30 de junio de 2001

SANGRE Y ARENA
Más de cien piezas entre mosaicos, esculturas, bajorrelieves y armaduras estarán desde el pasado día 22 de junio y hasta el próximo mes de enero en el Coliseo de Roma, el monumento más visitado de la capital italiana.
La mayoría de las piezas proceden de Pompeya y de la región de Campania, al sur de Italia, y muestran un pasado muy remoto, en los que la pasión por la lucha de gladiadores o las ceremonias funerarias eran signos de identidad de un pueblo, el romano, que hoy vuelve a mostrarse al público con la exposición “Sangre y arena”.
Frescos, fragmentos de inscripciones, mosaicos, bajorrelieves, podrán verse en el primer nivel del emblemático edificio, cuya rehabilitación ha costado más de 3.000 millones de pesetas.
La Roma republicana y la Roma imperial hasta finales del siglo IV d.C. está ahora en uno de los escenarios que acogió las escenas de lucha entre los famosos gladiadores y que recogen algunos de los bajorrelieves de monumentos funerarios encontrados al sur del país, junto a los restos de la “Domus aurea” del emperador Nerón, o un hermoso Adonis del anfiteatro de Capúa, entre otras obras de arte.

29 de junio de 2001

OTRAS "NATURALEZAS" URBANAS
"Otras "naturalezas" urbanas. Arquitectura es (ahora) geografía" es la muestra que en el EACC (Espai d´Art Contemporani de Castellón) nos acerca a las nuevas ciudades.
Los estudios Actar Arquitectura (Barcelona), FOA (Londres-Madrid), MVRDV (Rotterdam), Françoise Roche & DSV (París), Soriano-Palacios (Madrid), Njiric&njiric (Zagreb) y los arquitectos Eduardo Arroyo (Madrid), Vicente Guallart (Barcelona-Valencia), Greg Lynn (Nueva York) y Duncan Lewis (Nantes-Paris), presentan sus trabajos en esta muestra que se suma al creciente interés de la vertiente más creativa de la nueva arquitectura.
Sus proyectos van más allá de los conceptos estáticos del paisajismo, lo público, lo privado, lo artificial o lo natural, creando nuevas estructuras más flexibles y continúo diálogo con su entorno.

Sus “construcciones” no se conciben o se sitúan como algo ajeno o impuesto dentro de la naturaleza, sea esta urbana o rural, sino que se amoldan y transforman la geografía del lugar, añadiéndole nuevos valores. Borran los límites establecidos clásicamente en el arte de construir y articulan espacios cercanos a formas biológicas unas veces, totalmente abiertas al exterior reinventando la concepción tradicional de habitabilidad otras.
Estos “antitipos” rompen con los planteamientos urbanísticos hasta ahora establecidos, con originales acoplamientos, uniones y cruces.
Las casas se vuelven orgánicas, adaptándose al hombre, como en Embryonic House de Lynn, o se cubren de verde originando nuevas laderas en los estudios de Arroyo, incluso la característica faz de Benidorm se ve transformada en manos de MVRDV.
Todos ellos revelan un gran interés por los medios técnicos más avanzados que permiten trasladar las ideas más personales en futuras y posibles realidades.
Los edificios ya no compiten por rascar el cielo sino por conseguir un ambiente a escala humana, y mucho más con piel y forma naturales, eliminando la frontera entre artificio y naturaleza

