23 de diciembre de 2002

MECENAZGO
Llega al Instituto de Arte de Chicago la exposición "Los Medici, Miguel Angel y el tardio Renacimiento florentino" que se pudo ver este verano en el Palazzo Strozzi de Florencia; son doscientos objetos entre esculturas, pinturas, armaduras, medallas, porcelanas y tapicerías.
Obras de Miguel Angel y de la generación de artistas que trabajaron en Florencia bajo el amparo de los Medicis entre 1537 y 1631, como Giambologna, Cellini, Bronzino o Pontormo.

19 de diciembre de 2002

UN MUSEO EN EL AEROPUERTO
El "Rijksmuseum Amsterdam Schiphol", una iniciativa del Rijksmuseum de Amsterdam y del aeropuerto Schiphol de esta ciudad, es el primer museo que posee una delegación en un aeropuerto. Estará abierto al público todos los días de 7:00 a 20:00 hrs. y la entrada será gratuita.

Actualmente se expone una selección de diez obras realizadas por maestros de la Edad de Oro de la pintura holandesa, como Jacob van Ruisdael, Pieter de Hooch y Jan Steen. En el museo también se expondrá un Rembrandt, casi con toda seguridad un retrato de la esposa del artista, Saskia van Uylenburgh. Las obras pertenecen a la colección del Rijksmuseum.
Además de las obras de arte de los maestros holandeses de la Edad de Oro, el museo piensa organizar exposiciones temporales más pequeñas en colaboración con el Instituto Holandés para el Patrimonio Cultural. La primera de ellas, “Vidrio holandés de diseño desde 1920”, presentará vasos decorativos y jarrones ornamentales diseñados en los años veinte por famosos diseñadores y arquitectos holandeses y fabricados por Leerdam Glass Factory.

El Rijksmuseum Amsterdam Schiphol está formado por un espacio suspendido de color oro, con una superficie de 160 metros cuadrados que ha sido diseñado por el estudio de arquitectura Benthem Crouwel.
Una forma arquitectónica especial para un espacio especial: El Instituto Holandés para el Patrimonio Cultural hizo un completo estudio sobre los posibles efectos de las vibraciones, las condiciones climatológicas y la seguridad. El diseño del espacio dorado suspendido es el resultado de estos estudios, que han ayudado a los arquitectos a diseñar el mejor entorno posible para las obras de arte.

18 de diciembre de 2002

MIRANDO A LOS OJOS DE LA GENTE
Un recorrido por la colección permanente del Museo de Arte de San Diego: once miradas con mucho que contar.

17 de diciembre de 2002

+ GAUDÍ
A punto de terminar el Año Gaudí la exposición "Gaudí visto por la retina japonesa" (Casa Asia>Cultura>Agenda) examina las relaciones entre el Gaudí y Japón a partir de la obra de tres fotógrafos y los testimonios de varios profesionales japoneses que ofrecen una visión de la fascinación de los japoneses por el mundo de Gaudí, compleja y alejada de los tópicos.

El arquitecto Kenji Imai viajó a Barcelona en 1926, seis meses después de la muerte del arquitecto catalán, y realizó una serie de fotografías que transmiten una atmósfera de soledad e introspección; y ya en la actualidad dos fotógrafos dan su peculiar visión de las obras de Gaudí: Hisao Suzuki utilizando las técnicas de la fotografía digital para conseguir la máxima nitidez y realidad en unas imágenes espectaculares de la cripta Güell y Takushi Katafuchi tomando la obra de Gaudí como pieza central de un juego de evocaciones y sugerencias, que pone de relieve las analogías entre fotografía y arquitectura, naturaleza y artificio.

Además de las fotografías la exposición se completa con los comentarios de: Etsuro Sotoo, un escultor que lleva trabajando 24 años en la Sagrada Familia; otro escultor, Hidetoshi Nagasawa, discípulo de Imai y que se inspira en la naturaleza como Gaudí; un músico y artista, Kan Masuda; el grabador Hiroshi Kitamura; la escritora y traductora Masako Yamauchi; el fotógrafo Eikoh Hosoe; el arquitecto del Palau Sant Jordi, Arata Isozaki y tres estudiosos de reconocido prestigio, Hiroya Tanaka, Toshiaki Tange y Tokutoshi Torii, autor de "El mundo enigmático de Gaudí" (1983).

16 de diciembre de 2002

UN PASEO POR EL DESIERTO
Petra fue una ciudad oasis situada entre los precipicios de las montañas del desierto montañoso de Wadi Araba, al Sur de Jordania, casi a mitad de camino entre el Mar Muerto y el Golfo de Aqaba, que fue construída en piedra rosada y rojiza.
La tribu nómada de los nabateos se asentó en en área hace más de 2000 años y creó un imperio comercial que se extendió hasta Damasco e incluyó parte del desierto del Sinaí y del Negev; controlaban el tránsito de caravanas de la antigua Arabia hasta que en el 106 a.C. los romanos los anexaron al Imperio, es entonces cuando comienza el declive de Petra hasta su casi total abandono.
Inspirándose en el arte helenístico fueron "levantados" en la roca templos, tumbas, varias esculturas, obeliscos y un anfiteatro. El Templo de Dushara. (Qasr al-Bindt Firaun) es la única estructura que no está excavada en la roca
Para el mundo occidental fue descubierta en 1812 por el viajero suizo Johann Burckhardt quien llegó a las ruinas gracias a su guía beduino.

13 de diciembre de 2002

EL PUENTE COLGANTE MÁS LARGO DEL MUNDO
3.300 metros entre la isla (Sicilia) y la península (Italia)
Un puente colgante con un solo vano
60 metros de ancho
12 carriles para coches, camiones y trenes
Torres a 376 metros sobre el nivel del mar
Capacidad para soportar velocidades de viento de 216 km/h y terremotos de 7.1 en la escala Richter
4.600 millones de euros

Il Ponte dello Stretto (Puente del Estrecho)

La simulación digital del impacto paisajístico y medioambiental del puente, impresiona.

12 de diciembre de 2002

CON OTROS OJOS
En el Museo Nacional de Colombia la muestra "Ojos británicos", analiza la contribución que hicieron a la formación de la imagen visual en Colombia los exploradores, viajeros, comerciantes y pintores británicos, a través de cientos de pinturas sobre paisajes, tipos sociales y costumbres del país.
A partir de las biografías de los pintores británicos Joseph Brown, Edward W. Mark y Henry Price, con la muestra de sus objetos personales, documentos, autorretratos..., se analizan los trabajos artísticos que mostraron a los colombianos las primeras imágenes sobre sí mismos; las obras están divididas en varias categorias: tipos sociales, paisajes urbanos y rurales (dividida, a su vez, en Río Magdalena e iglesias), oficios y vida cotidiana (dividida en minas, entretenimiento y escenas religiosas).

11 de diciembre de 2002

A CONTRACORRIENTE
El Macba acoge hasta mediados de febrero una exposición retrospectiva del artista alemán Peter Heiterskamp (1943-1977), alias Blinky Palermo (apodo que le puso Joseph Beuys, tras su primera exposición individual en 1964, por su parecido con el mafioso manager del boxeador Sonny Liston).
Palermo en sus escasos 14 años de carrera exploró los límites de la pintura abstracta jugando con las posibilidades del color y experimentó con diversos materiales y formas, estudiando las relaciones entre la pared y el espacio delimitado por el cuadro.

Su inicio con la pintura clásica para pasar después a una fase de experimentación y dirigirse a un arte más simplificado influido por Piet Mondrian y De Stijl. Además de pinturas (sobre lienzo, sobre metal y tejidos), dibujos, grabados, pinturas-objeto y pinturas murales que realizó entre 1963 y 1977, la exposición reconstruye también la instalación que Palermo llevó a cabo para la Bienal de Venecia en 1976, "Los cuatro puntos cardinales", un espacio que permite captar su obsesión por sustituir la contemplación por la experiencia, y proyectar esta en el ámbito de la vida.

10 de diciembre de 2002

EN CASA
El Museo del Prado cuelga desde ayer el cuadro "La riña en el mesón del Gallo", de Francisco de Goya, adquirido por Caja Madrid por cuatro millones de euros (casi 700 millones de pesetas). La obra pertenecía anteriormente a la coleccionista suiza Schmideiny y, a su muerte, sus herederos la pusieron en venta.
"La riña en el mesón del Gallo", fechado en 1777, es un boceto del cartón para tapiz "La riña en la venta Nueva"; el único que se conserva de las series más tempranas de Goya. Se trata de una obra de gran importancia para el conocimiento de la técnica y el modo de hacer de Goya en el período temprano de su producción, puesto que no se conserva ningún otro boceto anterior a las series de 1784.

9 de diciembre de 2002

LA CENA
Conmemorando los logros conseguidos por las mujeres en la civilización occidental la artista Judy Chicago creó entre 1974 y 1979 "The Dinner Party", la exposición de arte feminista por excelencia, que ahora vuelve a ser expuesta en el Museo de Arte de Brooklyn.
Una mesa con 39 cubiertos, 13 a cada lado y una selección de homenajeadas que incluye a la reina Hatshepsut, la emperatriz Teodora de Bizancio, la reina Eleonor de Aquitania, Sojourner Truth (ex esclava convertida en predicadora religiosa y gran luchadora por la emancipación de los esclavos), la guía indígena Sacajawea, la sufragista Susan B. Anthony, la poetisa Emily Dickinson, la artista Georgia O'Keeffe y la escritora Virginia Woolf.

7 de diciembre de 2002

MÚSICA Y CUERPOS EN MOVIMIENTO
La muestra "Le corps en scène" en el Museo de la Música de París es una reflexión sobre la relación entre el cuerpo humano y la música; un recorrido por cuerpos instrumentales como los de Mauricio Kagel y Nam June Paik; cuerpos en movimiento desarrollando coreografías de Oscar Schlemmer y Laurie Anderson; cuerpos como protagonistas en los conciertos de David Bowie y Madonna; cuerpos eléctricos de la mano de Chris Cunningham y Stéphane Sednaoui y cuerpos emulando máquinas en el caso de Kraftwerk y Björk.

4 de diciembre de 2002

GEHRY SE ESTRENA EN VENECIA
La remodelación del aeropuerto ‘‘Marco Polo’’ de Venecia será la obra con la que Frank O. Gehry se estrene en Italia. Creará una nueva entrada (la puerta del agua), que comunicará el aeropuerto, a través de la laguna, con el centro histórico de la ciudad.
La nueva terminal tendrá tiendas, restaurantes, zonas de entretenimiento, un salón de congresos y un hotel de cinco estrellas con capacidad para 350 personas.
La puerta del agua tomará la forma de una gran carpa de madera revestida con sinuosas ondas de titanio y cobre, en homenaje a las pequeñas embarcaciones de vela que surcaban las aguas de los canales de Venecia.

