31 de mayo de 2001

CALDER y EL CIRCO
Este artista-mecánico manejó el hierro, el aluminio y el cobre como nadie lo había hecho antes, desafiando el equilibrio y creando así una nueva escultura. Dotado de una sólida formación de ingeniero, Calder abandonó muy pronto esta carrera para estudiar pintura, y comenzó a ganarse la vida dibujando para revistas y periódicos.

Como muchos americanos inquietos de su generación, marchó a París en 1926. Allí conoció a Miró que se convirtió en un fiel amigo, con el que comentaba sus últimos experimentos artísticos. Una costumbre que mantuvieron a lo largo de su vida, enviándose cartas y fotografías de sus respectivas obras.
En la capital francesa fue donde Calder inició su gran labor como escultor. Realizó entonces una serie de animales hechos con madera y alambre; pero después de recibir el impacto de la obra geométrica de Mondrian, empezó a crear formas abstractas para concebir sus primeras esculturas cinéticas, bautizadas por Marcel Duchamp con el nombre de «móviles». Unas obras innovadoras, integradas por elementos abstractos pintados con colores primarios.
Estas obras, junto con sus primeros stabiles (nombre acuñado por Hans Arp) se expusieron en París en 1931. Dos años más tarde el MOMA de Nueva York adquirió una escultura suya. Era el inicio de una carrera brillante, que situaría a Calder entre los grandes creadores del siglo XX.
Calder y Miró se interesaron siempre por el circo, aunque esta afición tuvo una incidencia mayor en la obra del artista norteamericano. Se sentía fascinado por la compleja ingeniería de poleas, cables y tensores, y por el movimiento de los acróbatas.
Su pasión fue tan fuerte que él mismo construyó su propio circo en miniatura, el famoso Circo de Calder. Creó así una serie de payasos, animales y equilibristas con los que él mismo ofrecía representaciones.

30 de mayo de 2001

ALGUNAS COSAS
Hoy enlaces tipo "cajón de sastre".

Una reflexión en video sobre los espacios artísticos y el cine.
Una revista de moda, diseño innovador, buenas fotos y un curioso banner solidario de Diesel.
La web de una editorial especializada en arquitectura, arte y diseño. Podria comprarme todas sus publicaciones.

29 de mayo de 2001

NARRATIVA DE CONTRIBUCION
Contingencias Narrativas es una obra interactiva que no sigue una narrativa lineal y que permite a los participantes contribuir a la evolución de una historia a partir de la alteración provocada al transgredir el concepto de representación estructurada bajo un solo punto de vista.
La autora, Sharon Daniel, es de los artistas que al usar bases de datos para crear composiciones narrativas basadas en la lógica de los sistemas de comunicación emergentes, investigan la creación de correspondencias y la determinación de yuxtaposiciones entre imágenes y textos.
En su web podemos encontrar varias obras que siguen estas directrices, como el proyecto The Archivist -que formó parte del simposium Los Archivos de Creación organizado por el CNRS (Centro Nacional francés de Ciencia e Investigación) y por la Sorbonne de París. En la misma línea, encontramos Subtract the sky, un proyecto de investigación concebido como una pieza de arte público que relaciona proyectos de investigación científica y tecnológica a través de las interfaces interactivas de la red. Estas interfaces permiten que el público pueda acceder a las bases de datos del Observatorio Keck de la NASA (Astronomía), de la Asociación Nacional Oceanográfica y Atmosférica (Geografía) y del Proyecto del Genoma Humano (Biología). Los usuarios pueden manipular imágenes, sonidos y textos, acceder a una variedad de búsquedas en sus base de datos y añadir información en ellas.
Explica que: "Subtract the Sky amplia el contexto de arte público permitiendo que tanto individuos como comunidades desarrollen su expresión estética, intelectual y política a través del entorno colaborativo de la red. También trata de la producción alternativa de visiones y sugiere procesos alternativos de territorialización".