28 de junio de 2001

EL "PRECIO" DEL ARTE
Un ejemplo más para que después se tilde al arte contemporáneo de "inasequible" tanto estética como económicamente.
En una subasta celebrada ayer en la sala Christie´s de Londres, la "estrella" fue un caballo disecado que cuelga del techo gracias a unos tirantes.
Su título, "La balada de Trotsky" (1996). Su autor, Maurizio Cattelan.
Partía con un precio estimado de 400.000 libras (unos 110 millones de pesetas) y finalmente fue rematado en 170 millones. Fue el precio más alto de la subasta celebrada ayer.
Cattelan ha sido descrito por los críticos como travieso, estafador, ingenioso, ladrón... Sus esculturas, performances e instalaciones son poco ortodoxas y convencionales. La intención de este artista con su "caballo disecado" es una mirada irónica y burlona a sus predecesores en la Historia del Arte, especialmente de sus compatriotas. Quiere reescribir la Historia del Arte desde el punto de vista de un impostor, de un tramposo.
Apostamos que como siga en esta linea lo conseguirá rapidamente.
LA VERDADERA HISTORIA DEL MUNDO DEL ARTE
"Al natural. La verdadera historia del mundo del arte" (Ediciones Península, Barcelona 2000) es el último libro de Anthony Haden-Guest, crítico de arte del The New Yorker y The Times.
El libro muestra en tono ameno las confidencias, anécdotas, decepciones y triunfos de varias generaciones de creadores que se convirtieron en primeras figuras del mundo del arte, como Jasper Johns, Sol LeWitt, Schnabel, Basquiat o Cindy Sherman, junto a los que manejaban los hilos detrás del sillón: galeristas, marchantes, críticos y conservadores de museos.
La lucha de poderes, las ambiciones personales de fama y protagonismo, o las malas jugadas entre compañeros no es algo ajeno al mundo del arte en todas las épocas: Miguel Ángel discutía con Julio II, Caravaggio tuvo que huir acusado de asesinato, y Toulouse-Lautrec ahogaba su falta de cariño paterno en compañía de las señoritas del Moulin Rouge.
Estas relaciones del pasado se repiten en nuestro siglo con los mismos protagonistas, los artistas y los clientes, y otros nuevos, marchantes, coleccionistas y directores de museos.

27 de junio de 2001

ATAPUERCA
El equipo científico de Atapuerca anunció ayer que en cinco años habrá cinco yacimientos "de excavación en extensión", en los que se trabajará en una amplia superficie y al mismo tiempo, lo que les convertirá en los más importantes del mundo para el estudio de la evolución humana.Este proyecto arqueológico se convertirá "en el más grande realizado por un equipo científico en todo el planeta" para el estudio del desarrollo del hombre, según dijeron dos de los directores del equipo científico.

La excavación arqueológica en extensión se realizará en los yacimientos de Sima del Elefante, Cueva Mayor, Portalón, Cueva Mirador y Gran Dolina.
La Sima del Elefante contiene los restos de fósiles más antiguos de la sierra de Atapuerca y se han encontrado instrumentos líticos de sílex de más de un millón de años de antigüedad. En la sima se está ampliando la infraestructura para su excavación y se espera hallar en ella restos de la presencia humana de hace más de un millón de años.
En cuanto al yacimiento Gran Dolina, en el que en 1994 se encontraron los restos del Homo antecessor, de 800.000 años de antigüedad, se continuará con la investigación sobre los pobladores humanos de hace 350.000 años. Con respecto al yacimiento Portalón se pretende proseguir con la excavación de un hábitat de la Edad de Bronce, en el que se encuentran centenares de piezas de cerámica e industria que reflejan una ocupación humana muy intensa.

Ya que la semana próxima comienza la campaña arqueológica de este año pues recordar y saludar (con un poco envidia, lo reconozco) a toda esa gente que va a estar trabajando durante los próximos meses; ¿Qué mejor que estar en un descampado a 40º y con menos de dos metros cuadrados a tu alrededor para estirar las piernas? ¿Qué mejor que esas malditas hormigas rojas que nunca se pierden una "fiesta excavadora"? ¿Y qué mejor que esa cervecita fria después de la dura jornada?
Mucha suerte para tod@s!!!!
Y SIGUIENDO EN EL PRADO
Se inaugura en el Prado una exposición repleta de valiosas piezas procedentes de su colección de mosaicos y piedras duras. Es una colección considerada por los expertos como la más importante del mundo después de la atesorada por los museos de Florencia.
En la galería central y en una sala anexa a la pinacoteca del museo madrileño, la exposición del Prado rescata ahora la belleza e importancia de estas piezas, como los dos tableros realizados con mármoles, piedras como el lapislázuli, procedentes de Egipto, Turquía o Grecia, entre otros países, y cuyas formas y colores son sorprendentes.
Alvar González Palacios, comisario de la muestra, pidió en la presentación la voluntad de acuerdo entre el Prado, Patrimonio Nacional y el Arqueológico, para algunos conjuntos de piedras duras y mosaicos puedan verse de forma conjunta en un mismo espacio y no diseminados, como ocurre actualmente.