2 de diciembre de 2002

ROMERO DE TORRES
En 1919 Julio Romero de Torres celebró su primera exposición individual en la Sala Majestic Hall de Bilbao, ahora una exposición en el Museo de Bellas Artes de la ciudad, nos ofrece una nueva visión de su obra, incluyendo piezas prácticamente desconocidas, y recupera el vínculo que Romero de Torres estableció con artistas e intelectuales vascos contemporáneos, como Unamuno, Ricardo Baroja, Valentín de Zubiaurre o Zuloaga.

Su estilo pictórico, mezcla de costumbrismo y simbolismo, es cada vez más valorado por la crítica; es algo más que el retratista de la mujer andaluza. En su obra hay influencia de la pintura italiana y de los prerrafaelistas ingleses, de la pintura española y del espíritu de entresiglos.

1 de diciembre de 2002

El AÑO VUILLARD
La galería Bellier de París, se adelanta a lo que va a ser el gran año de Edouard Vuillard y presenta unos cincuenta óleos y pasteles de este artista del cambio de siglo.
Coincidiendo con la próxima publicación del catálogo razonado de su obra, varios centros internacionales preparan una análisis renovado de la trayectoria de uno de los máximos representantes de los Nabis, que podrá verse en una gran retrospectiva de su obra que viajará por Washington, Montreal, París y Londres.

30 de octubre de 2002

UNO AL DÍA
Memorabilis se toma un paréntesis de cuatro semanas.
Para adictos al arte dejo este enlace a la exposición "Art Through the Ages: Masterpieces of Painting from Titian to Picasso".
Una obra al día y aún sobran.

29 de octubre de 2002

REBIENVENIDOS
Los chicos de Sic Placitum han vuelto. Más, más y más.
ESCULTURA
Thinking Big: 21St Century British Sculpture. Es una muestra que reúne obras de 80 artistas ingleses; una visión microcósmica de la escultura británica contemporánea a través de 85 trabajos a pequeña escala (maquetas) realizados por artistas nacidos en siete décadas diferentes del siglo pasado.

24 de octubre de 2002

JM
"Todo tiene su tiempo para ser creído"
Tu rostro mañana (Fiebre y lanza). Javier Marias.

23 de octubre de 2002

LOS DELAUNAY
Robert y Sonia en Madrid.

21 de octubre de 2002

MADAME
"Madame de Pompadour: Images of a Mistress", en la National Gallery es una muestra que incluye pintura y escultura de artistas como Boucher, Nattier, Vanloo, Drouais, y Falconet, y porcelanas y piezas de mobiliario que pertenecieron a la que fuera amante, durante 6 años, del rey Luis XV.
Jeanne Antoinette Poisson, marquesa de Pompadour (1721-1764) fue una gran coleccionista de obras de artistas contemporáneos y protectora de filósofos y escritores.
Sus temas preferidos: ella misma (retratada en lujosos espacios y rodeada de objetos simbólicos) y los niños (sus hijos murieron antes de cumplir los diez años).
Cuando su papel de amante del rey terminó y se convirtió en amiga-confidente del soberano, los temas pasaron a ser de carácter religioso.

+ Madame Pompadour

18 de octubre de 2002

DILUYENDO
Acuarelas.
REALIDAD Y SUEÑO
Paráfrasis sobre el descubrimiento de un guante. Max Klinger.

14 de octubre de 2002

BIBLIOTECA DE ALEJANDRIA
En dos días se reinaugurará la Biblioteca de Alejandria; será la segunda más grande del mundo después de la del Congreso de los Estados Unidos. Han sido 25 años de trabajo y 354 millones de dólares invertidos por la UNESCO, el Gobierno de Egipto y los Amigos de la Biblioteca Alejandrina; la nueva biblioteca tiene unos 60 mil metros cuadrados construidos (once pisos, cuatro bajo el nivel del mar), con espacio para 3.500 lectores y entre 4 y 8 millones de títulos, 50 mil mapas, 100 mil manuscritos, 200 mil CD-ROM y otros tantos de música y 50 mil videos, además de tener un centro de conferencias, un museo de las ciencias, un planetario y el Instituto de Caligrafía.

Algo parecido a la biblioteca original, creada en el 288 a.C., que contaba con 10 grandes espacios de investigación, jardines botánicos, zoológico, museo y observatorio; y que era una combinación de palacio, museo y santuario, presidido por el sacerdote de las Musas.

10 de octubre de 2002

RECREANDO ESCENAS
Iain Faulkner

9 de octubre de 2002

GRANDE
La nueva basílica de San Giovanni Rotondo, por Renzo Piano.
UNA NUEVA CASA
De China a Massachusetts.

7 de octubre de 2002

LA UNIÓN POR LOS LIBROS
Durante todo el mes de Agosto el periódico "La Vanguardia" publicó la sección el libro que les unió, varias parejas recomiendan uno/varios libros; libros que marcan, consejos de lectura, coincidencias, libros que unen, libros que separan...
Antes de que naufraguen los enlaces en el mar de los sargazos de Internet es altamente recomendable una visita (hacia atrás).

4 de octubre de 2002

EL PERFECTO DECORADO PARA KAFKA
"La ciudad de K: Franz Kafka y Praga" es una muestra compuesta por fotos, películas e instalaciones plásticas que explora las relaciones de la ciudad de Praga con la obra del escritor Franz Kafka, nacido en la capital checa a fines del siglo XIX.

La exposición "no es una muestra ordinaria de objetos de recuerdo de un escritor", dice el crítico del New York Times, Michael Frank. "Si bien los materiales habituales están presentes, desde manuscritos y textos personales, hasta fotografías y primeras ediciones, estos materiales han sido ordenados en doce ambientes kafkianos", ámbitos que incluyen secciones dedicadas a la familia del escritor y el medio ambiente de su niñez, su vida como burócrata, sus relaciones con el teatro, novias y planes matrimoniales siempre aplazados. En una sección dedicada a las actividades del llamado Círculo de Praga, un grupo de escritores e intelectuales, al cual perteneció Kafka, se exhiben publicaciones de los integrantes de esta sociedad. En las secciones finales aparecen instalaciones dedicadas a sus obras El Castillo, El Proceso, La Madriguera y En la colonia penal.

2 de octubre de 2002

LO ÚLTIMO DE...
...Thomson & Craighead en Mobil Home Gallery.
Y siempre, Triggerhappy, luchando en contra de frases sobre el arte y el concepto de autoría.

30 de septiembre de 2002

IDEARIO
"La arquitectura sólo se considera completa con la intervención del ser humano que la experimenta. En otras palabras, el espacio arquitectónico sólo cobra vida en correspondencia con la presencia humana que lo percibe. En nuestra cultura contemporánea, en la que todos estamos sometidos a una intensa estimulación exterior, en especial por el medio electrónico, resulta crucial el papel del espacio arquitectónico como refugio del espíritu. Aquí, de nuevo, lo más importante son la imaginación y el elemento de ficción que contiene la arquitectura, más que lo sustantivo de ella. Sin adentrarnos en el ambiguo reino del espíritu humano -felicidad, cariño, tranquilidad, tensión-, la arquitectura no puede alcanzar ese contenido de ficción que pretende. Y éste es el reino auténticamente propio de la arquitectura, aunque sea imposible formularlo. Sólo después de contemplar ambos mundos, el actual y el de ficción, puede existir la arquitectura como expresión y elevarse al reino del arte"

Tadao Ando

25 de septiembre de 2002

INNOVACIÓN
A la hora de diseñar la sede del grupo ING en Amsterdam la idea era crear "un edificio duradero y de alta calidad, física y arquitectónicamente, que proyecte apertura y accesibilidad, sinónimo de la integridad del usuario, que proyecte una actitud positiva hacia el futuro, que funcione como emblema y como hito, acorde con el medio ambiente, y que tenga armonía entre contexto-programa-composición-detalle"
El estudio de los arquitectos holandeses Roberto Meyer y Jeroen Van Schooten se encontró con varios retos marcados por ING: las nuevas oficinas deberían tener un estándar de performance de energía más bajo que el indicado por el gobierno nacional y la estructura del edificio debía tener una expectativa de vida de cien años.

El resultado: un edificio que se apoya sobre pilotes para que de esa manera los viajeros que van por la autopista puedan tener una vista del área detrás del edificio; un novedoso sistema interior de control del medio ambiente (es autosuficiente en cuanto a provisión de energía); alternancia de espacios abiertos y cerrados; áreas con vistas panorámicas, como el restaurante, el gran salón de conferencias y el auditorio, coexisten con espacios introvertidos. Atrios, loggias y jardines, ambos internos y externos, están distribuidos a través del edificio en varios niveles.


24 de septiembre de 2002

22 de septiembre de 2002

LAS GAVIOTAS

Todas las tardes
se reunen las gaviotas
frente a la estación del tren:
Allí repasan sus amores.

En su libro de memorias
dos flores de sándalo:
una señala la página de los puentes,
otra la de los suicidas.

Y también guardan una fotografía
del mendigo que, hace tiempo, transportaba
los despojos del mercado.

Pero su pequeño corazón
-que es el de los equilibristas-
por nada suspira tanto
como por esa lluvia tonta
que casi siempre trae el viento,
que casi siempre trae el sol.

Por nada suspira tanto
como por el inacabable
(cabalé, cabalá),
continuo mudar
del cielo y de los días.

Bernardo Atxaga

17 de septiembre de 2002

ESPACIOS PARA LA CREACIÓN
El programa artístico IDENSITAT convoca proyectos, promueve intervenciones y propone debates, en el ámbito de la creación vinculada al espacio público.
Se presenta ahora la primera fase de los proyectos, que consiste en el trabajo de campo que se realizó entre Calaf y Barcelona el septiembre de 2001, con el objetivo de facilitar la comunicación entre los participantes y grupos que forman parte de los procesos
sociales que inciden en la propia ciudad.

Algunos de los proyectos más interesantes:

Proyecto Molino de Calaf: energia limpia y uranio.
Proyecto Laberinto: la voz de los inmigrantes.
Love Story: una reflexión sobre el amor.

14 de septiembre de 2002

NO ENTIENDO NADA
¿Es esto degradar la imagen de la mujer? ¿Qué tiene que ver con la tradición talibán? ¿Y con el maltrato a las mujeres? ¿Es tan ofensivo escuchar un orgasmo de fondo?
No entiendo nada.
Creo que en una pasarela se ven cosas mucho más "ofensivas" para la imagen de la mujer que este homenaje a Magritte; parecidas a las que se pueden encontrar en una revista de moda o en los escaparates de cualquier zona comercial.
A mi me parece ofensivo el precio de los artículos de moda y los dictados de cuatro diseñadores, estilistas y periodistas y los consejos para obtener la imagen perfecta y el look total.
Eso si me ofende.
Todo eso si que es para levantarse e irse.
Seguramente él tampoco lo entenderia.
René Magritte fotografiado por Bill Brandt.


