19 de diciembre de 2001

CERRADO POR VACACIONES
Memorabilis vuelve a partir de la segunda semana de Enero. Felices vacaciones.

18 de diciembre de 2001

K.O. DIGITAL
Paul Pfeiffer (Honolulu, 1964) es una de las últimas revelaciones del arte digital; y es también el último becado del Whitney Museum of American Art de Nueva York.
Este artista, de origen filipino y afincado en Nueva York, cautivó en febrero de 2000 con su montaje en el P.S.1, dentro de la exposición “Greater New York: New Art in New York now”, en el que la pelota de baloncesto de Michael Jordan era presentada como icono contemporáneo, como nuevo ídolo de masas.
Desde entonces su participación en la selección de artistas norteamericanos de la última generación es constante, recibiendo el Buscksbaum Award como reconocimiento a sus propuestas en la bienal del Whitney de ese mismo año. Dentro de los escogidos por Harald Szeeman para su Platea dell´umanitá de la 49º Bienal de Venecia, presenta en la institución que le dio el gran espaldarazo, y por primera vez en solitario, dos de sus piezas más recientes.

Él mismo se declara cercano al espíritu de warholiano de crítica a la sociedad de consumo y del imaginario hollywoodiense, transplantado a una de las obsesiones del americano medio del nuevo milenio, el deporte y sus estrellas. Pero en su caso, el modo de apropiación se basa contrariamente en la desaparición del motivo. En los montajes de Pfeiffer únicamente se recoge el escenario, haciendo invisible el fetiche.
Por medio de la manipulación de imágenes televisivas, en un caso de tres combates de Muhammad Ali en The Long Count y el otro de la victoria de los Chicago Bulls en la NBA de 1996 en Race Riot, ni los boxeadores ni los jugadores de baloncesto aparecen. En su lugar una ausencia fantasmagórica, de algo que se sabe que debe estar, porque se encuentra en el subconsciente del hombre actual, pero que es imposible de ver. Lo que queda son flashes de fotógrafos y público enfervorizado... ¿enardecido por qué? Realmente por nada.

Un tratamiento técnico mínimo, como de andar por casa, todo realizado a una escala pequeña (la pantalla, la duración del video) opuesto a la grandilocuencia de los espectáculos actuales, pero que esconde un gran proceso reflexivo.
Este proceso de elipsis en la narración que ya utilizo en la instalación Self-Portrait as a Fountain, en la que se reconstruía la escena de la ducha de Psicosis, con los ruidos y movimientos del film pero sin ninguna víctima, o sus fotos de Marilyn Monroe pero sin el sex-symbol, pone nuevamente el acento en la falta, en la ausencia, en la carencia espiritual existente en el mundo de hoy, y que sin embargo la memoria colectiva e histórica se encarga de llenar. El lugar en el que la ausencia se vuelve presencia, es donde se explica la propuesta digital de Paul Pfeiffer.

17 de diciembre de 2001

BOLAS DE NIEVE
Viviendo estos días tan gélido invierno me he acordado del trabajo de un artista inglés, Andy Goldsworthy que lleva creando bolas de nieve enormes desde 1977. Crea las bolas en un sitio bien frio y después las transporta y las deposita durante la noche en el centro de Londres. La expectación provocada en vecinos y transeuntes es considerable, pasados los días las bolas se van derritiendo y dejan ver algunos secretos, estructuras formadas por lana de oveja, plumas de cuervos, semillas de castaño, bayas de saúco, cebada, metal, alambre de púas...

Goldsworthy pertenece a la corriente del land art en la que los espacios naturales y los paisajes alterados industrialmente se convierten en material de creación artística. La mayoría de sus trabajos artísticos son fotografiados y esta es la manera en que se conservan, ya que sus esculturas monumentales, en las que utiliza los más diversos materiales como arena, hielo, hojas y troncos, son efímeras.

14 de diciembre de 2001

LATERNA MAGIKA
La Linterna Mágica de Praga presentó ayer su nueva puesta en escena, "Graffiti", que trata de la llamada realidad virtual.
El espectáculo reune en la escena las proyecciones de imagen cinematográfica o electrónica con acciones en vivo de teatro y ballet y música de Peter Gabriel, Philip Glass, Wim Mertens, Michael Nyman y otros tantos compositores de actualidad.