21 de junio de 2001

REDESCUBRIR A CARLOS V
Desde 1548, año en el cual el pintor Tiziano retrató al emperador Carlos V a caballo en Mühlberg, hasta nuestras fechas, el considerado uno de los primeros retratos ecuestres de la historia de la pintura ha sufrido algunos avatares.
Su primer accidente, nada más ser pintado, fue producido por una ráfaga de aire que derribó el lienzo mientras se secaba al aire libre. Restaurado en esa ocasión por su propio autor, siglos después, durante el incendio del antiguo Alcázar en 1734 el humo se adhirió a la pintura, ocultando elementos del cuadro, y restando intensidad a los colores.
La guerra civil española también dejó su huella en la obra de Tiziano, que perdió numerosos pigmentos durante su traslado a Suiza por el Museo del Prado, ante el temor de que pudiera ser dañado por los bombardeos.

Ahora, el Prado exhibe de nuevo en su sala 61 dicho cuadro, tras haber sido sometido a múltiples cuidados en un taller de restauración. Fue en junio de 1999 cuando durante una reunión, especialistas de todo el mundo realizaron un diagnóstico de ingreso en el taller de restauración de uno de los lienzos más populares del Prado.
Tras ser analizado y radiografiado hasta la extenuación, un equipo formado por Maite y Rocío Dávila y Carmen Garrido ha sido el encargado de llevar a cabo una “restauración conservadora”, en el sentido de la imposibilidad de reparar algunos daños y de la poco adecuada restauración “agresiva” que la obra necesitaba. Limpios los barnices oxidados, eliminados los antiguos repintes, y reintegrados los pigmentos pictóricos, “El emperador Carlos V a caballo en Mühlberg” ya está listo para ser admirado de nuevo.

20 de junio de 2001

MINA DE ORO
En el año 56 después de Cristo los romanos explotaban a pleno rendimiento la mina de oro de Boinás, Belmonte (Asturias), de la que hoy la empresa Río Narcea Gold Mines sigue extrayendo mineral. La aparición en las tareas de explotación de una galería con madera de castaño y roble ha despejado la datación de uno de las yacimientos de oro más antiguos de Asturias. La galería de prospección encontrada quedó abandonada y fue cegada con el paso de los años por tierra y material, lo que ha permitido conservarla hasta ahora.
Alli se han descubierto algunos de los vestigios más antiguos que se conocen en la realización de entibaciones mineras. El estudio abre la puerta a la posibilidad de que culturas prerromanas utilizaran ya en Boinás las complejas técnicas de la minería del oro y por lo tanto no se limitasen, como se pensaba hasta ahora, a recolectar los fragmentos de metal que aparecían en superficie.

El método del carbono 14 indicó que los restos de la galería databan de los tres primeros siglos de nuestra era, y en España no existe ninguna cronología que abarque este período. Las cronologías más próximas de época romana proceden de Holanda, utilizando como base esa cronología, el equipo asturiano realizó un trabajo pionero en España, centrado en la datación radiocarbónica y dendrocronológica de una explotación minera de oro, actividad estrechamente relacionada con la cultura castreña de época romana en el noroeste de la península Ibérica.
La datación dendrocronológica de diversas piezas permitió, además de obtener la fecha absoluta de la estructura, comprobar una serie de hipótesis, como si existen piezas de madera de distintas edades o si todas pertenecen a árboles de una edad similar, o si toda la galería se construyó en un determinado momento o, por el contrario, si pueden distinguirse varias fases de construcción.