28 de mayo de 2001

EL GRECO
Podriamos denominar estos días como "la primavera del Greco", ya que se le están dedicando dos relevantes muestras en Nueva York y Viena.
En el Kunsthistorisches Museum de Viena se recupera la figura del pintor en una magnífica exposición antológica, la primera de estas características que se celebra en suelo centroeuropeo. Se han seleccionado las mejores obras de su etapa griega, italiana y, por supuesto, española.
Sus inicios en España vienen marcados por su obra La Trinidad (1577-1579) y El caballero de la mano en el pecho (1578-1580), ambos procedentes del Museo del Prado.
Las obras San Francisco o Santa Madalena reflejan su etapa intermedia seguida de una época final que arranca con el Retablo de María de Aragón, del cual El Prado ha prestado La Anunciación.
Entre las obras maestras de su última etapa presentes en la muestra figuran el Laoconte o el retrato de Fray Hortensio Félix Paravicino (1609), procedente del museo de Boston.
Una de las grandes novedades de esta exposición es uno de los cuadros más pequeños y que se titula La Crucifixión, comprado hace dos años por el Museo Getty y hasta ahora jamás visto en Europa.

Cabe destacar que muchas de la obras expuestas en el Kunsthistorisches Museum de Viena proceden de EEUU, país que después de España posee la mayor colección de El Greco. Esto se debe a que importantes familias compraron durante los años 20 y 30, época en la que en EEUU se despertó un gran interés por la pintura europea, muchas obras a conventos toledanos y a la familia del pintor Ignacio Zuloaga.

Y es precisamente en EEUU donde se están exponiendo los siete grecos que ha seleccionado Jonathan Brown para la colección Frick.
Se trata de tres san Jerónimo y de cuatro versiones de "Purificación del templo", una de la cuales procede de la iglesia madrileña de San Ginés. Dos temas, siete lienzos, reunidos por primera vez y sobre los que no cuesta nada construir las teorías artísticas que, muchos siglos después, llevaron al expresionismo, el cubismo y la abstracción.
Como explicaba el viernes Roberta Smith en el New York Times, el Greco fue el primer pintor occidental excéntrico y solitario, un camino vanguardista que luego siguieron Van Gogh, Ensor, Soutine y tantos otros. Esta soledad es patente en el rostro duro de san Jerónimo, vestido de cardenal, que el Greco pintó cinco veces. Tres de estos cinco cuadros están en la exposición de la Colección Frick.
El Greco repetía los temas por encargo (necesitaba el dinero) pero también porque los iconos bizantinos que pintaba en Creta, donde nació en 1541, no sólo eran representaciones artísticas, sino imágenes divinas.
Los 40 años que hay entre el primer san Jerónimo y el último expuestos en Nueva York, así como entre la primera y la última "Purificación del templo" -tema que servía muy bien a la Contrarreforma-, demuestran cómo el Greco arrastra, toda su vida, la expresividad y la abstracción del arte bizantino.
Aun cuando está en Venecia, aprendiendo de Tiziano, Tintoretto y Genovese, o en Roma, de Miguel Ángel y Rafael, no pierde sus raíces, que, precisamente, acabarán marcando su estilo, el que florece en Toledo, donde se instala en 1577 y muere en 1614. Ningún otro pintor de su época bebió de tantas fuentes culturales.

27 de mayo de 2001

Bienal de Berlín de Arte Contemporáneo
Mientras que la primera Bienal de Berlín (1998) se concentró en a ciudad de Berlín misma, tanto con respecto al tema como a los participantes, esta segunda edición aparece mucha más abierta, más internacional, con obras de 49 artistas procedentes de 31 países.
En la información de prensa se dice: "Saskia Bos (comisaria de la muestra) se orienta en conceptos clave como connectedness, commitment y contribution (interconexión, compromiso, contribución), que indican un alejamiento de las posiciones autoreferenciales y egocéntricas en el arte. Contrariamente a intenciones de los años 60 y 70, no se trata aquí de cambios sociales generales, sino "relaciones de uno a uno, de pequeñas utopías realizables".
A los artistas participantes "les es más importante relacionarse con algo, que expresar algo". Además varios de ellos se refieren en forma crítica o humorística al sistema artístico y al mercado de arte."

22 de mayo de 2001

ART+COM
Es un grupo interdisciplinar creado en 1988, en Berlín, con la intención de promover la cooperación entre la ciencia, el diseño y la educación.
ART+COM se ha establecido como un centro de unión de nuevas ideas y nuevas tecnologías, en el que especialistas de las artes, la ciencia y la industria se reúnen para combinar sus ideas y objetivos. En su web se pueden consultar todos los proyectos realizados por el grupo. Destacables son sus trabajos para la Expo de Hannover del pasado año, como por ejemplo EXPO TerraVision ( del espacio a la Expo, un viaje virtualmente real ) y Bodymover ( jugando a ser/parecer una interface ).

