28 de enero de 2002

AVISO A NAVEGANTES
Siguiendo la estela del jardín 1003, siempre tan atento con sus fieles lectores, pues anuncio que hasta el viernes no habrá más posts, comentarios o como se les quiera llamar.

Dejo, eso si, algunas recomendaciones que llevan tiempo esperando ser comentadas; tengo una amiga (¡Hola Montse!) que se pega unas curradas impresionantes para diseñar y mantener la mejor web de la red dedicada a Javier Marías; pues bien, hace poco se re-estrenó un foro en donde se comenta la obra de Marías y muchas cosas más...indispensable para lectores empedernidos y viciosos de los sugus de piña.

Hay algunas bitácoras nuevas, o no tanto, que se han añadido a mi lista de favoritas: los enlaces sobre arte de Mari Carmen Aguado, pinceladas de buen gusto y descubrimientos interesantes; los comentarios literarios de La Hormiga ReMolona si que molan; Outsider enterito...y si, los microcuentos son mi debilidad, me encantan; el Petisblog, poesía cotidiana con un imprescindible toque ácido; y por último, por ser el más reciente "descubrimiento", Por la Boca Muere el Pez, al que llegué en una de esas navegaciones sin rumbo. Reconozco que fue un auténtico shock encontrarme con la Nebulosa de la Cabeza de Caballo....flipé un rato...mucho rato...nunca había visto nada igual... ese color rosa mexicano me alucinó... me guardé la foto (gracias) y ahora la nebulosa, las estrellas brillantes y el rosa "decoran" mi fondo de escritorio.
De Astronomía no tengo ni "·$%&/()=? idea pero ya he aprendido que los carbonatos y el agua no tienen una relación fluida, y que las hormonas también cumplen años y que hay 1.500 volcanes en actividad...y que...y que...; vamos, que me vienen genial estas lecciones de ciencias.

PRESTAMOS
Nos prestan el Balzac de Rodin para celebrar la Capitalidad Cultural Europea... y qué hacemos? Nos liamos a botellazos con la escultura. Triste, no? En fin, sólo es una anécdota pero seguramente quienes hicieron tan "heroico" acto desconocen quienes fueron Balzac y Rodin, y eso es más triste aún.

Cambiando de tema, retomando la idea de Rodin como "escultor total", un joven escultor británico llamado Keith Tyson presentó en la última Bienal de Venecia la escultura denominada The Thinker (after Rodin), lo que hizo fue recubrir una de las salas de exposiciones con apuntes técnicos a modo de diario científico.
En esta obra crea una vida artificial, un gigantesco monolítico metálico, que emite impulsos eléctricos. Teniendo una base de datos de 33.000 años, la historia de la humanidad, se convierte en un nuevo hombre, un ser inteligente y autosuficiente. Pero con una carencia: sabemos que está pensando, pero no sabemos en qué.
Es una obra en la que se reflexiona sobre cómo surge el pensamiento humano, que se esconde detrás miles de fórmulas científicas recogidas en el diario, y que refleja el problema de falta de comunicación con el exterior.

En su más reciente exposición "Supercollider" (nombre coloquial de la partícula aceleradora CERN en Ginebra) sigue reflexionando sobre su fascinación por estos conceptos científicos, encarnados esta vez en el mundo de las estrellas, los planetas y toda la energía que fluye en el espacio.

Tres esculturas nos invitan a la reflexión de un universo en constante movimiento. En el centro, A tiny bubble of complexity, una esfera gigante que cambia de color y respondiendo a impulsos internos, Field of heaven long shot magnet, un máquina que representa los planetas y satélites del sistema solar, y A Night in a Billion, doce paneles dibujados con estrellas que pueden ser combinados de 460 millones de veces diferentes. Una obra conceptual con una fascinante presentación plástica y que invita a la reflexión sobre la naturaleza primigenia y última del ser humano.