11 de septiembre de 2002

TODO LUCIAN FREUD
La Tate presenta la mayor exposición retrospectiva de la obra de Lucian Freud, un recorrido por seis décadas de trabajo.

"Pinto a personas no por lo que parecen o a pesar de lo que parecen, sino por lo que son".

"Todo es autobiográfico y todo es un retrato, incluso si se trata de una silla".

"No uso modelos profesionales porque están tan acostumbrados a ser mirados que les ha crecido otra piel y cuando se quitan la ropa no quedan desnudos: su piel se ha convertido en otra forma de vestido".

10 de septiembre de 2002

LA CATEDRAL DEL DESIERTO
La exposición "Faras, la catedral del desierto. Frescos cristianos de Nubia" está formada por fotos tomadas durante las excavaciones por el equipo de arqueólogos dirigido por Kazimierz Michalowski.
Faras es una catedral nubia de la temprana época cristiana que fue salvada por la UNESCO de ser anegada bajo las aguas de la presa de Asuan.

4 de septiembre de 2002

MAESTROS CONTEMPORANEOS
Jasper Johns to Jeff Koons: Four Decades of Art from The Broad Collection
Desde 1984 los Broad han ido reuniendo una de las colecciones más importantes del arte de la postguerra de los Estados Unidos,
la Fundación Broad nació con la idea de fomentar el arte perteneciente al último tercio del siglo XX.
Esta muestra reune trabajos realizados por diecisiete artistas americanos y alemanes entre los años sesenta y los años finales del siglo XX; pinturas, esculturas y fotografías que abarcan el neo dada, el pop art americano, la pintura estadounidense de los años 1980, el neo expresionismo alemán y el arte actual de Los Ángeles.

2 de septiembre de 2002

A GRAN ESCALA
En el Met, las esculturas más recientes realizadas por Claes Olderburg y Goosje van Bruggen, cuatro obras a gran escala realizadas en metal y fibra de vidrio en 1999, pero que no habían sido expuestas anteriormente en Manhattan.
Estos trabajos escultóricos están basados en objetos de la vida cotidiana que los artistas han transformado, dándoles identidades y funciones nuevas.

29 de agosto de 2002

LA MAGIA DEL VIDRIO
En "Vidrio Español del Museo de Artes Decorativas de Praga".
El Centro Nacional del Vidrio, el Museo de Artes Decorativas de Praga y el Dr. Pavel Stepanek organizan esta exposición que presenta un conjunto de piezas de vidrio, elaboradas en España, que fueron adquiridas hace más de un siglo por un grupo de coleccionistas y mecenas checos.
Resume las distintas producciones peninsulares en un periodo de tiempo que va desde el siglo XVI al siglo XIX.

Un buen motivo para hacer una visita a la Real Fábrica de Cristales de la Granja en Segovia, lugar mágico y altamente recomendable para los que necesitamos cada poco un flashback al siglo XIX.
FOTOGRAFIAS
En la Huis Marseille Foundation for Photography.
Georges Rousse, Montreal, 1997

24 de agosto de 2002

HOMENAJE A SERT
Quizás uno de los mejores discípulos españoles del maestro Le Corbusier fue José Luis Sert (sobrino del pintor José María Sert); con él comienza a trabajar en 1927 y mantendrán una estrecha relación personal/profesional hasta 1963.
Sert introdujo el racionalismo en la arquitectura española; fue fundador del GATCPAC (Grupo de Artistas y Técnicos Catalanes para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea). Obra suya son el Pabellón de España para la Exposición Universal de París de 1937, la fundación Maeght en Saint-Paul-de-Vence y la fundación Miró en Barcelona, así como el propio taller de Joan Miró en Mallorca.
Su evolución profesional está marcada por su exilio tras la Guerra Civil...en Estados Unidos emprende una exitosa carrera como urbanista (América del Sur era un campo inexplorado para desarrollar las teorías urbanísticas del movimiento moderno) y llega a ser nombrado decano de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Harvard.

Cuando ahora se cumplen cien años de su nacimiento algunos de sus amigos y colegas le rinden un homenaje en "El arquitecto dibuja", una muestra del arquitecto que dibuja, a medio camino entre el arte y la arquitectura; con representantes de la última generación formada en la disciplina del dibujo, anterior al práctico instrumento que representa el ordenador.
El discípulo se convierte en maestro.

22 de agosto de 2002

¿POR QUÉ ESCRIBE? (II)
"Porque nunca estoy completamente satisfecho con lo que he escrito, y me gustaría, de una forma u otra, corregirlo, completarlo, proponer otras soluciones. Por lo tanto, nunca ha habido una "primera vez". La necesidad de escribir siempre ha sido para mí lo mismo que borrar, sustituir algo de lo escrito por algo aún por escribir. Porque leyendo a X (un X antiguo o contemporáneo) he llegado a pensar: ¡Cómo me gustaría escribir como X! Es una lástima que se encuentre completamente por encima de mis posibilidades. Entonces, intento imaginar esa empresa imposible, pienso en el libro que no escribiré jamás, pero que me gustaría poder leer, poder colocar junto a otros libros amados. Algunas palabras, algunas frases acuden ya a mi mente. Olvido enseguida a X y a cualquier otro modelo. Es en ese libro en el que pienso, ese libro que no ha sido escrito por nadie y que podría ser mi libro.
Para aprender cosas que no sé. No me refiero con esto a lo que se revela como el arte de escribir, sino a lo demás: a cualquier clase de saber práctico o específico, o bien, a ese saber más general que se llama experiencia de la vida. Lo que me incita a escribir no es el deseo de enseñar a los demás lo que creo haber aprendido, sino más bien la amplitud de mi incompetencia. Mi primer impulso ¿sería, pues, escribir para fingir que me conozco? Pero incluso para fingir, es necesario reunir informaciones, conocimientos, observaciones: debo llegar a imaginarme la lenta acumulación de una experiencia. Y solo puedo hacerlo en la página escrita, trampa donde espero capturar algunos vestigios de los conocimientos, de los saberes que, en mi vida, no he hecho más que rozar." Italo Calvino.

17 de agosto de 2002

¿POR QUÉ ESCRIBE? (I)
"La pregunta por qué escribo es para mí una invitación a la mentira. La palabra "escritor" es ya ciertamente una traición.
Las confesiones de los escritores, lejos de proporcionar informaciones suplementarias, están casi siempre llenas de mentiras: una ocasión más para mostrarse ostensiblemente modesto, para añadir un detalle a un cenotafio, o para ocultar alguna secreta imperfección.
Las verdaderas razones para escribir deben permanecer en el misterio; también, si se me perdonan las mentiras (o las medias verdades), diré que escribo porque: Siempre he sido un cuentista, y mis ficciones siempre han sido más importantes que el aburrimiento propio de lo cotidiano. A los siete años, celoso de un muchacho que había ido a Francia, señalé con el dedo sobre el atlas del colegio la palabra Mourmasnsk y dije: Ahí es donde nací.
Mentiroso, respondió él.
Me lancé entonces a un relato fantástico sobre nuestra huida a través de la frontera finlandesa: la nieve, los pinos, una puesta de sol, un trineo, los lobos, las alambradas, los disparos y las mujeres que nos acogieron al otro lado. En dónde había encontrado todos esos detalles, continúa siendo un misterio. La maestra dijo que yo era un "desequilibrado".
Porque a los treinta y dos años, sin un céntimo en el bolsillo, en paro, avergonzado de no haber "hecho nada", acepté un trabajo en un periódico y descubrí (como un muchacho que juega con un mecano) el placer de deslizar una historia en la columna de papel de un periódico.
Porque, una vez que has escrito un libro, el acto de escribir actúa como una droga, como cualquier droga, y porque si en ciertos momentos escribir crea una tensión insoportable, la depresión causada por el hecho de no escribir es mucho peor.
Porque la escritura, en definitiva, es la más libre de las ocupaciones: sólo se necesita un bolígrafo, papel y soledad.
Por último, porque yo me agarro a esta idea arcaica de que el Hombre, por definición, es un animal que cuenta historias, que esta facultad le salvó una vez, hace mucho tiempo, de la extinción y que es posible imaginar que ella puede ayudarlo en el impasse en el que se encuentra hoy." BRUCE CHATWIN

16 de agosto de 2002

MAS
Lo nuevo de Norman Foster.
FLORES
Celebrando la Floriade 2002 (una gigantesca muestra floral que se celebra cada diez años en Holanda) se presenta en el Museo Frans Hals una muestra de "Pintura floral española del Siglo de Oro". Obras de quince artistas que nunca antes se habían mostrado en público.

9 de agosto de 2002

UN POCO DE COLOR, POR FAVOR
El calendario dice que hoy es nueve de agosto pero parece nueve de noviembre; llueve ininterrumpidamente desde hace doce horas; salgo en tren de una ciudad gris para irme a otra aún más gris y me acompañan calle melancolia de Sabina y algunos poemas de románticos ingleses, y por el camino un paisaje ruinas industriales y campos segados.

Necesito color. Mucho color.

4 de agosto de 2002

NUEVA DIMENSIÓN
Una vez más se adelantan al resto....Tate In Space.

1 de agosto de 2002

PAISAJISTA
La Fundación Marcelino Botín inaugura en Santander una exposición dedicada al gran maestro del paisaje español de siglo XIX Carlos de Haes (1826-1898), pintor de origen belga que revolucionó por completo la visión de este género en el panorama artístico español de la segunda mitad del siglo XIX, transformando la sugestión fantástica del paisaje romántico en una interpretación sincera y directa de la naturaleza, formando además a una enorme cantidad de discípulos que marcaron en buena medida el desarrollo del paisaje en las últimas décadas de esa centuria.

La exposición se enmarca dentro de la línea de actuación emprendida desde hace años por la fundación en la recuperación de artistas del siglo XIX de renombre nacional especialmente vinculados con Cantabria, región en la que Haes desarrolló una parte muy significativa de su producción, centrada fundamentalmente en sus paisajes de los Picos de Europa.

La muestra, constituida por alrededor de 75 óleos, pretende ser el reconocimiento definitivo a esta figura capital de la pintura española del siglo antepasado y reunirá por vez primera las grandes obras de composición del pintor; esto es, los espectaculares paisajes de gran formato elaborados en su taller a partir de estudios del natural con destino a las exposiciones públicas o a decoraciones de las residencias burguesas, con los que labró su reputación y a merecida fama que cosechó en el ambiente artístico de su tiempo, encabezados por su obra cumbre: "La Canal de Mancorbo en los Picos de Europa", perteneciente al Museo del Prado y cuadro emblemático de todo el paisaje español del siglo XIX.