21 de mayo de 2001

TM
Además de significar trade mark, TM son las iniciales de Trina Mould, "miembro hipotético" de irational.org. Sus trabajos cuestionan las estrategias comerciales y las paradojas que plantea el copyright, los derechos de autor, la apropiación de datos y la noción de original y de copia. Las obras de Trina Mould no están documentadas; es decir, que no se puede acceder a ellas directamente desde un enlace indicado en la página principal, ya que la autora concibe este tipo de navegación como algo especialmente caduco. La forma más directa de llegar a alguna parte es a través de caminos desviados, hojeando y explorando los sites afiliados a su espacio. Concretamente uno de ellos, titulado PDF -Personal Data Fairy- cuestiona explícitamente el sentido de la acumulación y catalogación de la información a través de exhaustivos cuestionarios totalmente absurdos que deberá rellenar el usuario.

20 de mayo de 2001

Cyberatlas/Guggenheim
Es un proyecto del Guggenheim Virtual Museum y del Guggenheim Magazine, diseñado y comisariado por Jon Ippolito. Su principal objetivo es explorar terra incognita; o lo que es lo mismo, coleccionar una serie de mapas del ciberespacio, centrándose especialmente en espacios relacionados con las artes visuales y la cultura.
Los mapas de Ciberatlas te transportan de inmediato al espacio de la red que hayas elegido.
La web consta de cuatro mapas temáticos: en ELECTRIC SKY, trazado por Jon Ippolito, brillan las estrellas del firmamento online; en INTELLIGENT LIFE, Laura Trippi sigue la pista de la "red neural" que conecta la biología, la tecnología y la cultura; en DIGITAL TECHTONICS Tim Druckrey dibuja la escurridiza pendiente de un paisaje del ciberespacio. Finalmente encontramos el mapa de EXTENSION, diseñado por los creadores de adaweb, que expone una red de asociaciones entre sus espacios favoritos de net-art; a su vez, EXTENSION está organizada en varias categorías: project (proyectos específicos de net.art), hub (multiples proyectos de diferentes artistas y con diversos contenidos temáticos), institution (espacios de instituciones artísticas) y reading room (textos teóricos sobre arte).

17 de mayo de 2001

¿BAJO AGUA?
Un equipo de arqueólogos y antropológos investigan las muestras de pinturas rupestres que se hallaron a finales del mes de Abril en el río Guadiana. El estudio se debe hacer con rapidez pues los grabados quedarán cubiertos de agua una vez finalicen las obras de la presa de Alqueva. Esta construcción ha abierto la polémica, ya que el Gobierno portugués había encargado un estudio previo para investigar este tipo de yacimientos de los que ya se sospechaba de su existencia.

El proyecto de la construcción de la presa de Alqueva es polémico desde su presentación; obligará a la tala de casi 1.300.000 árboles en las 25.000 hectáreas que quedarán inundadas en la región del Alentejo, una zona especialmente necesitada de protección medioambiental.

16 de mayo de 2001

FISCHLI & WEISS
La obra de los suizos Peter Fischli y David Weiss, quienes comenzaron a colaborar como artistas en 1979 en su ciudad natal, es tan variopinta como intrigante. Irónicos pero sumamente ambiciosos, recurren a diversas armas expresivas, de la comedia más hilarante al tedio más soporífero, para delimitar serias cuestiones estéticas. Su trabajo, prototípicamente posmoderno, ha sido muy mimado por la crítica y por los museos internacionales.
Se ha dicho que su trabajo celebra las cualidades mágicas de la vida cotidiana; aunque llevan mucho más lejos la ya domesticada radicalidad del ready-made haciendo suyas algunas ideas de Andy Warhol (las cajas de detergente Brillo, la película Empire…). Frente a la espiritualidad que se considera propia de la obra de arte, y que los ready-made parecen adquirir en contextos artísticos, Fischli/Weiss reivindican la normalidad.
Como ejemplo de esto su popular película Der Lauf der Dinge (1985-87), cuyo título podría traducirse como El funcionamiento de las cosas. En este film parece querer probarse la relación entre causa y efecto mediante una sucesión de acontecimientos, originados por diversos objetos en el estudio de los artistas, enlazados en una humorística cadena de viñetas sin fin. El espectador contempla las más diversas cosas cayendo unas sobre otras, destruyéndose o incluso incendiándose, en una suerte de caos controlado y absurdo. Esta visión del tiempo se convierte en una metáfora tragicómica del funcionamiento del mundo, donde no hay equilibrio definitivo, y la energía se transforma siempre irreducible