A partir de los resultados obtenidos en esta datación de la galería excavada en Boinás se pueden sacar una serie de conclusiones. Por un lado, todas las piezas que forman el entibado, tanto las de roble como las de castaño, proceden de árboles jóvenes que fueron talados el mismo año.
La datación dendrocronológica indica, con gran probabilidad, que los árboles fueron cortados en el año 56 d.C., por lo que la galería habría sido construida entre los años 56 y 57 d.C. En la galería aparecieron dos piezas de roble en la base, que son más antiguas que las que forman parte del entibado. La edad cronológica para estas dos piezas de la base de la galería podría situarse entre los años 177 y 29 a. C., aunque no se descarta que sea aún más antigua.

El estudio supone un análisis exhaustivo de la explotación minera de oro que los romanos realizaron en Boinás, así como el hábitat en el que vivían los primeros mineros asturianos (aquellos que ya sabían lo que era entibar) y los resultados de dicho estudio conformarán parte de la primera investigación completa realizada en España a un yacimiento minero.

Mina de Boinás

18 de junio de 2001

MORLEY
Coincidiendo con el setenta cumpleaños del artista, la Hayward Gallery de Londres ha decidido organizar una retrospectiva del pintor británico, afincado en Estados Unidos, Malcom Morley (Londres, 1931). Cerca de 50 obras, entre pinturas, maquetas y hologramas, ilustrarán la trayectoria profesional de uno de los artistas más influyentes del siglo XX, iniciador de corrientes como el foto-realismo o el neo-expresionismo.

La exposición “In full color” arranca con una serie de obras cercanas a la abstracción y centradas en el tema del mar. Son obras que el creador llevó a cabo a su llegada a Nueva York a fines de los cincuenta, momento en que comenzó a pintar fuertemente influenciado por la obra de Barnett Newman.
Por aquellos años se libraba en la ciudad americana un debate estético de decisivas consecuencias; el expresionismo abstracto mostraba claros signos de agotamiento y se imponía un descenso de la temperatura creativa que llevaría a dilatar la distancia entre el sujeto y la acción: de acontecimiento la pintura pasó a convertirse en objeto.
En medio de esta batalla, Morley parecía dividido entre dos amores: las serenas superficies de Newmann y la pintura emocional y convulsa de De Kooning. Esta tensión entre la neutralidad y el pictoricismo, entre el plano y la ilusión, alimenta toda la obra del artista y le confiere su particular fuerza.
A pesar de la deuda que su iconografía de postales y posters de brillantes colores mantiene con el pop, Morley nunca rehuye la marca del pincel, muy al contrario, su estilo constituye una suerte de “expresionismo en miniatura”, cuya vitalidad desafía el origen mecánico y puramente bidimensional de sus modelos.
Incluso en su etapa llamada por él mismo “super-realista”, la que inicia a partir de 1965 con sus célebres series de lienzos con apariencia de postales, no renuncia Morley al pictoricismo.

A mediados de los setenta se produce un punto de inflexión en su carrera; el pintor deja de lado el recurso a la imagen impresa, acentúa la carga expresiva de su pincelada y abandona el acrílico por el óleo. A esta nueva etapa pertenece por ejemplo la serie “Desastres”. La lección distorsionadora de Willem de Kooning parece más fresca que nunca en sus obras de los años ochenta, realizadas con un cromatismo y una intensidad arrolladoras.

En los noventa predomina la imaginería de la Primera Guerra Mundial; los barcos y aviones que siempre hemos visto surcando sus lienzos, aparecen revestidos de tintes más sombríos al final del milenio. Entre sus últimas creaciones se cuenta una serie de maquetas de barcos y aviones, a la que el artista se refería recientemente: “El pintor es, literal y figuradamente, un piloto de planos que lleva a cabo representaciones reales e imaginadas de distintas agresiones sobre el plano de la pintura. Las maquetas de los aeroplanos son representaciones tridimensionales de pintura”.