Keith Tyson, Supercollider, 2001 (Studio Wall Drawing)

25 de enero de 2002

EL GRAND TOUR
El Grand Tour era casi una obligación entre los jóvenes pudientes del siglo XVIII; este fenómeno turístico con toques culturales, comenzó en Inglaterra y, con la frase de origen francés: "Faire le grand tour" (Dar la gran vuelta) se definía el período en que los jóvenes, para complementar su educación, organizaban largos recorridos por diferentes países del continente europeo.
Los destinos principales eran Roma, Venecia, Nápoles y Florencia; se visitaban las más renombradas ciudades europeas hasta llegar a Italia, considerada como la cuna de la cultura occidental moderna. Tomaban alli contacto con el mundo clásico, veían con sus propios ojos los recientes descubrimientos arqueológicos de Herculano (1738), y Pompeya (1748) y fomentaban el coleccionismo y estudio de obras de arte.
Una muy completa muestra en el Museo J. Paul Getty nos acerca a este fenómeno en tres diferentes exposiciones (Nápoles y el Vesubio en el Grand Tour, Roma en el Grand Tour y Dibujando Italia en la época del Grand Tour).
Es, al fin y al cabo, un viaje intemporal.

24 de enero de 2002

LA INTRAHISTORIA DE EDWARD HOPPER
Edward Hopper nació en 1882 en Nyack, New York. Estudió en la Escuela de Arte de esa ciudad, donde lo acreditaron como un excelente alumno, de cuyos trabajos se desprendía gran elegancia y pureza. Estuvo cuatro años en Europa, de 1906 a 1910 y allí desarrolló la creación de formas sólidas, alargadas, voluminosas y totalmente arquitectónicas, con las cuales logró captar la síntesis del espíritu de las grandes ciudades. Realizó infinidades de cuadros, estudiados uno a uno, como buen amante del dibujo y el diseño que era.

En 1924 se casa con la pintora Josephine Verstille Nivison y se compran un Dodge, iniciando una serie de viajes a través de diversos lugares de EE UU. Esa mirada "de paso y a lo lejos" es una de las marcas del estilo Hopper. En 1934 construye su famosa casa de verano, donde vive la mitad del año y cuyos paisajes le inspiran sus cuadros con temas marinos, un remanso en su obra, tan inclinada a la sordidez de las ciudades. Continuó trabajando dentro de ese estilo durante toda su vida, refinándolo y perfeccionándolo, sin abandonar jamás sus principios básicos. Aunque su obra se mantuvo al margen de las principales corrientes abstractas del siglo XX, su estilo simple y esquemático fue uno de los que influyó en la vuelta al arte figurativo posterior y en el Pop Art.

En el recordatorio de su vida a modo de libro de recuerdos que hacen en el Museo Smithsoniano podemos curiosear entre la correspondencia privada del pintor, conocer los lugares (Cabo Cod, Nueva York, Inglaterra, Paris, Mexico) que inspiraron sus obras, las críticas sobre sus exposiciones publicadas en la prensa, los retratos a su esposa y amigos, junto con un más que completo dossier pictórico de todos sus viajes.
Curiosidades: los cheques a su nombre como pago de alguna obra vendida, su esposa Jo como modelo múltiple en "Chop Suey", los planos para llegar a su casa en Truro, escuchar la voz a Hopper hablando sobre su obra...en fin, toda una vida dedicada al arte.

23 de enero de 2002

CHAGALL ENTRE EL CORREO
Hay veces que lees el titular de una noticia y no te lo crees...en fin, que se producen hechos increíbles en el mundo todos los días lo demuestra la noticia de hoy. Un cartero de Kansas halla un cuadro robado de Chagall en el departamento de cartas perdidas. (????)

El buen señor encontró entre las cartas extraviadas un cuadro robado de Marc Chagall por el que las autoridades habían recibido una nota de rescate que exigía la paz en Oriente Próximo. La obra está valorada en 1,14 millones de euros (190 millones de pesetas). El cuadro, de 20x25 centímetros y titulado 'Estudio para Over Vitebsk', se hallaba en el interior de un paquete no reclamado o no repartido que fue abierto en el departamento de cartas perdidas de Topeka por un trabajador de Correos. Este vió varios sellos del museo en la parte posterior del óleo que indicaban su valor, según explicó el jefe del FBI en Kansas, Jeff Lanza.

La obra había sido robada en el Museo Judío de Nueva York el 8 de Junio, por un grupo desconocido que se autodenomina Comité Internacional para el Arte y la Paz. Pocos días después, se envió un escrito desde el barrio del Bronx, afirmando que el cuadro se devolvería cuando se alcanzase la paz en la región del Cercano Oriente. La policía consideró que la carta era auténtica y que se trata de verdaderos ladrones de obras de arte. No dudo que fueran verdaderos ladrones, pero un poco peculiares también, no?