15 de mayo de 2001

RECONSTRUCCION
El Coro Pétreo del Maestro Mateo en la Catedral de Santiago de Compostela; fue construido hacia el 1200 y derruido en 1603, y las piezas fueron aprovechadas en otras obras de la catedral, algunas adornando la Puerta Santa, o se conservan en el Museo Catedralicio. El coro estaba situado en algunos tramos de la nave central, cerca del altar mayor, y estaba formado por la sillería y el leedoiro, la tribuna desde la que se proclamaban las lecturas litúrgicas.
La ornamentación estaba realizada en grabado y escultura sobre piedra, con motivos zoomórficos y mitológicos, y figuras sedentes de profetas y otros personajes del Antiguo Testamento. La puerta del trascoro estaba decorada con una epifanía, en la que destaca el relieve con los caballos de los magos. Los adornos que coronaban los muros del coro estaban inspirados en las descripciones bíblicas de la Jerusalén celeste.

Este Coro formaba parte del proyecto de reconstrucción del antiguo y ruinoso templo prerrománico, que fue sustituido en el siglo XII por la gradiosa catedral compostelana que ha llegado a nuestros días. El coro fue derribado en 1603 y sustituido por uno barroco. La recuperación de las piezas ha constituido una labor minuciosa y difícil: algunas se encontraron en las excavaciones realizadas en 1978 en la escalinata del Obradoiro y en la Bucheria, otras se conservaban en museos, y otras en parroquias, e incluso en cruceiros.

La Fundación Pedro Barrié de la Maza ha ejercido una labor de mecenazgo para evitar que se perdieran las piezas, que habían permanecido en un lamentable estado de abandono. La labor de recolección e identificación de las piezas, así como de modelado de las sustituciones y reconstrucción de la estructura del Coro, ha costado más de una década.

10 de mayo de 2001

HORTUS CONCLUSUS
Breeze of AIR / Hortus Conclusus, es una co-produccion de Witte de With y AIR (Architecture International Rotterdam) que explora el significado del jardin cerrado (hortus conclusus) para la ciudad contemporánea.
AIR ve el jardin cerrado como el instrumento apropiado para el relax y la contemplación. Estos valores son importantes en un desarrollo urbano contemporáneo en el que la gente busca, cada vez más, zonas verdes y de descanso dentro del complejo tejido urbano.
En este proyecto nueve diseñadores y artistas visuales trabajan en la idea de un jardin en la ciudad, en este caso la ciudad de Rotterdam, a partir de otros tantos espacios verdes de la ciudad; a través de sus dibujos y montajes reflexionan sobre el concepto del hortus conclusus.

Zeger Reyers muestra esculturas de setas creciendo en un sotano; Elmgreen y Dragset muestran sus dibujos para la construcción de un pabellon en un jardin de rosas local; Dennis Adams reproduce una zona urbana de Rotterdam, degradada por la prostitución, como un zona de juegos; Teresita Fernández diseña un resplandeciente oasis; Fiona Raby y Anthony Dunne crean una habitacion que hace visible la radiacion.