15 de junio de 2001

CORDOBA OMEYA
Hace algunas semanas era noticia la inauguración de la exposición "El esplendor de los Omeya cordobeses"; para que no se quede perdida en la inmensidad de las noticias pasadas vamos a rendirle justo homenaje.
La idea impulsora de la muestra es conocer las artes, la filosofía y la vida intelectual que floreció en la Córdoba Omeya durante los siglos VIII al XI y a conocer la historia y la vida de la dinastía Omeya de Damasco.
Los distintos restos expuestos se encuentran repartidos entre dos de las instalaciones que componen la antigua ciudad árabe del siglo X: el Edificio Basilical Superior, en el que se puede ver una representación de la arquitectura omeya, y el Salón Rico, en el que se hallan ejemplos de la decoración de la cultura andalusí.
El recorrido expositivo se inicia con los primeros materiales omeyas y abbasíes, pasa por la época del emirato (desde el 756 hasta la
autoproclamación de Abderramán III) y concluye con el periodo califal (hasta el año 1031).

Los primeros capiteles islámicos de la Península Ibérica, uno de ellos mandado labrar por Abderramán II para un edificio religioso, celosías de yeso procedentes del Museo Nacional de Damasco (Siria), las primeras basas islámicas decoradas y una selección de pilas de la época califal son algunas de las joyas que pueden verse en el Edificio Basilical Superior.

El Salón Rico alberga varios objetos representativos del arte suntuario del Califato, el Emirato y de Oriente, entre ellos dos cervatillos, uno procedente de Qatar y otro del Museo Arqueológico de Córdoba, varias muestras de la cerámica de la época omeya y abbasí, como platos con decoración de goterones, tinteros, jarros y pebeteros, así como tres aguamaniles en forma de pavón, una selección de monedas, joyas y cristales de roca hechos en Egipto.

14 de junio de 2001

LAS OBSESIONES DE MIRÓ
En conmemoración de los 25 años de su creación, durante todo este año se han organizado en la Fundación Joan Miró diversos actos de celebración hasta llegar hoy a la inauguración de la exposición "Joan Miró. Desfile de obsesiones".
La muestra recoge 200 obras, entre pinturas, grabados, esculturas y dibujos de los fondos de la institución, que pretenden analizar la iconografía de Miró, un mundo de estrellas, ojos, genitales, lunas, soles, pájaros, círculos, tres pelos, escaleras que no van a ninguna parte e infinito.
Estos elementos recurrentes en su trayectoria, su "desfile de obsesiones" como él mismo definió, son mezcla de la mitología, antropología y sus propias vivencias, creando un estilo personal inconfundible.
Alrededor de la serie "L´oeil oiseau" que realizó en 1968 como ilustración del poema de su amigo Jacques Dupin y en la que el propio artista hizo resumen de su espectrario, la exposición muestra obras y cuadernos desde los años 30 hasta los setenta siguiendo la evolución de los fetiches hacia una depuración máxima.

13 de junio de 2001

HERACLION, BAJO EL MAR
Uno de los últimos y más importantes descubrimientos arqueológicos del mundo está solamente al alcance de los buceadores.
Cada vez es más evidente que la ciudad sumergida durante siglos es Heraclión, ciudad faraónica localizada cerca de Alejandría, hundida tras un gran seísmo. Una estela de granito negro rescatada de las profundidades, de alrededor de dos metros de altura y casi idéntica a la estela de Naukratis, del siglo IV antes de Cristo, con la inscripción "Heracleion-Thonis" permite según declaró el director del equipo arqueológico Frank Goddio:"identificar sin ninguna duda la ciudad de Heraclión".
El equipo descubrió también tres estatuas de granito rosa, una de Hapi, dios de las crecidas del egipcio río Nilo, otra de una diosa y la última de un faraón. Las tres fueron encontradas cerca de un santuario de granito rosa con inscripciones de la época ptolomeica erigido en honor del dios Amon.

El equipo de Goddio descubrió el año pasado en una misión arqueológica, a tan sólo seis metros de profundidad, los tesoros de esa ciudad sumergida. El ministro de Cultura Egipcio, Faruk Hosni, se comprometió públicamente a poner en marcha el Museo de Arqueología Submarina de Alejandría, rescatando el proyecto así del olvido.
El proyecto de la ciudad de Heraclión dispone ya de más de 2.500 piezas catalogadas, y tal vez sea uno de los tesoros que admirar cuando el prometido museo abra sus puertas al mar.