22 de enero de 2002

DISEÑO POP
Verner Panton es un diseñador y arquitecto danés que saltó a la fama gracias al éxito conseguido tras la creación de una de las sillas más famosas del siglo, la Panton Chair. Algunos de sus diseños, como su Fantasy Landscape Room, han sido reconocidos como auténticos estandartes del diseño de los años 60.
Caracterizada por sus formas extravagantes y por el uso de colores fuertes e intensos, la creatividad del diseñador danés no se limitó únicamente a la creación de objetos singulares sino también al desarrollo de grupos completos de mobiliario y al diseño de espacios.
Panton encontró su camino en el mundo del diseño a través de la arquitectura; colaboró, entre 1950 y 1952, en la oficina de Arne Jacobsen, donde se involucró en el diseño de la legendaria Ant Chair. Más tarde, después de trabajar como arquitecto y diseñador independiente en algunos países europeos durante la década de los 50, Panton atrajo la atención internacional con un mobiliario basado en formas muy geométricas. Estos diseños se distinguen por sus formas insólitas y por el uso de nuevos materiales de plástico que se producían en la época.
Y también se especializó en fusionar elementos dispares como suelos, paredes, techos, elementos luminosos, textiles y plásticos en una única unidad de espacio. Muestra de ello son sus oficinas de la editorial Spiegel, en Hamburgo (1969) o el restaurante Varna, en Aarhus (1970).

Sus diseños, aún accesibles en tiendas especializadas (un ejemplo: la Bachelor Chair se vende por 575$), llegan a las galerías españolas por primera vez de la mano del Vitra Museum, que las reúne en la completa exposición que presenta la coruñesa Fundación Pedro Barrié de la Maza.



El comedor de la editorial Spiegel. Hamburgo, 1969.

18 de enero de 2002

FIGURAS
El Centro Gallego de Arte Contemporáneo inaugura hoy una exposición antológica del artista británico Anthony Gormley, ganador del premio Turner en 1994. Se trata de la primera muestra que se consagra al artista en nuestro país y en ella se han reunido 25 piezas que abarcan desde 1978 hasta nuestros días.

Gormley está considerado como uno de los grandes renovadores de la escultura contemporánea y es valorado por haber devuelto al cuerpo humano la preponderancia de la que había disfrutado durante siglos dentro del terreno de la escultura y que había perdido con la llegada de las vanguardias.
Esta muestra nos va a ofrecer una mirada global sobre la obra del creador, desde sus primeras investigaciones del problema de la relación entre el cuerpo y el espacio circundante hasta sus últimas propuestas.
La figura humana, y muy frecuentemente su propio cuerpo, constituyen casi siempre el punto de partida de su universo creador. Revestidas de plomo, de cemento o de bronce; alineadas, como Insiders, enfrentadas, como Parallel Field o suspendidas en el aire, como Critical Mass II, estas figuras provocan en el espectador sensaciones encontradas de familiaridad y extrañeza.
Y si, también es el creador de Human Beans. A veces cocinando se tienen buenas ideas...o no.



17 de enero de 2002

LABORATORIO DE ARTE
El Palacio de Tokyo, en París, es un edificio neoclásico situado en la avenida Wilson, frente al Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad. Es el lugar que han elegido Nicolas Bourriaud y Jerôme Sans para desarrollar un proyecto ambicioso, alternativo, «laboratorio de experiencias culturales y de convergencia» que se abrirá el día 22 de enero.
Sus 4.000 metros cuadrados bajo un techo de cristal acogen instalaciones espaciosas que serán escenario de exposiciones, tertulias y actividades en artes plásticas, música y literatura. Con este proyecto, París recupera su espíritu cosmopolita e innovador.

En el París de los museos convencionales, del arte convertido en objeto sagrado e inaccesible a las masas, cuesta imaginarse un impulso vanguardista como el que representa el Palacio de Tokyo, auspiciado por el Ministerio de Cultura francés. Esta idea surge de una serie de experiencias interiores y vitales de ambas personas (Nicolas Bourriaud y Jerôme Sans, quien será uno de los 20 comisarios de Arco 2002) que se escapan del concepto convencional de coordinadores, escritores y críticos de arte, con la ambición de devolverle a París un sentido verdaderamente cosmopolita. Muy buena iniciativa, sin duda.