Graffiti, es el nuevo espectáculo del reconocido autor de escenografías y fundador, hace 43 años, de la Linterna Mágica, Josef Svoboda (1920), que permite que la imagen fílmica llene el espacio del escenario sin utilizar pantallas de proyección.
El tema de esta nueva representación es la atractiva y peligrosa realidad virtual; el director artístico Josef Svoboda piensa que el hombre del siglo XXI vivirá entre dos espacios, el real y el virtual.
La obra advierte ante el hecho de que la realidad virtual, que ayuda a esclarecer y conocer lo secretos del mundo y la naturaleza, implica el peligro de llevar finalmente al hombre a una ignorancia gradual y de causar la destrucción de la realidad.

La puesta en escena de mayor éxito de la compañia, "El Circo Encantado", figura en el repertorio de la Linterna Mágica desde hace 24 años; en este espectáculo los personajes (payasos, bailarinas, domadores de fieras...) traspasan continúamente la frontera entre la realidad y la ficción delante de los asombrados ojos del espectador. El milagro es posible gracias a una gran pantalla de cine en la que aparecen campos de flores, cielos llenos de nubes, temibles leones o un circo atiborrado de publico. La aventura comienza delante de la pantalla pero puede pasar a formar parte de la gran pantalla sin que apenas nos hayamos dado cuenta.

13 de diciembre de 2001

ONE-SHOT-PAINTINGS
Philip Guston (Montreal, 1913-Woodstock, 1980) entró en contacto con la vanguardia americana cuando fue expulsado del Otis Art Institute junto a Jackson Pollock, con quien visitó a José Clemente Orozco en Los Ángeles para verle finalizar su fresco Prometeo.
Los dos jóvenes quedaron impactados y en 1934 Guston viajó a México y consigió que otro gran muralista, David Alfaro Siqueiros, le recomendara para pintar junto a Reuben Kadish un mural para el Palacio de Maximiliano en Morelia.

Durante los años 30, 40 y 50 Guston trabaja en Nueva York, ciudad que se convierte en la nueva capital mundial del arte y ve florecer el expresionismo abstracto al que se vincula, aunque sin perder la influencia del muralismo mexicano ni su admiración por el quattrocento.
A finales de los 60 su obra vuelve a la figuración y en 1970 expone sus nuevos trabajos en la Marlborough Gallery, provocando una fuerte reacción entre críticos y artistas, en un tiempo en el que el enfrentamiento entre abstracción y figuración había tomado una serie de connotaciones sociales, culturales y políticas, según las cuales la figuración aparecía como superada y retrógrada.
Guston muestra entonces su entusiasmo por los cómics y afirma que la pintura es "impura", en contra de la pintura radical y otras posiciones puristas de la abstracción.

A esta última etapa de la obra de Guston, que coincide con su retiro en Woodstock, pertenecen las pinturas que podemos ver en la exposición del IVAM, son obras realizadas de un solo golpe, "de un solo aliento" y sin imprimación. One-Shot-Paintings (Pinturas de un solo aliento) es un término utilizado por Guston para denominar algunos cuadros realizados en un golpe de inspiración, rápidamente y sin retoques. Una serie de imágenes insólitas que solían venirle a la mente justo al despertar, por la mañana, como un sueño. Guston corría entonces al estudio para plasmar la imagen en el lienzo antes de que ésta se desvaneciera.

12 de diciembre de 2001

¿QUIEN ES MARTIN CREED?
Alguien que vacia una habitación y diseña una iluminación intermitente, que se enciende y se apaga cada cinco segundos.
Alguien que consigue que un jurado formado por sesudos especialistas en arte moderno le nombre como mejor artista joven del año 2001 en Gran Bretaña.
Alguien que es 28.000 dólares más rico.
Alguien que dice "el arte no tiene nada que ver con el dinero, el arte está relacionado con el amor".
Alguien que utiliza normalmente materiales de la vida cotidiana para sus instalaciones conceptuales y se inspira en la necesidad de crear "cosas".
Alguien conocido por su obra Work#88, hecha con hojas de papel DIN A-4 convertida en bolas de ese material. Una de las bolas de papel fue vendida por una suma superior a 3.000 dólares. Martin Creed emprendió entonces la creación de toda una serie y envió cerca de 150 bolas a diferentes espacios galerísticos británicos. Algunas bolas de papel fueron directas a la papelera.

Martin Creed, ganador del premio Turner 2001.

Este mismo premio Turner (J.M.W. Turner se debe estar revolviendo en la tumba cada vez que le nombran para este tema del premio) recayó en 1995 en unos pedazos de carne de vaca en formol; en 1998 premió las pinturas de Chris Ofili con excrementos de elefante; y en 1999, la cama desecha de Tracey Emin, con condones usados y ropa sucia.