Junto a ellos se mostrará también una antología de sus mejores apuntes de paisaje de pequeño formato, captados instantáneamente del natural en los múltiples viajes y paseos que realizó el pintor por España y Europa, y que son reflejo de las nuevas enseñanzas en la pintura de paisaje introducidas por Carlos de Haes desde su cátedra en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.
DIBUJOS
Bajo el título Jacques Lipchitz. Dibujos, el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) inaugura una muestra que profundiza en la obra de este autor. Jacques Lipchitz (1891- 1973) nació en Druskieniki, Lituania. En 1909 se trasladó a París, donde asistió a clases de escultura en piedra y anatomía en la École de Beaux-Arts. Estudió también en la Académie Julian y en la Académie Colarossi en la que practicó con gran interés el dibujo, sobre el que constituyó una de las piedras angulares de su formación artística.
Su interés por la historia del arte, especialmente por el arte del antiguo Egipto, el arte griego arcaico y el gótico, ejerció una duradera influencia en su futura evolución, ampliando la formación recibida en sus iniciales estudios académicos. Conoció en 1913 a Max Jacob y a Modigliani, cuya amistad contribuyó a su relación con los círculos artísticos de la capital francesa. En 1914 viajó con Diego Rivera a Mallorca, y luego a Madrid, donde la contemplación en el Museo del Prado de las obras de Tintoretto, Goya, El Bosco y El Greco, especialmente, produjeron en él la impresión de una revelación.
A través de Diego Rivera conocería a Picasso y frecuentaría a los artistas del círculo cubista.

En 1915 inició un denso periodo creativo que se prolonga hasta finales de la década de los 20, en el que produjo sus primeras piezas en un "cubismo orgánico", caracterizadas por la frontalidad y la ausencia de figuración, por una eficaz utilización de la forma abierta y un contrapunto rítmico entre los planos limpiamente definidos y las superficies curvas, que complementa con las que él mismo denominó "figuras desmontables". En 1918 colaboró estrechamente con Juan Gris. A la par que experimenta por primera y única vez con el color, concibe el concepto de espacio negativo en escultura. En 1920 la Galerie de l'Effort Moderne organizó su primera exposición individual, en un momento en que comenzaba a poner de manifiesto cierta tendencia hacia la monumentalidad.

En 1930 presentó una gran retrospectiva en la parisina Galerie de la Renaissance, que precedió a un largo periodo de creación caracterizado por una fuerte connotación emocional, reflejada en contenidos que derivarán hacia temas y motivos de índole religiosa y mitológica, ecos de la situación política que se extendía por Europa y que le llevaron a los Estados Unidos en 1941. En este país desarrolló la faceta pública y monumental de su escultura, especialmente en la década de los 60, en la que su prestigio se vio sólidamente consolidado después de su participación en la XXVI Bienal de Venecia.

Lipchitz se mantuvo siempre al día de las tendencias formales en la expresión escultórica, tomando a veces iniciativa en la experimentación y la innovación.
Exploró hasta el fondo el simbolismo emocional de la forma escultórica y nunca persiguió la abstracción por sí misma, sino que permaneció afianzado a la gran tradición que consideraba el arte como expresión simbólica de experiencias humanas fundamentales, y de las inquietudes psicológicas más profundas que sólo pueden expresarse con el lenguaje de la metáfora.

Para Jacques Lipchitz, el dibujo se mantuvo como un elemento natural e integrado dentro del abanico de herramientas de expresión que utilizó a lo largo de toda su carrera. Como escultor, Lipchitz dibujó tanto antes como después de realizar el conjunto de su obra escultórica. Para él, el dibujo era un potencial punto de partida de la escultura, o la exploración de variaciones de temas y formas ya creadas en tres dimensiones. En sus dibujos puede apreciarse mejor su proceso de autorrealización al darse cuenta de su experiencia y luchar para integrar la idea surgida con la forma.

Esta exposición permite apreciar el estilo de su dibujo, desde los más tempranos ejemplos conservados, como algunos bosquejos de sus cuadernos de París, hasta las elaboradas litografías realizadas hacia el final de su vida -en las que trabajó en colaboración con expertos artesanos del estudio florentino "Il Bisonte".
Evidencia hasta qué punto el dibujo desempeñó un sofisticado papel en la evolución de su plástica. El estilo de su dibujo fue tan fluido y cambiante como lo fueron sus técnicas de modelado, y no menos experimental. Sería exacto decir que sus dibujos se encuentran en la vanguardia más rompedora de su curiosidad artística.

25 de julio de 2002

RETRATISTA
Con una exposición dedicada a Gisèle Freund (Berlín, 1908-París, 2000), el Centro de Cultura Contemporanea de Barcelona (CCCB presenta la primera monográfica en España de esta fotógrafa, retratista, pionera de la fotografía en color y reconocida también por sus aportaciones a la teoría de la fotografía.

Los visitantes de la exposición "Gisèle Freund. El mundo y mi cámara" pueden descubrir, a modo de viaje por las ciudades que han marcado la vida de la artista, toda una galería de celebridades retratadas por Freund; influyentes personalidades de la vida cultural, artística, literaria y también política, que tuvo la oportunidad de tratar y conocer en profundidad y que configuraron uno de los periodos más estimulantes y fructíferos del siglo XX: James Joyce, Walter Benjamin, Virginia Woolf, Evita Perón, Jorge Luis Borges, Victoria Ocampo, Frida Kahlo, Diego Rivera, Marcel Duchamp, Man Ray, Simone de Beauvoir, Henry Matisse, Julio Cortázar... Estas imágenes, que el tiempo convertiría en iconos, contienen una historia, una relación humana, un procedimiento para capturar el rostro. Gisèle Freund fue su maestra y teórica: "Habitamos un rostro que no vemos".

Dividida en cinco apartados, la muestra realiza un recorrido por medio siglo de vida profesional de Gisèle Freund a través de unas 150 fotografías. El itinerario nos revela la evolución de su percepción visual, influida por los nuevos amigos, los distintos ambientes y culturas, la luz y los colores, y la precisión y sensibilidad de su cámara a la hora de captar la atmósfera de los lugares, los acontecimientos más relevantes y los protagonistas del momento en todos los campos.

El retrato ha sido, sin duda, uno de los campos en los que mejor se ha expresado Gisèle Freund. La fotógrafa utiliza la cámara no sólo para reproducir la realidad, sino también para captar la personalidad del retratado y para narrarnos su historia. Para conseguir introducirnos en el mundo personal del retratado, Freund elabora un estilo propio, que integra en la toma fotográfica una cierta escenografía, el decorado de la habitación o del lugar, haciendo hincapié en los objetos personales, en las ropas y los fetiches que configuran el entorno y la vida del personaje. Por ello, resulta cuando menos interesante exponer un importante número de imágenes de las sesiones fotográficas con los protagonistas de sus retratos, que permiten comprender mejor la forma de trabajar de Freund.

Gisèle Freund era hija de una familia de la alta burguesía judía alemana. Realizó estudios de sociología en el Instituto de Investigación Social de Francfurt (con Adorno y Manheim), donde frecuentó los grupos estudiantiles de izquierdas y se implicó políticamente contra el nacionalsocialismo, hecho que la obligó a huir de Alemania y refugiarse en París. En Francia empezó a trabajar como fotógrafa para las revistas Vu, Life o Weekly Illustrated. En 1935, con la serie de fotografías de André Malraux, inició una colección de retratos de personalidades del mundo cultural que completó a lo largo de los siguientes 50 años de su vida y que publicó en revistas como Time o Life. En 1936, presentó su tesis doctoral en la Sorbona: La Photographie en France au XIXème siècle. Con la ocupación paulatina de Francia por las tropas nazis, en 1942 Freund se exilió en Buenos Aires. Allí siguió trabajando como fotógrafa y como divulgadora de la cultura francesa en todo el continente americano.
Al terminar la guerra se instaló definitivamente en París, donde siguió ejerciendo de fotógrafa independiente y alcanzó el reconocimiento internacional.
Durante los siguientes años también se dedicó a escribir, y entre sus títulos destacan Le monde et ma camera (1970) o Photographie et societé (1974). Murió en París en el año 2000, a los 91 años.

18 de julio de 2002

L.A.
La antológica "Edward Ruscha: Made in Los Angeles" se inaugura en el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro; va a ofrecer un amplio panorama de todas las épocas, estilos, símbolos y temas que ha inmortalizado este creador, al mismo tiempo que da cuenta de la gran variedad de técnicas que ha utilizado, y que van de la pintura al cine.

A Ruscha se le ha vinculado tradicionalmente con la primera generación de artistas del movimiento pop, como Roy Lichtenstein, Jasper Johns y Andy Warhol, aunque supone en muchos aspectos un artista inclasificable, caracterizado por generar imágenes que impactan inmediatamente en la retina del espectador.
Formado en el expresionismo abstracto, siempre ha situado su referente, sin embargo, en la realidad, en forma de iconos o escenarios típicos de su ciudad adoptiva, Los Angeles, que aún hoy constituye su principal inspiración. El rápido y cambiante clima de la urbe californiana, su clima y su arquitectura característica, pasan a ser los motivos más recurrentes de su obra.

La industria del cine y el falso glamour de Hollywood; el negocio de la música; el tráfico de coches y las autopistas; o los nombres de las calles, constituyen las bases de las imágenes sobre las que Ruscha interviene, introduciendo pinceladas de ironía que modifican la visión objetiva de lo cotidiano, dando lugar a composiciones muy personales.

La muestra se divide en seis áreas temáticas, estando la primera de ellas dedicada a las estaciones de gasolina californianas, en cuya peculiaridad Ruscha incide en sus primeras piezas. La segunda sección se ocupa de la arquitectura y el clima característicos de Hollywood, mientras que el tercer apartado ironiza sobre el glamour y los símbolos típicos de la meca del cine. La cuarta parte exhibe libros, fotografías y pinturas de escenarios típicos de Los Angeles. Para finalizar, las secciones quinta y sexta muestran el empleo que Ruscha hace de las palabras en sus composiciones, ocupando un lugar central en muchas de ellas, tal y como se ve en las piezas creadas en relación con los nombres de las calles de Los Angeles.

9 de julio de 2002

CAMBIO DE PERCEPCIÓN
Durante este mes cambiará la percepción de algunos espacios de Barcelona; llega RedBall, un balón inflable de color rojo y de cuatro metros de diámetro, que se enfrentará a las arquitecturas múltiples de Barcelona durante una serie de instalaciones públicas y de carácter efímero cuya autoría se debe a Kurt Pershke.

