcelana, cristalería y cubertería de plata.
Son mujeres que recorren a lomos de caballo o de camello Oriente Medio y que escriben sobre regiones aún inexploradas por los europeos; como Alexandra David-Néel que se marchó al Tibet para descubrir los secretos de la filosofía budista y fue la primera occidental en entrar en la ciudad prohibida de Lhasa en 1925. O la piloto Amelia Earhart, la primera mujer que cruzó en solitario el Atlántico en 1928.

Como dice la canción:"Y como además sale gratis soñar y no creo en la reencarnación, con un poco de imaginación partiré de viaje enseguida a vivir otras vidas, a probarme otros nombres, a colarme en el traje y la piel de todos los hombres que nunca seré".



He estado "investigando" un poco sobre la foto de la portada del libro... es obra de J. Pascal Sébah (1838-1890) y se titula "Ascensión a la pirámide de Keops ca.1885"

4 de febrero de 2002

ENGAÑAR AL OJO
Uno de los principales puntos de partida en el arte es la imitación de la naturaleza; desde la antigüedad se tenía esta idea del arte, Aristóteles reivindicaba la imitación de la naturaleza como uno de los objetivos del arte.
Plinio el viejo, en su Historia natural, relata la famosa anécdota acerca de los pájaros que iban a picotear las uvas pintadas por Zeuxis, engañados por su perfección mimética, y la del posterior desquite de Parrhasios el zôgraphos ( la palabra pintor se dice en griego zôgraphos el que escribe lo viviente) contra Zeuxis, al ofrecerle un cuadro oculto tras una cortina: cuando Zeuxis fue a retirarla, descubrió que estaba pintada.

A pesar de la evolución del arte, este precepto aristotélico sigue vigente a la hora de valorar los méritos de una obra artística, se intenta que sea lo más parecida a lo real, a lo verdadero. La ambigüedad esencial de la imagen es consustancial al arte.
El engaño visual (trompe l´oeil) es protagonista en las obras de los artistas norteamericanos de finales del siglo XIX, William Harnett y John Peto.
En la exposición online de la Galeria Nacional de Washington hacen un pormenorizado estudio de la más famosa obra de William Harnett, "El viejo violín". Se reseña el impacto que produjo su exhibición en el público y la influencia posterior que tendría esta obra en una serie de pintores estadounidenses que también practicaron el trampantojo. Dedican un apartado especial a las obras en las que representa dinero, monedas y billetes, con tanto realismo que incluso fue acusado de falsificación y aunque quedó demostrado que era sólo un buen trabajo artístico no volvió nunca más a pintar dinero.


William Michael Harnett, The Old Violin, 1886.
National Gallery of Art, Washington.

1 de febrero de 2002

ANGLADA CAMARASA AL COMPLETO
La esperada antológica de Hermenegildo Anglada Camarasa se inauguró ayer en el Centro Cultural Mapfre Vida y será, sin ninguna duda, una de las exposiciones del año. Anglada Camarasa fue un innovador y participó en algunas de las aventuras renovadoras más arriesgadas de las dos primeras décadas del siglo XX. A él se atribuyen por ejemplo las primeras representaciones de la iluminación eléctrica en pintura, y su libre uso del color, que alcanza en ocasiones cotas de autonomía cercanas a la abstracción, fue unánimemente admirado por sus contemporáneos.

Fue discípulo de Modest Urgell, compañero de estudios del grupo de los nabis (Maurice Denis, Bonnard, Vuillard...) cuyo sentido del arabesco y de lo decorativo nunca le abandonaría; la pintura de Anglada Camara sa hunde sus raíces en el ambiente del post-impresionismo y del sintetismo para después evolucionar hacia un territorio más personal, en el que la presencia de elementos folklóricos se revela como ingrediente fundamental.
Fue precisamente esta sensibilidad hacia el refinado decorativismo del folklore popular (recogido por ejemplo en sus fastuosos mantones de Manila, o en los trajes de sus valencianas) lo que le haría sintonizar de manera especial con el grupo de artistas rusos establecido en París y lo que en parte explica que Anglada fuera uno de los pintores favoritos de Diaghilev o que el escritor Máximo Gorki solicitara visitar a puerta cerrada la sala que se dedicó a su obra en la Exposición Internacional de Roma.

Desde 1904 se instala en Montmartre, conoce a Picasso y abre una academia de pintura, a la que acuden numerosos alumnos entre los que se encuentra María Blanchard. Es uno de los fundadores de los Salones de Otoño de París y se relaciona con los artistas de la Secesión de Viena, con los que llega incluso a exponer.
En 1914 regresa a España y se establece en Pollensa, donde vive hasta su muerte, exceptuando el paréntesis del exilio francés durante la Guerra Civil y los primeros años de la posguerra. Su casa de esta localidad mallorquina se convierte en el Museo Anglada Camarasa.

En esta muestra se ha reunido una cuidada selección de 65 cuadros y más de una treintena de dibujos procedentes de museos y colecciones privadas tanto de España como del extranjero. El conjunto cuenta con 26 obras que se ven por primera vez en Madrid y otras muchas que prácticamente no se habían visto en España como "Caballo y gallo" (1904), prestada por la Galería de Arte Moderno de Venecia o "Ver luisant" (1904), de la Thielska Galleriet de Estocolmo.
A través de esta selección pueden recorrerse todas las etapas de la trayectoria de Anglada desde un punto de vista tanto temático como estilístico, empezando por el paisajismo rural de su primera juventud, continuando con sus series de gitanas y con los turbulentos nocturnos del París fin de siécle y concluyendo con los plácidos paisajes de Pollensa en su versión tanto terrestre y nacarada como submarina y brillante. Otros episodios más raros aparecen también representados; es el caso del viaje a Bretaña de 1904, el breve paso por Montserrat durante el alzamiento militar de Mallorca o las series de flores que realizó en los últimos años de su vida.