Martin Creed. Lights going on and off in a gallery
Martin Creed, Lights going on and off in a gallery (every 30 seconds), 1995, electrical time switch

11 de diciembre de 2001

SUIZA MEDIEVAL
Siguiendo con el intento de conocer algo más de la cultura medieval europea nos encontramos con dos pintores suizos semidesconocidos que vivieron en la tardía Edad Media, Urs Graf y Hans Fries.

Se exponen en el Kunstmuseum de Basilea muchos de los dibujos de Urs Graf, artista nacido hacia 1485, al que por su mala vida se considera el Caravaggio suizo.
Cuando no estaba en la cárcel purgando algún delito violento o alguna acción inmoral, Graf se encontraba en el campo de batalla peleando contra otros ejércitos.
Algunos de sus dibujos más conocidos muestran a prostitutas cojas, a golfos que se pavonean...un mundo lleno de pobres y desgraciados. Pero está también el Graf de los motivos religiosos, que recuerda en cierto modo a un Hans Baldung-Grien o a un Grünewald, mucho más pintores que Graf, que era sobre todo un enorme dibujante. El primer aguafuerte que se conoce, datado en 1513, fue de este artista suizo, quien lo imprimió con planchas de hierro. En la Fundación Lazaro Galdiano, en Madrid, encontramos uno de sus libros ilustrados, la Pasion, de 1506.

Su compatriota Hans Fries, de Friburgo, se cree que vio la luz entre 1460 y 1465. Hijo de un panadero, Fries se convirtió en pintor oficial de su ciudad natal, aunque también trabajó en las ciudades vecinas de Basilea y Berna.
La combinación en sus composiciones extremadamente ricas y complejas de un colorido vivo y precioso, que evoca el esmalte con una gran fuerza expresiva en la representación de los rostros, de líneas dinámicas y detalles hiperrealistas inspiró a los representantes del expresionismo y del nuevo realismo en el siglo XX.
Rostros patibularios, mártires en medio de las llamas, verdugos a punto de segar alguna cabeza, por un lado, y delicados rostros femeninos en sus representaciones de la Virgen manifiestan la maestria de este artista.

Una historia de trasfondo religioso relaciona a ambos artistas: en 1507 en un convento de dominicanos de Berna, una Virgen llora sangre. Poco convencida del supuesto milagro, la Iglesia llama a un pintor como experto: se trata de Hans Fries, que afirma que se trata de una superchería.
Los dominicanos culpables acabarán en la hoguera y lo ocurrido será recogido en un libro ilustrado con grabados de Urs Graf.

O.T. Recomendar para momentos "kit-kat" los puzzles del Museo de Arte de Basilea.

10 de diciembre de 2001

RIO BRANCO, FOTÓGRAFO DE LA VIDA
El Palacete del Embarcadero de Santander acoge una nueva exposición individual, en este caso de un artista de origen canario que vive afincado en Brasil: Miguel Rio Branco. Miguel Rio Branco pertenece a una joven generación de creadores brasileños que han contribuido a que espacios geográficos que habitualmente han sido receptores de otras culturas, hayan trascendido sus propias fronteras para introducirse en el discurso internacional.

Es una selección de diez fotografías, cibachromes en su totalidad; son obras que sido realizadas entre 1993 y 1999, de modo que la muestra nos ofrece la evolución del fotógrafo brasileño a lo largo de los noventa. Durante este periodo su trayectoria se mueve entre presupuestos conceptuales, en unas imágenes en las que aparecen objetos que articulan verdaderos catálogos de la realidad en forma de naturalezas muertas. Las fotografías presentan formatos cuadrados que componen dípticos, a modo de fotogramas de películas, bien dispuestos de manera horizontal –como el "Díptico del Infierno", "Cristo" y "Bzzz"– o bien en vertical –como ocurre con "Frisson l´Herisson"–. También podrá contemplarse el tríptico "Horse´s mirror", realizado entre 1994 y 1999.
Son imágenes destacan por los contrastes lumínicos y la poética utilización de una gama oscura en la que predominan las tonalidades saturadas de ocres y tierras.
En algunas fotografías Rio Branco introduce figuras inspiradas en la iconografía barroca, como el retrato de "Toque de maldad", los seres atormentados del "Díptico del Infierno" o la talla de un "Cristo" crucificado, a veces relacionados con distintos objetos en la otra parte del díptico.
En ocasiones, sus imágenes adquieren una entonación más crítica, como sucede en "TV", donde una serie de cráneos en fila parecen contemplar el foco de luz que sale de una lámpara, o en "Concentration camp", imagen que presenta en un primerísimo plano los alambres de un viejo colchón, a través de los cuales aparece un paisaje difuminado.