Kurt Pershke, es un artista residente en Saint Louis, donde imparte clases de escultura en la Webster University, inició su "RedBall Project" en 2001, en San Luis, a través de Arts in Transit, un premiado programa de apoyo cultural gestionado por la Bi-State Development Agency.
Según las palabras del propio autor, ?concebida para ocupar un espacio donde realmente no cabe, RedBall actúa para puntualizar visualmente nuestra percepción del entorno. Lúdicamente sobredimensionado, capaz de expander y contraerse, RedBall cuestiona y purifica los ambientes que hemos construido para nuestro uso. Barcelona, como una de las grandes ciudades mundiales para la arquitectura, es el entorno ideal para RedBall?.

8 de julio de 2002

CASI MATISSE
Henri Manguin ( 1874-1949) fue compañero de estudios de Henri Matisse y Albert Marquet en la Escuela de Bellas Artes de París; participó con ellos en el Salón de Otoño de 1905, que fue la muestra que inspiraría a la crítica el término fauvismo, un estilo post-impresionista, que utiliza el color puro, brillante, aplicado directamente de los tubos de pintura de una manera agresiva para crear la sensación de una explosión sobre el lienzo. Fue el crítico de arte Louis Vauxcelles, quien, al salir de la sala donde se exponía también un pequeño busto italianizante del escultor Albert Marquet, exclamó: "Es Donatello entre las fieras". La famosa sala VII entraría en la historia como "la jaula de las fieras".

Estos pintores, a los que se sumarían Kees van Dongen con sus resplandecientes retratos y desnudos, Raoul Dufy, pintor de los ocios y de la fiesta en la costa normanda, Othon Friesz y Georges Braque, con sus brillantes paisajes de L'Estaque (Marsella), no tenían ninguna teoría ni habían elaborado un manifiesto para sustentar una breve aventura que duró de 1905 a 1907, pero tuvo prolongaciones y hasta concomitancias en toda Europa. Sólo los unía una voluntad común de liberación por el color, lo cual era, con todo, una forma de revolución.
DESCUBRIMIENTO
Un collar de amatistas (cuentas de amatista, dos piedras de ágata y, colgando, una esmeralda, una pieza de cornalina y una
bola de pasta vítrea;en una de las amatistas está grabado lo que parece ser la figura del dios Hermes, el mensajero de los dioses romanos) es la "joya" encontrada en lo que parece ser una necrópolis tardorromana en las excavaciones de s´Hort des Palmer (Ibiza); entre los hallazgos se cuentan también alrededor de 165 monedas en muy buen estado. La mayoría de ellas son de los siglos IV y V aunque también se han hallado algunos sestercios, anteriores a esta época.

Además de este pequeño "tesoro" se han descubierto cerca de 30 tumbas en lo que parece un recinto cerrado; habrá que esperar a las pruebas del ADN para establecer las relaciones entre los huesos encontrados en las diferentes tumbas. Algunas de ellas contenían hasta cuatro cuerpos, mientras que otras sólo uno.

1 de julio de 2002

LO ÚLTIMO
The Museum of Glass: International Center for Contemporary Art
CINE DE LA INDIA
La cultura visual del cine hindú en todo su esplendor, la exposición en el Museo Victoria y Alberto de Londres "Cinema India. The art of Bollywood", hace un repaso por los carteles y fotografías que decoraron los cines hindúes desde los años cincuenta hasta la actualidad.

Bollywood (por Bombay) es el centro de una industria fílmica muchimillonaria en presupuestos y en estrellas; se ruedan más de un centenar de películas al año (de unas tres horas de duración cada una), que tienen un seguimiento masivo. Las películas son de argumentos recurrentes: acción al estilo Jackie Chan, romances imposibles o siempre problemáticos enfrentamientos familiares.
Un mundo por descubrir.

26 de junio de 2002

INFLUENCIAS
Bajo el título "La sombra del genio", el Palacio Strozzi alberga una muestra dedicada a la influencia que Miguel Ángel ejerció sobre el arte italiano de finales del Renacimiento. Las 150 obras reunidas engloban trabajos realizados por el propio Buonarroti y distintos artistas florentinos entre 1537 y 1631.
Entre los artistas que recogieron el testigo del trabajo de Miguel Ángel están artistas de la talla de Vasari, Benvenuto Cellini, Giambologna, Giacomo Pontormo o Bronzino, que recuperan, a lo largo de las nueve secciones en que está dividida la exposición el escenario artístico en el que Miguel Angel desarrolló su arte.

Muchos de los artistas presentes en esta muestra desarrollaron su obra después de la muerte de Miguel Ángel, con lo que se demuestra cómo su figura pervivió durante mucho tiempo y ejerció una importante influencia sobre un determinado grupo de creadores. La exposición permite, además, la reconstrucción de una época de esplendor dentro del arte florentino.

22 de junio de 2002

CAMPAÑA
Como quien dice acaba de empezar la campaña veraniega en Atapuerca y ya han encontrando 3.000 registros fósiles, 700 de ellos de industria lítica, de hace unos 300.000 años de antigüedad. Llevan veinte días de trabajo en el yacimiento de la Gran Dolina en el
nivel TD-10 y esos son los magníficos resultados parciales; como poco, tendrán para más de cuatro años de trabajo en ese nivel.
Buenas noticias ahora que ya cuentan con un patrocinador muy celebrado.

20 de junio de 2002

LOS MEJORES AMIGOS
Gaudí compartió inquietudes estéticas y preocupaciones temáticas con un grupo de pintores y escultores, con algunos colaboró en prácticas artísticas; la Fundación Francisco Godia de Barcelona organiza la muestra "Pintores y escultores amigos de Gaudí" en la que se repasan algunas de estas relaciones de amistad.
Según el comisario de la exposición, la denominación de amigo debe entenderse, sin embargo, en un sentido amplio ya que "Gaudí tenía pocos amigos, vivía muy recluido"; el comisario ha analizado la biografía del arquitecto a la búsqueda de lazos que ayuden a comprender la relación del arquitecto con sus contemporáneos.

Uno de los principales atractivos de la exposición reside en que la mayoría de las obras pertenecen a colecciones privadas que han sido rastreadas para esta exposición. Entre las piezas más destacadas figura un retrato de Josep Marían Bocadella, impulsor del proyecto de la Sagrada Familia; junto a un retrato de Eusebi Güell, el mecenas más importante que tuvo Gaudí, realizado por Ricard Canals. Gaudí y Unamuno son los protagonistas de otro cuadro, pintado por Ricard Opisso, artista que trabajó como ayudante en la Sagrada Familia.
Se exhiben unas vidrieras realizadas por Torres-García, que trabajó con el arquitecto en la restauración de la catedral de Palma. La muestra recupera también el retablo de la capilla de la casa Batlló, realizado por el escultor Josep Llimona según un diseño de Gaudí.

Hay dos documentos curiosos en esta exposición: un texto de Dalí aparecido en la revista "Minotaure", de 1933, donde el pintor de Cadaqués elogia el trabajo del arquitecto, acompañado de fotos de Man Ray; y la proyección de un NoDo que recoge un acto reivindicativo de Gaudí celebrado en el Parque Güell.

Un repaso a todo Gaudí en imágenes aquí.

17 de junio de 2002

JUGUETES
Lo nuevo de Fernando Sánchez Castillo, Nihil Obstat, refleja elementos marginales de procesos históricos convulsos del siglo XX. El los describe como pequeñas historias de fracasos, de choques de obstinaciones idealistas y revolucionarias que se desarrollan en ambientes y estructuras que los conducen a ser vistos, desde nuestra perspectiva actual, como gestos poéticos que nacen con la certidumbre de su inutilidad. De ahí su proximidad con lo artístisco.

Sánchez Castillo es uno de los jóvenes artistas españoles con más proyección internacional; ha trabajado en Londres (fue seleccionado para la exposición "Abracadabra" de la Tate Gallery), en Los Angeles y en París (donde fue invitado en el 2000 por la Escuela de Bellas Artes para realizar diversos proyectos de investigación).

12 de junio de 2002

CUERPOS INCOMPLETOS, JARDINES INMORTALES
El Espai 292 de la galería Senda acoge desde ayer la primera exposición individual en España del artista Marc Quinn (Londres, 1964). Reconocido como un young british artist, este creador presenta en Barcelona una serie de esculturas y pinturas en las que expresa, como viene siendo habitual en su trayectoria artística, su preocupación por la mutabilidad del estado físico de los cuerpos. Todas sus piezas están relacionadas con el pasado, sus esculturas son casi siempre versiones actualizadas de formas clásicas: el busto, el torso, la estatua heroica. Los modelos de sus esculturas de mármol son personas que han nacido sin partes del cuerpo o las han perdido, una idea inspirada por las esculturas clásicas que también nos han llegado sin brazos ni piernas.

Son piezas que están esculpidas con mármol de Carrara por un equipo de artesanos, como hicieron generaciones de artistas desde Roma hasta Antonio Canova. Los sujetos representados se convierten en estatuas clásicas, auténticas bellezas, Venus de Milo contemporáneas que no tienen defecto alguno, acercándose más a un ideal platónico que cuestiona no el estándar de la belleza humana pero sí los valores y convenciones idealizados del arte. En esta muestra, Quinn presenta la conocida escultura de "Catherine Long", ganadora del premio más prestigioso de la Royal Academy, el "Wollaston Prize 2000", y una de las piezas centrales en su exposición de Tate Liverpool.

También se presentan algunos lienzos de la serie "Paisajes Italianos", basados en la extraordinaria obra producida en Italia para la Fundación Prada, "El Jardín": un inmenso jardín de flores reales, congeladas en vitrinas llenas de silicona líquida y que no pueden marchitar mientras la silicona permanezca en un punto de congelación.
Quinn paraliza cuerpos orgánicos en el momento en el que se hallan en plena madurez, justo antes de pudrirse; azucenas y otras flores exóticas quedan en un estado de suspensión criogénica, preservando así su eterno florecimiento, aunque biológicamente estén muertas.
Invita así al espectador a reflexionar sobre la mortalidad. Esta idea también queda reflejada en el uso de una técnica exclusiva de pigmentos permanentes, fabricados a base de minerales especiales que aseguran la preservación de las pinturas durante cientos de años.

Marc Quinn usa su cuerpo con frecuencia para crear mementos mori contemporáneos. Estos trabajos están representados en el actual montaje por autorretratos, como una frágil cadena de ADN; un molde de hielo de su cuerpo derritiéndose lentamente; y su última pieza "Lucas", un molde de la cabeza de su hijo recién nacido hecha con la placenta de su madre.

8 de junio de 2002

OTRO PARÉNTESIS
Creo que este es el tercer paréntesis que se va a tomar Memorabilis. Esta vez va a ser un paréntesis intermitente; no puedo seguir escribiendo casi todos los días... pero si que lo haré de vez en cuando, seguramente una vez a la semana.
Avisados quedan los habituales y los demás. Y perdonen las molestias.