Esfinge

12 de junio de 2001

POP
Una de las exposiciones más visitadas en Paris está temporada es "Les années pop"; el centro Pompidou explora bajo todas sus formas el arte que dominó el periodo entre 1956 y 1968.
"Popular (concebido para un gran público), efímero (solución a corto plazo), consumible (fácilmente olvidado), barato (fabricado en serie), joven (destinado a los jóvenes), espiritual, erótico, fantasioso, glamouroso y lucrativo". Así es como el pintor Richard Hamilton definía en 1957 el arte pop.

El espíritu pop surge a mediados de los años 50 entre los miembros de un pequeño grupo británico, el Independent Group, que reúne a artistas como Hamilton, considerado el padre del pop, Eduardo Paolozzi y William Turnbull. A ellos se unen críticos de arte como Lawrence Alloway -fue él quien utilizó por primera vez la expresión "arte pop" en 1953- y los arquitectos Peter Smithson, John Voelcker y Theo Crosby. En EEUU, Jasper Johns y Robert Rauschenberg preparan el terreno.

Los organizadores de la muestra, que abarca tanto las artes plásticas como el diseño y la arquitectura, el cine, la moda y la música, se proponían traducir "la extraordinaria confluencia de búsquedas en los diferentes terrenos del arte y del espectáculo que marcó los años 50 y 60 y precedió a los movimientos contestatarios de finales de los 60".
Para el Pompidou, "los años pop" comienzan pues en 1956, con una muestra del Independent Group en la galería Whitechapel de Londres, "This is tomorrow" (Esto es el mañana), y terminan en 1968.
En opinión de algunos, se trata de un periodo demasiado amplio. La comisaria Catherine Grenier reconoce que "el gran periodo del pop puede situarse entre 1962 y 1964, pero lo cierto es que entre el momento en que los artistas crean sus obras y cuando el público las ve pasa un tiempo. La primera exposición de Warhol, por ejemplo, no fue en 1960 o 1961, sino en 1963 o 1964, y Warhol empezó a ser realmente conocido alrededor de 1967-1968. Además, la arquitectura y el diseño llevaban un poco de retraso respecto a las artes plásticas".

11 de junio de 2001

PINTURA AL DESNUDO
El Museo de Bellas Artes de Bilbao ofrece la exposición: "Pintura al desnudo. Picasso, Dubuffet, De Kooning, Bacon, Saura", en la que se analiza la reinterpretación y las visiones subjetivas que destacados artistas de la segunda mitad del siglo XX propusieron al público sobre uno de los géneros principales de la historia del arte: el desnudo.
El recorrido expositivo reúne una treintena de obras de estos autores, quienes, durante las décadas de los años cincuenta y sesenta se dedicaron con especial intensidad creativa al tema del desnudo en el límite entre la abstracción y la figuración, presidido por la libertad técnica y la exaltación de la pintura sobre la forma.

En el montaje se incluye la exhibición del tríptico "La tres Gracias" de Antonio Saura, incorporado a la colección del museo bilbaíno el pasado mes de marzo, en el que se muestra el particular lenguaje propio del creador aragonés, creado a través de la distorsión expresiva de la figura humana.

La muestra arranca con "Mujeres arreglándose" (1956) de Picasso, en la que dos figuras femeninas remiten tanto al cubismo como al clasicismo. De Willem de Kooning, iniciador del movimiento action painting, se ofrece un destacado conjunto de obras que muestran los dos temas fundamentales de la exposición: el cuerpo femenino y el paisaje, a través de los cuales se aprecia la evolución del lenguaje expresionista. El informalismo de Jean Dubuffet aborda la figura femenina de forma monográfica en su serie "Cuerpos de damas" (1950), mientras que la presencia por primera vez en España de "Desnudo" (1960) de Bacon, remite a la tradición pictórica española y concretamente en este caso, a la de Francisco de Goya.