16 de enero de 2002

CUBOS
En los años 60, Sol LeWitt comenzó a investigar el cubo, forma geométrica básica que se ha convertido en un elemento esencial de su lenguaje artístico. El variado empleo que el artista hace del cubo comenzó con una pregunta: ¿si Ud toma un cubo abierto y sistemáticamente resta sus partes, cuántas son las variaciones creadas? Durante muchos meses LeWitt trabajó esta idea y el resultado es esta exposición que se ha mostrado en el Museo de Arte de Cleveland.

Fue en 1965 cuando realiza su primera exposición individual en la que presenta piezas en tres dimensiones de líneas claras y definidas que cortan el espacio. Después de esta experiencia se vuelca a la realización de estructuras abiertas. El cubo se transforma por su simpleza en la figura fundamental sobre la que construye una serie virtualmente infinita de combinaciones. Usando sistemas matemáticos, LeWitt se oponía a la expresividad y al gesto del expresionismo abstracto que imperó en los años 50.

15 de enero de 2002

EL PAJARO LUNAR
De la figuración al gesto es el título de la muestra de Joan Miró con la que el castillo real de Tours estrena una nueva etapa como centro de exposiciones de arte del siglo XX y creación contemporánea.
Se reúnen 125 grabados, 50 esculturas, así como 33 fotografías del artista firmadas por Francesc Català-Roca.

Entre las esculturas incluidas destaca El pájaro lunar, un bronce monumental de 700 kilos concebido en 1968 y que salió dos años más tarde de la fundición. Donada a la ciudad de París, fue instalada en 1974 en la plaza Blomet, cerca del lugar donde el artista tuvo su primer taller parisiense -el de Pablo Gargallo-, entre 1919 y 1927.
Se trata de la primera vez que el Ayuntamiento de la capital francesa presta esta escultura, considerada una de las obras más emblemáticas por el nieto del maestro, Joan Punyet Miró, quien además apunta que Miró "llevaba los objetos encontrados a su taller para escucharlos, para obedecer a sus dictados y ensamblarlos en formas que transformaban una rama en pájaro, un pedrisco en cabeza, un calabacín en sexo. Las formas presentadas en Tours son ásperas y violentas, florecen y germinan con la energía de una flor salvaje".

14 de enero de 2002

Y SE ARMÓ EL BELÉN
No se si a estas alturas alguien se acuerda de aquella famosa boda entre el monumento a Colón de Barcelona y la Estatua de la Libertad; era el proyecto artístico "Luna de Miel" que realizó Antoni Miralda entre 1986 y 1992.
Ni que decir tiene que los americanos no estaban muy por la labor con el compromiso, pero bueno todo sea por el espíritu olímpico, no?

Pero esta vez como que ya no cuela...y tiene contenta a la Catholic League for Religious and Civil Rights (de USA) con su nueva exposición "Active Ingredients" en el American Center for Wine, Food & the Arts (interesante mezcla de placeres).
Su instalación está formada por once máquinas de refrescos llenas de objetos relacionados con los alimentos; entre los objetos hay 35 estatuillas, del tamaño de una pieza de ajedrez, de diferentes personajes que se sientan sobre orinales (entre ellos varias monjas, el Papa, Fidel Castro, y Papá Noel).
El portavoz del museo se defiende de las críticas con la aclaración de que los "caganers" son parte de la tradición belenista catalana desde el siglo XVIII y que están presentes en colecciones públicas y privadas.

11 de enero de 2002

ROMPIENDO MOLDES

La artista británica Rachel Whiteread (Londres, 1963) presenta estos días en el Guggenheim de Berlin su más reciente obra en la muestra Transient Spaces. Whiteread ha creado a lo largo de su trayectoria artística, un cuerpo único de escultura en el que objetos domésticos cotidianos y espacios arquitectónicos son transformados en obras de arte poéticas, que hacen pensar.

A finales de los años 80, Whiteread comenzó a hacer moldes de artículos del hogar que enfatizaban aspectos privados de la vida doméstica y que reflejaban de forma simbólica el cuerpo humano. Las esculturas vaciadas en escayola, hormigón, resina o caucho, son de distintas características y tamaños.
Sus esculturas están basadas en series de confrontaciones: público / privado, sólido / efímero, copia / original. Su trabajo es un intento de que estas diferencias jueguen y se relacionen unas con otras, de ningún modo hay un intento por resolverlas.
Lo esencial en el trabajo de Whiteread es el vaciado; pero no hace un vaciado de los objetos sino del espacio que estos ocupan, "del espacio en su interior o del espacio que dejan atrás como un rastro; de todo aquello en que la materia sustituye al vacío".