9 de mayo de 2001

RENZO PIANO
Un premio más para Renzo Piano. Esta vez se ha convertido en el primer arquitecto merecedor del Premio Wexner que se otorga a la excelencia en artes creativas. El Premio Wexner, promovido por la Universidad de Colombia, se entrega como reconocimiento a toda una carrera artística.
Uno de sus proyectos más alabados es la construcción del Centro Cultural Jean Marie Tjibaou en Nouméa (Nueva Caledonia). Es un espectacular conjunto de diez casas distribuidas en tres grupos. Este museo es un homenaje a los canacos, primeros habitantes de la isla. Según los canacos la casa es la máxima expresión de su cultura, es el origen de la vida, la identidad de la familia y del pueblo. Sus construcciones de madera y hojas son un concepto sociológico y político esencial.
La tradición oral (no poseen escritura) y sus construcciones, en estrecha relación con la tierra y la vegetación, son toda su cultura.
Piano ha logrado recrear el concepto de la casa grande, símbolo de la autoridad local y eje de la vida social. Para él "la arquitectura es como una segunda naturaleza. Debe preocuparse por comprenderla, respetar la fauna y la flora, explorar la luz y el aire. La relación entre la naturaleza en las construcciones debe ser tan estrecha que deben transpirar juntas los mismos olores, respirar el mismo viento".
El arquitecto italiano diseñó diez casas uniendo metal y madera en el esqueleto, conjugando las técnicas del futuro, como el laminado, con las del pasado, como la madera acajou. Se distribuyen a partir de una espina dorsal que conecta a todos los edificios y les da coherencia. Las casas tienen forma circular como las primitivas casas canacas.
La aparente sencillez de los edificios es simplemente eso, aparente. Los puntos de apoyo para sostener la casas y las láminas de madera se han realizado gracias al ordenador y complejas técnicas arquitectónicas.
Para Renzo "la idea según la cual técnica y arte pertenecen a universos distintos y paralelos es una idea reciente, pero es una idea catastrófica". Ha demostrado que no hay tal contradicción ni tampoco conflicto con la naturaleza. La intervención arquitectónica no puede hacer abstracción de la historia, de la tradición, del contexto construido.
Une pasado y futuro, tecnología y arte, naturaleza y construcción.

8 de mayo de 2001

PALLADIUM
Francesco Clemente decoró en los años 80 la famosa discoteca Palladium....ahora se presenta una exposición con algunos de esos trabajos. El núcleo central de la exposición se articula a través de la panorámica de unos cuantos de estos frescos, los más significativos, tanto de grandes como de pequeñas dimensiones.
Aunque napolitano de nacimiento, Clemente se instaló definitivamente en Nueva York hace más de veinte años, donde se integró en la comunidad de artistas, que englobaba tanto a pintores, artistas de graffiti, músicos, cineastas, poetas y críticos. En esta época pintó retratos de muchos de ellos y colaboró con Andy Warhol y Jean Michel Basquiat en una serie de pinturas.
Francesco Clemente es un creador con una mirada personal que ha sabido incorporar a su imaginario creativo la cultura mediterránea, la estética neoyorkina y la de la India. Viajero incansable, Clemente se ha convertido en una figura fundamental de la segunda mitad del siglo XX. Su prolífica y rica creación abarca desde la pintura hasta la escultura pasando por los frescos, la ilustración y los dibujos.

7 de mayo de 2001

EL FESTIVAL DE HOY
Se ha celebrado estos días pasados el Festival de CyberArtes de Boston.
En la web del festival encontramos un interesante artículo de George Fifield titulado El Arte del Futuro/ El futuro del Arte en el que hace un repaso de lo que ha supuesto la integración de la tecnología y el arte en las últimas décadas.
En la Galeria tipología variada de Cyberarte: Webart, Text-Based, VRML, Performance y Sculpture and Images. Hay cosas curiosas...como el primer robot artista (AGGGGG!!!!!!) o el proyecto Bajo el Volcán de Remo Campopiano.

Hasta Octubre desaparecen de las tiendas mis preferidos...eso si, siempre están los que nunca se han ido.

4 de mayo de 2001

SICILIA
Con la exposición Un despertar sin imagen José Mª Sicilia ha vuelto al escenario galerístico de Barcelona tras seis años de ausencia. Presenta esta vez obra sobre papel y obra de gran formato realizada con ceras; ambas series se caracterizan por la implicación del tiempo en el proceso creativo.

El nombre de todas las obras es Sin título, una indefinición que en este caso parece totalmente pertinente porque la sugerencia de la exposición es el paso lento del tiempo creando distintas atmósferas.
Las obras realizadas con ceras han requerido la mínima intervención del artista, pero la máxima del tiempo. Algunas han necesitado hasta ocho meses de reposo horizontal antes que la amalgama de color, trementina y ceras se compactara. Estas obras son grandes formatos casi monocromos con pequeños toques de color y rugosidades fruto de la propia naturaleza de las ceras empleadas.
Y la obra sobre papel que Sicilia presenta en la exposición ha sido realizada colocando flores recogidas o compradas en París y prensándolas entre dos papeles; siguiendo un proceso de cuatro años de observación y comparación de flores de distinta especie o de la misma, pero recogidas en diferentes territorios.