En todos sus trabajos Rio Branco juega con el mundo de las apariencias, retratando escenarios elaborados previamente donde nada es lo que parece; su obra está repleta de sucesos reales, de metáforas, de juegos ambiguos, donde se conjuga una mirada hiperbólica y barroca con la austeridad y minimalismo, partiendo temática y conceptualmente de los aspectos más ocultos y arcaicos de la sociedad brasileña más marginal.

5 de diciembre de 2001

SÓLO PARA TUS OJOS, SÓLO PARA LA RED
El MOMA de Nueva York, debido a sus obras de ampliación en Long Island, ha decidido hacer una exposición que sólo podrá verse en internet. Presenta ciento veinte obras de los artistas del grupo Die Brücke (Dresde, 1905), que pueden consultarse agrupadas en ocho temas (la ciudad, retratos, influencias exóticas, temas cristianos, el cabaret, desnudos, retratos y conexiones literarias).

Die Brücke, en castellano, "El Puente", fue el movimiento artístico que marcó el comienzo del arte moderno en Alemania. Su nombre simbolizaba el puente de intereses comunes que les unía así como su conexión con el futuro.
Fue fundado en Dresde en 1905 por un grupo de artistas expresionistas alemanes; algunos de sus miembros fueron Ernst Ludwig Kirchner, en cuyo estudio solía reunirse todo el grupo regularmente, y sus amigos Erich Heckel, Fritz Bleyl, Karl Schmidt-Rottluff y, más tarde, Emil Nolde y Max Pechstein. Eran cuatro estudiantes de arquitectura, nacidos en familias burguesas y sin formación académica pictórica, que deciden luchar y romper radicalmente con el arte anterior. Desarrollaron un intenso trabajo en equipo, aprendiendo unos de otros, criticando sus propias obras e interpretando las de sus compañeros. Esto explica la homogeneidad estética que llegaron a alcanzar.

Anunciaron su creación, como grupo, a la comunidad artística alemana, en un manifiesto redactado y grabado en madera por el propio Kirchner: Con la fe en la evolución, en una generación nueva tanto de creadores como de gozadores de arte, convocamos a toda la juventud y, como juventud portadora del futuro, deseamos procurarnos libertad de brazos y de vida frente a las fuerzas bien establecidas y más viejas. Está con nosotros todo el que refleja, directamente y sin falsearlo, aquello que le impulsa a crear.
La vida del grupo estuvo marcada por las nuevas tendencias filosóficas que imperaban en aquél momento en el ambiente intelectual alemán.

Las obras de todos ellos estaban marcadas por la visión satírica de la burguesía y el fuerte deseo por representar las emociones subjetivas. Propugnaban la libertad e independencia absolutas, lo que se reflejaba no sólo en su estilo, sino también en su temática.
Sus propias inquietudes les llevaron a fijarse en otros movimientos de vanguardia que afloraban en distintos países europeos. Hay cierta afinidad entre el estilo desarrollado por el grupo y la pintura de los Fauves. Fue también muy decisiva la influencia del arte primitivo, que conocieron estudiando la escultura africana y oceánica en el Museo Etnológico de Dresde, lo que se tradujo en un estilo de formas endurecidas con contornos esquinados.

A partir de 1912 y 1913 el estilo de cada uno de los artistas se hace más individual, perdiendo la uniformidad de grupo propia de los trabajos de Dresde. Esto debilitó la unión, que se hizo patente cuando Kirchner realizó en el año 1913 la Crónica anual de Die Brücke provocando la oposición y rechazo de sus miembros, que acordaron finalmente su disolución.

4 de diciembre de 2001

CHAGALL, BÍBLICO
Partiendo de un único hilo conductor, el tema bíblico, la exposición “Chagall: el mensaje bíblico (1931-1983)” es una muestra que reunirá a partir de enero, un significativo conjunto de 86 obras de técnicas diversas.
El tema bíblico, uno de los más representados por Marc Chagall (Vitesbsk, 1887-Saint Paul de Vence, 1985) a lo largo de su trayectoria artística, es el núcleo de esta muestra, que hará posible ver en Gerona la obra de uno de los creadores más singulares del siglo XX.