7 de junio de 2002

LA XI
Okwui Enwezor, director artístico de la Documenta XI, que se inaugura mañana en la ciudad alemana de Kassel, se ha referido a esta cita como un certamen "que antepone la protesta a la estética". La vinculación con la realidad se erige así en motor de esta muestra, que se celebra cada cinco años y que en esta ocasión ha querido acercarse a los problemas y contradicciones del mundo actual.

Buena parte de las 450 obras que se presentan están guiadas por una voluntad de hacer frente a los retos de la sociedad actual. Pintura, escultura, arquitecturas, fotografía o instalaciones se ponen al servicio de la reivindicación de la ética en el arte, a través del reflejo de historias que muestran la cara menos agradable de la vida. La tragedia de la inmigración, las guerras o los fanatismos son las notas dominantes de las obras de una Documenta con mayor presencia de artistas procedentes de "terceros países" que nunca. La selección de Documenta incluye artistas de diversas generaciones, desde clásicos como Louise Bourgeois a artistas más jóvenes como David Goldblatt. España está representada por el fallecido escultor Juan Muñoz y por el director de cine Pere Portabella.

4 de junio de 2002

GAUDÍ
La exposición "Universo Gaudí", que acoge el CCCB, surge con la pretensión de abordar la figura de Gaudí desde un nuevo punto de vista, considerándole como un artista conectado con las corrientes de su época en lugar de como un creador aislado.
La muestra investiga también las huellas dejadas por el arquitecto en la obra de artistas de generaciones posrteriores.

La exposición tiene como objetivo "poner la carne y la sangre en el esqueleto", la parte más conocida de la obra del arquitecto, según afirmó Juan José Lahuerta, comisario de la muestra. Más de 400 piezas prestadas por diversas instituciones y colecciones internacionales conforman este ambicioso recorrido por la obra de Gaudí y sus conexiones.
La muestra está estructurada en tres ámbitos que, al reunirse, dan la clave para entender de manera completa el universo de Gaudí.

La primera de las secciones lleva por título "Las cosas vistas", y en ella se contempla el periodo de formación de Gaudí y el proceso de gestación de sus primeras obras importantes. Para ilustrar este apartado, se ha recuperado la casi totalidad de sus dibujos de estudiante, otros dibujos hechos para arquitectos como Joan Martorell o Francesc de Paula del Villar, así como algunos de los libros con láminas que Gaudí consultó en la biblioteca de la Escuela de Arquitectura.
Esta fase muestra la relación de Gaudí con algunas de las corrientes estéticas de finales del siglo XIX, el gusto por el rococó y los estilos del siglo XVIII. También son influencias importantes los prerafaelitas, el movimiento de Arts&Crafts o las grandes obras de arquitectura monumental de la época.

La reconstrucción virtual del taller de Gaudí es el motivo central de la segunda de las secciones. La recreación del lugar de trabajo del arquitecto catalán, situado debajo mismo de la Sagrada Familia y destruido en el inicio de la Guerra Civil española, se ha hecho a partir de fotografías originales. Dibujos, yesos, fotografías de Rodin y pinturas de artistas como Mir o Picasso acompañan a los yesos, maquetas, esbozos y fotografías de Gaudí. Esta sección permite acercarse al modo de trabajar de Gaudí y las técnicas que empleaba.

El tercer apartado, titulado "La Fortuna", se ocupa de la recepción internacional y el impacto de la obra de Gaudí en artistas pertenecientes a distintos movimientos como el expresionismo, el surrealismo o el racionalismo. Se presentan tres dibujos y un óleo de Salvador Dalí, fotografías de Man Ray y Dora Maar o dibujos de Le Corbusier. El recorrido se cierra con la obra "Tríptico", de Antoni Tàpies, en la que aparece la Sagrada Familia.

3 de junio de 2002

FICCIÓN MUY REAL
El nuevo número de la revista EXIT ya está en la calle, con un monográfico titulado Arquitecturas ficticias y que se refiere a esos otros paisajes, arquitecturas, edificios, que existen sobre el papel.

"La arquitectura se ha convertido en un género fotográfico. Un paisaje moderno visto a través de los lenguajes artísticos más contemporáneos: la fotografía y el cine. Porque más allá de la realidad de nuestras ciudades, el artista actual transforma el paisaje de la ciudad, reconvierte la arquitectura en algo diferente e improbable. La arquitectura hoy ya no es solamente cosa de arquitectos, la mirada del fotógrafo recrea, subvierte y transforma lo posible en increíble, lo real en ficticio."

Fotografías de James Casbere y Georges Rousse; un texto sobre Georges Rousse, con sus intervenciones directas, pictóricas y cromáticas, en arquitecturas y espacios reales, con una obra de gran atracción visual y un ejercicio plástico y de proyección digno de un arquitecto fantástico; y una entrevista a James Casebere, que presenta sus misteriosas construcciones y escenografías, maquetas de panópticos y de subterráneos inundados, fotografiadas con la luz y la escala de una mirada que encuadra como un ojo de vigilancia.

31 de mayo de 2002

¡COMO ESTÁ EL SERVICIO!
El Museo de Artes Decorativas de Barcelona presenta la exposición “¡A su servicio! Del mayordomo al servidor virtual” ; un montaje expositivo que pretende ofrecer un multirretrato sobre el fenómeno del servicio, empezando por el histórico servicio doméstico y pasando por los sirvientes automatizados en forma de electrodomésticos y la robotización de la casa, para llegar a las empresas de servicio las 24 horas, la mensajería con entrega a domicilio, las teletiendas o la compra on-line, que permiten adquirir cualquier cosa sin salir de casa, vía teléfono o por Internet.

El comisario de la exposición, Uli Marchsteiner, afirma en relación al principio inspirador de esta muestra que “si hay que fiarse de las encuestas, serán las profesiones y las empresas de servicios las que tendrán un incremento superior en el futuro próximo. Interesa saber, por tanto, cómo se define la idea de servicio y de qué manera se puede diseñar una cosa que no es un producto físicamente palpable, sino un conjunto de medidas organizativas que prometen mejorar y simplificar nuestras vidas”.

29 de mayo de 2002

LO NUEVO DE LOS MÁS JÓVENES
En Frankfurt comenzó la semana pasada la Manifesta 4, bienal en la que participan más de 80 artistas de toda Europa, en su inmensa mayoría "jóvenes", "poco conocidos" y "conectados con una realidad diversa".

Los artistas españoles invitados son: Daniel García Andújar, que ha diseñado el espacio de presentaciones y una página web de la muestra; Ibon Aranberri, con un pabellón propio a orillas del Meno en el que el visitante se encuentra con una reproducción virtual del Guernica; Bleda y Rosa, fotógrafos con una serie sobre el paisaje y la memoria, basada en ciudades arqueológicas; Jon Mikel Euba, con un vídeo que, sutilmente, gira sobre una de sus obsesiones, la violencia; y Alonso Gil, con otro vídeo, que reflexiona sobre la relación entre los que dan y reciben limosna en las calles de Sevilla.

27 de mayo de 2002

COLECCION
En este momento sin tiempo, una mirada atrás.

23 de mayo de 2002

LA MUSA DE MONTPARNASSE
Alice Prin, de nombre artístico Kiki de Montparnasse, fue la reina de ese barrio parisino en el que se daban cita artistas y soñadores de medio mundo en los felices años 20. Kiki fue la musa inspiradora de los surrealistas, amante y modelo de Man Ray; amiga de Hemingway, Kisling, Foujita, Derain o Cocteau; se ganaba la vida como cantante en locales nocturnos de París.
En palabras de Ernest Hemingway:"Era maravillosa de ver. Siendo su rostro naturalmente bonito, ella lo había convertido en una obra de arte. Tenía un cuerpo prodigiosamente hermoso y una voz agradable,...y por cierto, ella dominó esa era de Montparnasse más de lo que la reina Victoria jamás dominó la era victoriana".

Llegó a París, procedente del sur de Francia, con catorce años, a la rue de Mouffetard; vivió en el Barrio Latino y allí mismo murió a los cincuenta y tres años, cuando ya su belleza hacia tiempo que se había eclipsado a causa del alcohol y las drogas. Su entierro fue pagado por una generosa colecta que se hizo en el barrio; asistió todo París. Dijo, Foujita, que aquel día se enterraron para siempre los gloriosos días de Montparnasse. La reina había muerto.

En la Galería Zabriskie de N.Y. han reunido las obras que Kiki inspiró y también las obras que ella creó, óleos con un toque naïf y temas costumbristas.

22 de mayo de 2002

BARCELÓ EN SILOS
La exposición "Miquel Barceló en Silos", reúne pintura y cerámica de este artista en el Monasterio de Santo Domingo de Silos, escenario escogido para que la espiritualidad artística del creador mallorquín dialogue y se funda con el del espacio que la acoge.
Son 12 cerámicas y tres óleos seleccionados, entre lo más reciente de la producción del artista, por el subdirector del Museo Reina Sofía.

Los tres cuadros son reflejo de las características que priman en las últimas obras del artista, en las que coloca los lienzos en el techo para pintarlos, produciendo así el fenómeno de estalactitas de pintura que se acumulan como si se tratara del paso del tiempo. Una forma de trabajar calificada de "muy evidente", por Barceló, ya que "consiste en utilizar la ley de la gravedad y el funcionamiento de los materiales".
La temática de estas piezas sigue siendo la de las naturalezas muertas, con cebollas, ostras o granadas como protagonistas.

En el resto de las obras, las 12 cerámicas en arcilla, hay algunos de los bocetos de la intervención que Barceló plantea en la capilla de San Pedro de la catedral de Palma de Mallorca. "Aquí están algunas de las pruebas de lo que será ese trabajo, para el que me he centrado en el pasaje bíblico del milagro de los panes y los peces".
Para Barceló la cerámica es un arte mayor, cercano a la pintura y a la escultura: "Ahora me explico el interés de Picasso, Fontana o Miró por la cerámica; la arcilla recoge cada arañazo, cada caricia, como si fuera la piel de una persona, una piel cerámica que guarda cualquier contacto con el cuerpo y en cuya memoria quedan grabadas las huellas de los dedos, una tierra que guarda la memoria".

21 de mayo de 2002

GALLUS
Arqueólogos británicos presentaron hoy una monografía sobre el hallazgo, en 1981, del esqueleto de un joven travestido romano, encontrado en el norte de Inglaterra, que vivió en el siglo IV d.C y, que al parecer, se castró en honor de la diosa Cibeles.
Se cree que el esqueleto masculino, descubierto en las cercanías de Catterick, en el norte de Inglaterra, es el primero que se encuentra en un cementerio romano en Gran Bretaña vestido con ropas de mujer;entre los restos que le acompañaban se encontraron un collar, un brazalete, una pulsera y un adorno en el tobillo, así como dos piedras introducidas en la cavidad bucal.