Una casa, un suelo, una bañera, un fregadero, una cama, un colchón, se convierten en la base para un conjunto de mecanismos mentales que se pueden definir como "rematerializacion", a través del vaciado. Cuando vacía espacios familiares: una bañera, o el espacio que hay debajo de una cama, existe una fuerte sensación de interrelación entre las esculturas por separado, así como un vocabulario físico: esconder, proteger, yacer,.... una relacion constante con el cuerpo humano.

10 de enero de 2002

ENERO: MOMENTO TURNER
Estamos en Enero y es el momento de la exposición anual de las acuarelas de Turner procedentes del legado del coleccionista londinense Henry Vaughan. Los treinta y ocho trabajos del legado han sido expuestos en la National Gallery of Scotland durante cerca de más de cien años todos los meses de Enero.

El legado Vaughan incluye casi todos los periodos de la larga carrera pictórica de Turner: desde sus primeros dibujos topográficos de 1790 hasta sus acuarelas coloristas y atmosféricas del continente europeo realizadas entre 1830 y 1840.
Vaughan estipuló que debido a la fragilidad de las acuarelas, estas no debían ser expuestas más que una vez al año ya que la constante exposición de estas a la luz podrían dañarlas.
En su testamento declaró que las acuarelas debían ser expuestas el mes de Enero ya que consideraba que era la época del año en la que menos incidía la luz directa sobre las pinturas. Y a pesar que la tecnología se ha desarrollado lo suficiente para mantener las condiciones atmosféricas ideales, la National Gallery of Scotland sigue manteniendo esta tradición.

9 de enero de 2002

NO A LA RESTAURACIÓN
Normalmente la decisión de restaurar una obra de arte es acogida con alegria y alivio, pero no ha sido así en el caso de la "Adoración de los Magos", un trabajo inconcluso del Leonardo joven, que iba a ser restaurada después de que un donante anónimo ofreciera dinero para realizar el trabajo.
Sin embargo, ArtWatch, una organización internacional dedicada a proteger las obras de lo que consideran una restauración "exagerada", montó una campaña en contra de los planes. La protesta internacional contó con el apoyo de decenas de estudiosos del arte renacentista de Estados Unidos, Gran Bretaña e Irlanda.
El caso de la "Adoración de los Magos" era particularmente conflictivo ya que se trataba de una obra inconclusa.
En un principio, la directora de la Galería de los Uffizi defendió su postura explicando que la restauración era necesaria porque estaba dañada la madera sobre la cual la pintura estaba hecha. Sin embargo, después de una serie de pruebas científicas, la Galería de los Uffizi decidió abandonar los planes.

8 de enero de 2002

NUEVOS ESPACIOS
El arquitecto japonés Tadao Ando es el autor del proyecto seleccionado por la Fundación de Arte Contemporáneo François Pinault, para transformar una factoría de coches Renault en uno de los más importantes museos europeos.
La idea es revitalizar el suburbio parisino Boulogne-Billancourt de la misma manera que el Museo Guggenheim ha hecho con Bilbao.

Ando, galardonado con el premio Pritzker de Arquitectura en 1995, ha concebido el museo como «una nave espacial sobre el agua», según explicó el arquitecto en París al presentar la maqueta. Su edificio ocupa íntegramente los 32.000 metros cuadrados del terreno adquirido por Pinault a Renault, con una estructura de cristal de distintas graduaciones caracterizada por la horizontalidad, en la que se incorporarán jardines y patios.
«Lograr que los visitantes se sientan mejor al salir del museo que cuando entraron y poner de relieve las obras de arte» fueron las únicas consignas que Pinault dio al lanzar la consulta, en la que participaron otros cinco arquitectos de renombre.

Pinault quiere que las obras de su Fundación estén terminadas a finales de 2005 o principios de 2006; el museo albergará un millar de obras de arte de su colección particular formada por trabajos de Brancusi, Rothko, Pollock, fotografías de Cindy Sherman, videos de Bruce Nauman e instalaciones de los más importantes artistas británicos y americanos como Damien Hirst y Matthew Barney.