Podrán contemplarse 23 óleos (sobre tela, papel, cartón o contraplacado), 35 pinturas y dibujos sobre papel -donde se incluye la serie “The Story of Exodus”-, dos esculturas (un bronce y un bajorrelieve en mármol), tres obras de cerámica, un tapiz de lana, una serie de 12 grabados para la Biblia y la serie de 10 litografías para “Verve”.
Las piezas que forman parte de esta muestra son mayoritariamente escenas del Antiguo Testamento (“La creación del hombre”, “La lucha de Jacob y el ángel”, “La travesía del Mar Rojo”...), aunque también encontramos algunas del Nuevo Testamento (“El hijo pródigo”, “El descenso de la cruz”...).

Chagall trató en sus creaciones temas muy diferentes, pero el conjunto de su obra no puede entenderse sin enmarcarla dentro de la tradición judía de la Rusia ortodoxa de su ciudad natal. La Biblia y la historia del pueblo judío son temas que el artista trabajó hasta el final de su vida. El autor empezó a transmitir, ya en sus primeros trabajos, este sentimiento por las cosas sagradas.
Considerado uno de los mejores coloristas del siglo XX, la pintura de Chagall representa en toda su plenitud, mediante el cromatismo rico y brillante, lleno de amarillos, naranjas, verdes, azules, rojos y violetas, la riqueza y la complejidad que caracterizan la naturaleza.
El creador no se dejó seducir por las teorías y no se dejó influenciar tampoco por ninguno de los movimientos artísticos de su época. Siempre siguiendo su propio camino, Chagall no dejó nunca de pintar temas religiosos, temas que dejaron de ser centro de atención de muchos artistas de su época.

3 de diciembre de 2001

HOCKNEY, POLÉMICO
David Hockney ha querido descubrir cómo los artistas del pasado lograban representar el mundo que les rodeaba con tanta precisión y viveza. Como pintor constantemente enfrentado a problemas técnicos similares, se preguntaba cómo debían solucionarlos los grandes maestros.

Durante dos años sacrificó el tiempo empleado en su propia creación artística para tomar la senda del misterio y seguir con verdadera obsesión todos aquellos indicios que le llevaran a descubrir los secretos ocultos de los artistas antiguos. A medida que empezaban a divulgarse esas investigaciones, sus espectaculares resultados pasaron a ser noticia en los medios de comunicación, y el tema apareció en titulares de prensa y fue objeto de un debate internacional entre renombrados artistas, historiadores del arte y directores de museo.

En el libro "El conocimiento secreto" explica cómo fue desmontando una por una las pruebas visuales y científicas que le iban aportando nuevas revelaciones sobre el pasado. Aprovechando su experiencia como pintor, examina las obras más insignes de la historia del arte y revela que artistas como Caravaggio, Velázquez, Van Eyck, Holbein, Leonardo e Ingres utilizaban espejos y lentes para crear sus famosas obras maestras.
El libro reproduce cientos de pinturas y dibujos, entre los cuales aparecen las obras más conocidas y amadas de la historia del arte occidental, junto con las correspondientes descripciones entusiastas y contagiosas del autor. Sus propias fotografías y dibujos ilustran los distintos métodos que en el pasado empleaban los artistas para captar los retratos más precisos, y presenta el resultado final al que solían llegar.

"El conocimiento secreto" no trata sólo de las técnicas perdidas de los grandes maestros. También trata del presente y del futuro. Nos habla de cómo vemos, arreglamos y construimos imágenes hoy en día en una época de manipulación informática. A través de una búsqueda constante, cuestionando las ideas y la práctica heredadas, y sin dar nada por supuesto, Hockney nos abre los ojos y nos hace ser concientes de la manera en que percibimos y nos representamos el mundo.

Pero este libro ha supuesto una gran polémica en el mundo del arte, 25 eruditos discutieron recientemente las ideas de Hockney: el Instituto para las Humanidades la Escuela de Leyes de la Universidad de Nueva York abría sesión pública para examinar las «herejías» o los «hallazgos» del pintor a quien dejó escamado la exposición de dibujos de Ingres presentada en la National Gallery de Londres en 1999.
A un pintor dotado y cotizado como Hockney le pareció sospechoso que dibujos tan extraordinarios pudieran haber sido hechos a cuerpo gentil, a ojo y sin ayuda, y empezó a experimentar: primero con una cámara clara (pequeño prisma de vidrio que proyecta difusas imágenes sobre el papel, pero que permite trazar los principales rasgos) y luego con la cámara oscura.