El esqueleto probablemente corresponde al de un "gallus", un sacerdote que se castró en honor de la diosa Cibeles. Esta diosa, incorporada a la mitología romana en el siglo III antes de Cristo, era adorada en fiestas públicas y los aspirantes a su sacerdocio, los "galli", se castraban en el llamado "día de la sangre" en abril, para imitar a Atis, el amante de esa divinidad, que se convirtió en eunuco para expiar que le había sido infiel. Tras la castración, los sacerdotes de esta deidad se adornaban con joyería, vistosas ropas de mujer y turbantes o tiaras, además de portar intrincados peinados femeninos.

20 de mayo de 2002

KOUROS
La Escuela de Arqueología Alemana, que realiza sus excavaciones en Grecia desde el año 1913, estaba terminando un estudio exhaustivo de la zona cercana a la Puerta Sagrada situada en el Cerámico (cementerio ateniense utilizado desde el s.XII a.C. hasta la época romana, concretamente en la Vía Sacra por la que los peregrinos llegaban provenientes de Eleusis), cuando encontraron una magnífica escultura masculina.

Es un kouros, la representación de un joven atleta desnudo, probablemente vencedor en alguna importante competición, de 2,10 metros de altura, esculpida en mármol en la época arcaica, que se encontraba en bastante buen estado, ha sido atribuida al escultor Dipylon, también autor de una cabeza masculina que se conserva en el Museo Arqueológico Nacional, y que fue descubierta en 1916 a sólo 40 metros del actual hallazgo.

17 de mayo de 2002

LA MANO DERECHA DE GAUDI
El MNAC presenta, dentro del del año Gaudí 2002, una muestra que tiene como protagonista la obra de uno de los colaboradores más destacados de Antoni Gaudí: Josep Maria Jujol (1879-1949).

Fue una figura destacada de la arquitectura catalana de principios del siglo XX, desarrolló una obra modesta en encargos y limitada en número, pero dotada de un aire de modernidad que, más allá de su tiempo, ha servido de estímulo e inspiración a notables creadores del arte actual. En cada una de sus construcciones, el artista se revela no sólo como arquitecto, sino también como herrero, pintor, diseñador de muebles y de otros objetos, como luces, rejas o sagrarios, que transforma en creaciones insólitas y desconcertantes.

La exposición "Jujol, diseñador" reúne cerca de un centenar de piezas (la mayoría inéditas), procedentes de diferentes instituciones públicas, del patrimonio eclesiástico, de colecciones particulares y, muy especialmente, del archivo y de la familia Jujol. A través del recorrido expositivo, el visitante podrá contemplar sus primeras obras realizadas en colaboración con Gaudí, pero también, y sobre todo, su producción independiente, que incluye atrevidas creaciones de diseño para Pere Mañach (uno de sus mejores clientes), de las cuales hay que destacar la naturaleza humilde de los materiales utilizados (a menudo reciclados), la rica policromía (Gaudí admiraba el dominio del dibujo y del color de Jujol) y las connotaciones espirituales de sus objetos, sin dejar de lado otros aspectos que configuran su obra polifacética e inclasificable.

16 de mayo de 2002

GAME ON
En el Barbican Center de Londres la exposición Game on hace un repaso por la historia de los videojuegos, su desarrollo a lo largo de los últimos cuarenta años, la cultura que se ha creado a su alrededor, las motivaciones de sus creadores, un estudio pormenorizado de los mejores y una ocasión para jugar con casi todos.




15 de mayo de 2002

LA MADRE VENGADORA
Érase que se era un joven ladrón de obras de arte; y su madre, la guardiana del botín; dos protagonistas para una atípica historia de robos.
Stephan Breitwieser, el ladrón, cometía sus fechorías en museos, castillos, galerías de arte y anticuarios de Francia, Suiza, Holanda, Bélgica y Austria; movido por su cleptomanía, escogía cuidadosamente las obras elegidas, unas sesenta, entre sus preferidas de los siglos XVII y XVIII. Tras el robo llevaba la obra al apartamento de su madre, y pasaba a formar parte de su museo personal... y además acudia a la biblioteca y a librerias especializadas para informarse exhaustivamente sobre la obra.

En el pasado mes de noviembre, Stephan, mientras estaba con su novia, fue reconocido por un vigilante del museo de Lucerna; había cometido el error de volver a la escena del crimen, ya que el día antes había robado allí un instrumento musical del siglo XVII. El ladrón fue detenido, pero su novia pudo huir y avisar a la madre... esta se deshizo del botín de una manera un tanto drástica.
Enfadada tras la detención de su hijo, hizo trizas (literal) las obras de arte y las tiró a un canal... y, efectivamente, allí fueron encontrados los pedazos. Los pedazos de un Boucher, un Bruegel, un Watteau...









13 de mayo de 2002

RETRATISTA

Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)

Nació en Tournus, Saône-et-Loire, muy pronto demostró un talento fuera de lo común para el dibujo, lo que animó a su padre a enviarle al taller de un pintor de Lyon, Grandon, que le ejercitó más en la rapidez que en la perfección: el muchacho tenía que ejecutar un cuadro cada día imitando a los viejos maestros. Sus dotes y ambición le condujeron a París donde se hizo famoso en el Salón de 1755 con el cuadro "Padre explicando la Biblia a sus hijos", en el que exaltaba sentimentalmente las excelsas virtudes de los pobres. Ese mismo año, invitado por el jefe de una misión dilomática, viajó a Italia. Permaneció insensible ante las bellezas de la Antigüedad, pero se enfrascó en los ambientes populares de la época con un talante muy cercano a Rousseau, lo que le valió el caluroso aplauso del acerado Diderot.

En 1761 con un retrato hecho a su esposa dio comienzo a una larga galería de retratos femeninos que le harían muy popular entre aquellas damas parisinas que no frecuentaban la corte, donde reinaba el tan distinto Boucher.
Aupado en su éxito quiso penetrar en el santuario de la Academia mediante un cuadro histórico mal concebido y peor dibujado, "Los reproches de Septimio Severo a su hijo Caracalla", que fue rechazado, lo que le impidió ser admitido como pintor de historia, la máxima categoría, aunque fue aceptado como pintor costumbrista. Este rechazo irritó a Greuze, que nunca más volvió a presentarse a ninguna otra exposición oficial. Le bastaba atender a sus numerosos y adinerados clientes, que pagaban altas sumas por sus cuadros y retratos y a cuyos gustos se adaptó, no sabemos si con total sinceridad, pues, al parecer, las necesidades del mercado obligaron al artista a arrinconar una latente e intensa sensualidad.

La revolución arruinó al pintor. Sólo en tiempos de Napoleón recibió algunos encargos que aliviaron su miseria. Aun así, Greuze pudo sobrevivir a su fama: sus años duraron mas que su memoria. Murió a los ochenta años, abandonado y olvidado por amigos y enemigos. Sin embargo, los críticos han mantenido su recuerdo a causa de la importancia que llegó a tener en su época, pero casi siempre para denostarle y ponerlo como ejemplo de lo que el arte no es, ni ha de ser: moralizante y lacrimógeno.

9 de mayo de 2002

PODER FEMENINO
La exposición "Mujeres que gobernaron: Reinas, Diosas, Amazonas 1500-1650" es un repaso por la vida de algunas de las mujeres más poderosas e influyentes en los siglos XVI y XVII en Europa.
Un estudio de su representación en las obras de arte como madres, esposas, viudas, guerreras, negociadoras, seductoras... con protagonistas como la reina Isabel I de Inglaterra; Catalina de Medicis, María de Medicis y Ana de Austria, reinas de Francia; Cristina, reina de Suecia; Juana de Arco, las bíblicas Eva o Judith y las mitológicas Era o Afrodita.

8 de mayo de 2002

ARTE UTIL
Desde 1990 la artista Andrea Zittel viene creando sus Living Units (Unidades de vivienda), a medio camino entre habitáculo para la vida diaria y capricho de viajeros-caracoles que se llevan su vivienda-remolque en los desplazamientos.
Cuando Zittel se muda a un pequeño apartamento en Nueva York se encuentra con el problema de organizar ese espacio pequeño para vivir; es entonces cuando diseña todo un conjunto de muebles y accesorios para hacer de ese espacio algo útil y cómodo. La idea tuvo mucho éxito entre sus amigos y le comienzan a encargar muebles "personalizados". En estas unidades de vivienda trata de reunir en pocos metros cuadrados diversas áreas para comer, dormir, socializar y espacios para organizar las cosas.

El último proyecto de Andrea Zittel "A-Z Cellular Compartment Units" se presentará en la Galería Andrea Rosen de Nueva York a partir del 10 de mayo.

7 de mayo de 2002

EFESTO Y EL ARTE
Efesto, cojo y deforme, fue hijo de Zeus y de Era, esposo de Afrodita (diosa de la belleza). Era el dios griego del fuego. A él se dedica la exposición "Las artes de Efesto. Obras maestras en metal de la Magna Grecia".
Un recorrido a través del proceso creador de metales como el bronce, el oro y la plata entre los siglos VI y III-II a.C.; desde las fundaciones griegas en la costa italiana a partir de la segunda mitad del siglo VIII a.C. hasta la consolidación de la hegemonia romana en la Italia meridional al termino de la 2ª Guerra Púnica (205 a.C.). Los artesanos de todo el mundo griego, desde el mar Egeo al Mar Negro, fueron maestros en el trabajo con todos los metales conocidos.

Las producciones en bronce, plata y oro, las monedas y las técnicas de elaboración de los metales son las cinco secciones en que se divide la muestra; además de una introducción que trata de la iconografía de Efesto a través de retratos e imágenes suyas sobre vasos griegos.
La web de la exposición no está terminada del todo, pero merece una visita.


6 de mayo de 2002

ARQUITECTURA GOOGIE
Estados Unidos. Años 50-60. Moteles de carretera, restaurantes de comida rápida, boleras, cafeterías, cines...
Edificios con una nueva estética. Cristal, acero y neón. Estructuras que facilitan el acceso desde el coche, motivos decorativos que recrean tópicos norteamericanos, temas exóticos y de ciencia ficción. Piscinas con forma de ameba, jardines casi tropicales, inmensas cristaleras, cúpulas múltiples, espacios abiertos.
Eso es la arquitectura googie.
Me declaro adepta.

4 de mayo de 2002

VERMEER
Para fans de la obra de Vermeer este regalito.

3 de mayo de 2002

ANILLO
Esta obra creada por Isabel Flores pertenece a su proyecto "Islario. Periplo del mar inmenso", en el que esta artista sondea los límites físicos y conceptuales del objeto fotográfico.
Representa islas a través de siete objetos cilíndricos en los que la interacción del cuerpo y del paisaje dan lugar a metáforas espaciales basadas en el viaje como instrumento y vehículo del conocimiento.