De forma paralela, la institución ofrece la exposición monográfica "Antonio Saura. Damas", que reúne 37 obras sobre papel realizadas por el artista entre 1956 y 1984, todas ellas centradas en la figura femenina como elemento plástico esencial. Óleo, rotulador, tinta china, collage y, sobre todo, técnicas mixtas, son algunos de los materiales y procedimientos utilizados en estas obras.

7 de junio de 2001

STIEGLITZ
La muestra "La fotografía de Alfred Stieglitz. El legado de Georgia O´Keeffe" reúne 110 fotografías del fotógrafo, editor y galerista americano Alfred Stieglitz (1864-1946), pertenecientes a las colecciones de la George Eastman House de Nueva York.
A lo largo de las primeras décadas del siglo XX, Alfred Stieglitz se convirtió en una de las personalidades más influyentes del mundo del arte y la fotografía de Estados Unidos. Durante más de 40 años trabajó como escritor y editor, como empresario y como fotógrafo, todo ello con una doble motivación: conseguir que la fotografía fuese reconocida dentro de las Bellas Artes, y promover el carácter único y la sensibilidad del arte estadounidense.
Las fotografías, en su mayoria, proceden de su archivo personal. Entre ellas, del periodo entre 1890 y 1935, destacan sus primeros trabajos en Europa, sus luminosos paisajes del Lago George, los rascacielos de Nueva York y varios retratos, especialmente los de su esposa, Georgia O’Keeffe.
Tanto en su obra escrita como en sus trabajos fotográficos, la figura de Stieglitz puede equipararse con las principales corrientes de la etapa histórica en la que transcurrió su vida. Su vida y su trabajo supieron reflejar el entusiasta empuje de la era moderna por acabar con prácticas y líneas de pensamiento anticuadas con el fin de crear un vocabulario contemporáneo de lo “nuevo” basado en el realismo cotidiano, y acompañado por la innovación en los temas y en las técnicas.

6 de junio de 2001

Casa Galvez
ESPACIOS
La mayor exposición retrospectiva realizada hasta ahora sobre la obra del arquitecto mejicano Luis Barragán está en la muestra que le dedica el Design Museum de Londres.
La puesta en escena incluye planos, maquetas, bocetos y fotografías no sólo de sus trabajos más conocidos y admirados (su casa, su estudio en la calle Ramírez, el desarrollo urbano de El Pedregal, etc.), sino también de sus proyectos no realizados.
La exposición analiza, también, su interpretación de la arquitectura, su método de trabajo, su concepción de los espacios exteriores, su visión de la ciudad moderna, sus soluciones a los problemas de las grandes urbes; estudia, incluso, las cualidades metafísicas y emotivas del quehacer de Barragán a través de la exploración del sutil uso de los colores, del agua, de la luz y los sonidos.

4 de junio de 2001

APADRINANDO MOMIAS
La labor de mecenazgo de obras de arte toma un nuevo sentido con esta iniciativa del Museo de El Cairo. Por unos 50 dólares (unas 10.000 pesetas), se puede apadrinar el cadáver embalsamado de un mono, una serpiente o un ibis sagrado de los tiempos del antiguo Egipto. El padrino recibirá un diploma oficial del museo en el que se detalla la historia y el significado del animal elegido, así como una fotografía de la momia.
Con este dinero la momia podrá cumplir el fin para el que fue embalsamada, la vida eterna, gracias a los cuidados a los que será sometida por expertos arqueólogos.
El portal de Internet es parte de un ambicioso proyecto del Museo Egipcio y el departamento de egiptología de la Universidad Americana de El Cairo (AUC), que persigue preservar de la destrucción a los miles de animales momificados encontrados bajo las arenas del desierto.

3 de junio de 2001

ESCULTURAS QUE ASUSTAN
Una escultura en madera del artista transilvano Mirca Roman está causando terror entre los vecinos de Rainville Court (Londres). La figura de este hombre-barca recuerda a la del conde Drácula levantándose de su ataúd. Los vecinos dicen que desde que han puesto la estatua los perros ya no quieren salir a la calle, los pajaros han abandonado la zona, y los niños tienen pesadillas por la noche.