A modo de diario, el artista incorpora en el catálogo de la exposición unos textos escritos por él que definen poéticamente sus objetivos artísticos y todos los factores externos que alimentan su trabajo.
Todas estas reflexiones forman otra de las partes del proceso artístico de Sicilia, que constata que el acto creativo es una manera de dar forma plástica a las sensaciones que percibe. "Procuro estar atento a lo que sucede a mi alrededor. Espero que la vida entre en el cuadro". De esta manera, su obra se presenta como una prolongación de su experiencia vital. "En el diálogo con la obra espero encontrarme a mí mismo, pero también a los que me han acompañado".

3 de mayo de 2001

NADA
Nada 0.0/0.2 es obra de Sergio Forés.
Nada es un proyecto artístico que se difunde a través de un CD-Rom y de Internet (estaba alojado en www.simulacro.net).
Nada es una obra de net.art con fuertes característica conceptuales en donde todo gira alrededor de la pregunta ¿Se produce el fenómeno de la información cuando recibimos datos?.

La actitud de este proyecto es primero criticar la sobreinformación en la que vivimos y segundo aportar soluciones creativas a esto, es decir, reinventar la información y reciclarla.

"Tras abandonar la pintura como actividad principal, empiezo a crear simplemente con la mirada. Me siento y veo como lo que me rodea viene hacia mi e interactúa conmigo. Siento los efectos que producen las cosas y no tanto cómo son esas cosas en sí mismas. Es por esto que enseguida me siento involucrado en la cultura digital. Internet es un basto campo simbólico donde nada es lo que parece y donde la mirada juega un papel decisivo".
Dedica un año a recopilar información de Internet y en Febrero de 1999 surge Nada 0.0, un CD-Rom-container repleto de "objets trouvés". Registro de sus primeros encuentros con la denominada "sociedad de la información".
"El nombre no tiene demasiada importancia, simplemente, cuando trato de racionalizar y atrapar lo que estoy haciendo es la primera palabra que me viene a la cabeza. El 0.0 es un guiño a los programas informáticos que siempre están sacando nuevas versiones mejoradas de sus programas... Nada siempre está cambiando y encuentra la inspiración siempre en el presente".

2 de mayo de 2001

COMPROMISO
El colectivo Group Public Projects es un grupo fundado en 1990 por Quim Serrano y Antonio Selvaggi que se define como un colectivo artístico social. Ellos han adoptado una postura artística que se enclava dentro del activismo social y político; es decir, se interesan por una serie de aspectos políticos del arte, renegando expresamente de su carácter decorativo y autoreferencial.
Sus propuestas parten de la denuncia -cultural y socio-política- para intentar restablecer la función social del arte.
Algunos de estos creadores, se auto catalogan como "artistas comprometidos" y otros, como Fred Forest, denominan a su práctica "Arte sociológico"; se trata de aplicar criterios estéticos a situaciones sociales, utilizar "lo social" como soporte para el ejercicio de la creatividad, el humor y la participación.
En cualquier caso, se trata de personas que no pretenden ser simplemente individuos creativos que hacen objetos de arte; sino que están interesadas en la no separación entre los intereses políticos y sociales y los intereses artísticos.

1 de mayo de 2001

MEDITACIONES
Mandala, es una palabra sánscrita que significa círculo, o más estrictamente, círculo mágico.
Se representan como dibujos que pueden ser realizados tanto en papel o tela, como con arena de colores. En algunas ocasiones también se realizan volumétricamente (con bronce o arcilla).
Los mandalas se utilizan en complejos rituales de diferentes culturas y regiones orientales, en el hinduismo, el tantrismo, el budismo, el lamaísmo tibetano, etc. Su principal objetivo es fomentar la concentración de la energía en un solo punto durante la meditación.
Al parecer los mandalas más impresionantes son los que surgen directamente de la imaginación sin que exista un pensamiento o propósito preconcebido. Se utilizan para restablecer el orden perdido con anterioridad y especialmente con un propósito creador, dar a la luz algo nuevo que no existía antes.
El proceso de creación de un mandala con arena es un trabajo muy laborioso y detallista. En este tipo de mandala los granos de arena de colores se disponen sobre un modelo previamente dibujado; una vez terminado, el mandala es destruido como símbolo de lo efímero del mundo material.