Las obras se han realizado con la impresión de la imagen digital en gelatinobromuro de plata, que posteriormente es moldeado en forma circular. El efecto es, desde luego, espectacular.

2 de mayo de 2002

DESCUBRIMIENTO
Una navegación sin rumbo desde la web de Lomospain me lleva hasta lacasaenlaencina, donde están recreando el "juego" del Cadaver Exquisito con imágenes que aportan los participantes. El resto de los trabajos son igual de interesantes.
Descubro que uno de los colaboradores en este proyecto es Gorriti; si alguien no ha visto sus fotos aún, no sabe lo que se está perdiendo.

30 de abril de 2002

BATALLA POR LA RECUPERACION
La Batalla de Anghiari, pintura mural que Leonardo da Vinci dejó inacabada en una pared de la Sala del Gran Consejo en el Palacio Vecchio de Florencia, es uno de los grandes fantasmas del arte. Esta obra debía colocarse en la pared opuesta del salón donde se representaría la Batalla de Cascina, obra de Miguel Angel (de la que sólo hizo el boceto).
Leonardo comenzó sus trabajos en el año 1503 (pintando en el muro en 1504), pero dejó incompleta la obra en 1506 cuando se fue a Milán; después, la pared fue cubierta con los frescos de Giorgio Vasari, cuando el arquitecto, pintor y biógrafo, realiza diversas obras entre 1563 y 1565, para transformar esa sala en el actual Salón del Cinquecento, dotado de un ambiente fastuoso, digno del poder de los Medicis.

La investigación de la obra de Leonardo es un sueño que aflora periódicamente, y una pérdida a la cual no se resignan los estudiosos del arte; en la segunda mitad de los años setenta se realizaron exhaustivos estudios sin conseguir éxito alguno, pero desde Enero del 2001 se ha reemprendido la búsqueda de esta obra maestra de Leonardo. Una empresa florentina especializada en el análisis de obras de arte es quien se está encargando de los análisis. Los técnicos están reconstruyendo la historia arquitectónica del Palacio Vecchio empleando sofisticada tecnología; utilizando técnicas termográficas y radares se intenta localizar las huellas de la pintura de Leonardo debajo de los murales de Vasari.

29 de abril de 2002

MEXICO COLONIAL
La grandeza del México virreinal. Tesoros del Museo Franz Mayer es una muy completa muestra de arte colonial mexicano que se expone en el Museo de Arte de Houston; las obras que componen la exposición forman parte de la colección del Museo Franz Mayer.

Una colección que abarca cuatro siglos de producción artística en México (desde el siglo XVI hasta el XIX) formada por diversas piezas de escultura, platería, mobiliario, pintura, cerámica vidriada...
Esta exposición comprende tres secciones: la primera muestra el surgimiento del virreinato, la fusión entre España, Asia y las técnicas indígenas; la segunda aborda la suntuosidad del barroco mexicano en palacios, casonas y templos; y por último, se destaca la transformación de una época con la llegada del neoclásico a tierras mexicanas.

26 de abril de 2002

MONET
Claude Monet....up to Digital Impressionism. Claude Monet es la figura central de la exposición organizada por la Fundación Beyeler en torno a sus últimas obras y a la influencia de este artista en la pintura moderna de la postguerra. Una sección especial de la muestra se adentra en el siglo XXI, mostrando los logros conseguidos al conjugar la pintura impresionista con el vídeo contemporáneo y el arte producido por ordenador.

25 de abril de 2002

BAJO EL VOLCAN
Así restauran unos frescos de la Casa del Brazalete de Oro en Pompeya...es el momento ideal del proceso de restauración para alguien a quien le gusten los puzzles.
La web de Pompeya no tiene desperdicio.

Siguiendo en la misma zona, hoy se reabre al público la Casa de los Ciervos en Herculano, una de las mejores conservadas tras la erupción del Vesubio del 2 de agosto del año 79 d.C.; la casa toma el nombre de una estatua de mármol que representa a unos ciervos siendo atacados por perros.

24 de abril de 2002

NOVEDADES
Hace unos meses surgió la polémica debido a los planes que tenían en los Uffizi de restaurar la obra de Leonardo da Vinci "La Adoración de los Magos"; ya dijimos en su momento que gracias al dinero de un donante anónimo se tenía previsto realizar una restauración que muchos expertos consideraban "exagerada"; pues bien, al final la restauración no se llevó a cabo pero si que durante más de nueve meses la obra ha estado sometida a completos estudios (rayos x, infrarrojos, ultravioletas y fotografías digitales de alta resolución).
De ellos se ha deducido ahora que la obra fue pintada en su mayor parte por otros artistas, posteriormente a que Leonardo la comenzara; el color naranja oscuro que tiene la pintura es el resultado de un color añadido a posteriori.
"La adoración de los Magos" fue la primera gran obra de Leonardo; la comenzó cuando tenía veintinueve años, nunca la terminó; se la encargaron los monjes de San Donato de Scopeto hacia 1481 como pieza de altar; dejó la obra inacabada al marcharse a Milán para trabajar a las órdenes de Ludovico Sforza.

23 de abril de 2002

DEBILIDADES
Coppeliuss y yo estamos haciendo una interminable lista de exposiciones que nunca veremos...con esta, me apunto una más...
Y si, ya se que está de moda hablar de Coppeliuss, pero yo lo vi primero y doy fe de que tiene más talentos "artísticos" de los que muestra en su web.

12 obras de Caspar David Friedrich pertenecientes a la colección del Hermitage, junto con obras de otros pintores alemanes contemporáneos a Friedrich: Adolph von Menzel, Friedrich Johann Overbeck, Joseph Anton Koch y Leo von Klenze (arquitecto del nuevo Hermitage).

22 de abril de 2002

CELEBRACIONES
Según dice el siempre útil Google hoy se celebra el Día de la Tierra (y mañana, el día del Libro), personalmente veo bastante odiosos e inútiles este tipo de celebraciones y/o conmemoraciones. Que hoy todo el mundo caiga en la cuenta de que nos estamos cargando el planeta y que mañana se compren el obligatorio libro (A. Gala, como casi siempre, será el más vendido; hecho incomprensible para los que distinguimos entre literatura y basura) no pasa de ser eso, un recordatorio, cumple su función publicitaria y nada más.

Venga, si...no nos gusta mucho, pero también lo celebraremos por aquí, Turbulent Landscapes es un buen paseo.

19 de abril de 2002

DULCE DE ALGODÓN
Cuando lo dulce no lo es tanto.
LA PERSPECTIVA
"The Geometry of Seeing: Perspective and the Dawn of Virtual Space" es la más reciente exposición del Instituto Getty, un muy completo estudio sobre la ciencia de la perspectiva y sus aplicaciones. Libros, grabados, dibujos y pinturas que resumen cuatro siglos de estudio y de experimentación en muchos países europeos; las teorías de la perspectiva ideadas por Leon Battista Alberti, Brunelleschi, Paolo Uccello, Durero, Tommaso Laureti o Sebastiano Serlio, explicadas extensamente a través de gráficos.

17 de abril de 2002

LO MEJOR DE L´ORANGERIE
Caixaforum organiza su primera exposición temporal presentando algunas de las mejores obras del parisino Musée de l´Orangerie, que se encuentra actualmente en proceso de remodelación y cuya reapertura está prevista para inicios de 2004. La exposición, que aterriza en Barcelona tras haber visitado Japón, Canadá, Estados Unidos y Australia, reúne algunas de las piezas adquiridas por el coleccionista Paul Guillaume, figura de referencia en el coleccionismo francés de principios de siglo.

"De Renoir a Picasso. Obras Maestras del Musée de l´Orangerie", reúne un total de 81 pinturas realizadas por los nombres más importantes del impresionismo y las vanguardias. Es un testimonio del carácter visionario de Guillaume, que trató de aglutinar en su colección clasicismo y ruptura.
El recorrido se inicia con el cuadro "Argenteuil", vista portuaria realizada por Manet en 1875. La pintura impresionista continúa en salas dedicadas a artistas de la talla de Renoir, del que se exhiben 16 obras, y se acerca al postimpresionismo de la mano de Cézanne, representado por un total de 14 piezas, entre las que destaca "La barca y las bañistas", curiosa por su formato apaisado. La muestra incluye también obras de Rousseau, como "La boda" de 1908, o Matisse, del que se rescatan sus interiores de atrevidas perspectivas o sus series de odaliscas.
La última sala alberga obras de Chaim Sotine, autor de composiciones de un violento expresionismo, que se manifiesta tanto en el color como en las deformaciones que aparecen en sus pinturas. A la obra de Soutine se contrapone la de Picasso, representado por una serie de piezas pertenecientes a su época rosa, como "Los adolescentes", o a su etapa cubista, como en el caso de "Gran bodegón".

Paul Guillaume, como figura aglutinadora de este conjunto de obras maestras, es homenajeada en cuadros de Derain, que pinta también a la esposa del marchante, o en la obra "Paul Guillaume. Novo Pilota", realizada por Modigliani, del que se incluyen varias retratos en esta muestra. La lista de artistas sigue con Maurice Utrillo y Maurie Laurencin, también autora de un
"Retrato de la señora Guillaume".

16 de abril de 2002

EL ASTURIAS
Construido en los mismos astilleros, Harland & Wolff, que el Titanic (hundido tal día como ayer de 1911), el Asturias fue un barco de memorable trayectoria. Fue botado en 1925 por la Royal Mail Lines, durante más de treinta años se dedicó a hacer rutas transatlánticas; durante la 2ª Guerra Mundial soportó los torpedos de un submarino italiano y aún siguió navegando hasta 1957 que fue cuando lo enviaron al desguace. Fue entonces cuando también sirvió de plató para el rodaje de la película "A Night to Remember", cuyo argumento recreaba la tragedia del Titanic.

15 de abril de 2002

LAS VILLAS DE ANDREA PALLADIO
Giovanni Giaconi es el más famoso pintor de villas palladianas; diseñador de formación, ha trabajado en un estudio de arquitectura, especializándose después en la renovación de edificios históricos. Su básica y crucial influencia le llega a través de los trabajos de Ottavio Bertotti Scamozzi, un arquitecto de Vicenza de finales de XVIII, que reprodujo con tinta las fachadas de las casas venecianas, mostrando cierto interés hacia una representación realista. Tales trabajos dieron a Giaconi la idea de aplicar a estos monumentos una técnica cercana al retrato más detallista.

Esta técnica se realiza en diversas fases: sobre el terreno una medición exacta de cada elemento; un gráfico preparatorio trazado a lápiz sobre el papel; dibujo en tinta con trazos precisos; y finalmente el color, con la transparencia y la luminosidad de las acuarelas. En la realización de cada dibujo tarda más de mes. Ahora expone una muestra de su trabajo en Bruselas: "Las 32 Villas de Andrea Palladio".