19 de diciembre de 2001

CERRADO POR VACACIONES
Memorabilis vuelve a partir de la segunda semana de Enero. Felices vacaciones.

18 de diciembre de 2001

K.O. DIGITAL
Paul Pfeiffer (Honolulu, 1964) es una de las últimas revelaciones del arte digital; y es también el último becado del Whitney Museum of American Art de Nueva York.
Este artista, de origen filipino y afincado en Nueva York, cautivó en febrero de 2000 con su montaje en el P.S.1, dentro de la exposición “Greater New York: New Art in New York now”, en el que la pelota de baloncesto de Michael Jordan era presentada como icono contemporáneo, como nuevo ídolo de masas.
Desde entonces su participación en la selección de artistas norteamericanos de la última generación es constante, recibiendo el Buscksbaum Award como reconocimiento a sus propuestas en la bienal del Whitney de ese mismo año. Dentro de los escogidos por Harald Szeeman para su Platea dell´umanitá de la 49º Bienal de Venecia, presenta en la institución que le dio el gran espaldarazo, y por primera vez en solitario, dos de sus piezas más recientes.

Él mismo se declara cercano al espíritu de warholiano de crítica a la sociedad de consumo y del imaginario hollywoodiense, transplantado a una de las obsesiones del americano medio del nuevo milenio, el deporte y sus estrellas. Pero en su caso, el modo de apropiación se basa contrariamente en la desaparición del motivo. En los montajes de Pfeiffer únicamente se recoge el escenario, haciendo invisible el fetiche.
Por medio de la manipulación de imágenes televisivas, en un caso de tres combates de Muhammad Ali en The Long Count y el otro de la victoria de los Chicago Bulls en la NBA de 1996 en Race Riot, ni los boxeadores ni los jugadores de baloncesto aparecen. En su lugar una ausencia fantasmagórica, de algo que se sabe que debe estar, porque se encuentra en el subconsciente del hombre actual, pero que es imposible de ver. Lo que queda son flashes de fotógrafos y público enfervorizado... ¿enardecido por qué? Realmente por nada.

Un tratamiento técnico mínimo, como de andar por casa, todo realizado a una escala pequeña (la pantalla, la duración del video) opuesto a la grandilocuencia de los espectáculos actuales, pero que esconde un gran proceso reflexivo.
Este proceso de elipsis en la narración que ya utilizo en la instalación Self-Portrait as a Fountain, en la que se reconstruía la escena de la ducha de Psicosis, con los ruidos y movimientos del film pero sin ninguna víctima, o sus fotos de Marilyn Monroe pero sin el sex-symbol, pone nuevamente el acento en la falta, en la ausencia, en la carencia espiritual existente en el mundo de hoy, y que sin embargo la memoria colectiva e histórica se encarga de llenar. El lugar en el que la ausencia se vuelve presencia, es donde se explica la propuesta digital de Paul Pfeiffer.

17 de diciembre de 2001

BOLAS DE NIEVE
Viviendo estos días tan gélido invierno me he acordado del trabajo de un artista inglés, Andy Goldsworthy que lleva creando bolas de nieve enormes desde 1977. Crea las bolas en un sitio bien frio y después las transporta y las deposita durante la noche en el centro de Londres. La expectación provocada en vecinos y transeuntes es considerable, pasados los días las bolas se van derritiendo y dejan ver algunos secretos, estructuras formadas por lana de oveja, plumas de cuervos, semillas de castaño, bayas de saúco, cebada, metal, alambre de púas...

Goldsworthy pertenece a la corriente del land art en la que los espacios naturales y los paisajes alterados industrialmente se convierten en material de creación artística. La mayoría de sus trabajos artísticos son fotografiados y esta es la manera en que se conservan, ya que sus esculturas monumentales, en las que utiliza los más diversos materiales como arena, hielo, hojas y troncos, son efímeras.

14 de diciembre de 2001

LATERNA MAGIKA
La Linterna Mágica de Praga presentó ayer su nueva puesta en escena, "Graffiti", que trata de la llamada realidad virtual.
El espectáculo reune en la escena las proyecciones de imagen cinematográfica o electrónica con acciones en vivo de teatro y ballet y música de Peter Gabriel, Philip Glass, Wim Mertens, Michael Nyman y otros tantos compositores de actualidad.

Graffiti, es el nuevo espectáculo del reconocido autor de escenografías y fundador, hace 43 años, de la Linterna Mágica, Josef Svoboda (1920), que permite que la imagen fílmica llene el espacio del escenario sin utilizar pantallas de proyección.
El tema de esta nueva representación es la atractiva y peligrosa realidad virtual; el director artístico Josef Svoboda piensa que el hombre del siglo XXI vivirá entre dos espacios, el real y el virtual.
La obra advierte ante el hecho de que la realidad virtual, que ayuda a esclarecer y conocer lo secretos del mundo y la naturaleza, implica el peligro de llevar finalmente al hombre a una ignorancia gradual y de causar la destrucción de la realidad.

La puesta en escena de mayor éxito de la compañia, "El Circo Encantado", figura en el repertorio de la Linterna Mágica desde hace 24 años; en este espectáculo los personajes (payasos, bailarinas, domadores de fieras...) traspasan continúamente la frontera entre la realidad y la ficción delante de los asombrados ojos del espectador. El milagro es posible gracias a una gran pantalla de cine en la que aparecen campos de flores, cielos llenos de nubes, temibles leones o un circo atiborrado de publico. La aventura comienza delante de la pantalla pero puede pasar a formar parte de la gran pantalla sin que apenas nos hayamos dado cuenta.

13 de diciembre de 2001

ONE-SHOT-PAINTINGS
Philip Guston (Montreal, 1913-Woodstock, 1980) entró en contacto con la vanguardia americana cuando fue expulsado del Otis Art Institute junto a Jackson Pollock, con quien visitó a José Clemente Orozco en Los Ángeles para verle finalizar su fresco Prometeo.
Los dos jóvenes quedaron impactados y en 1934 Guston viajó a México y consigió que otro gran muralista, David Alfaro Siqueiros, le recomendara para pintar junto a Reuben Kadish un mural para el Palacio de Maximiliano en Morelia.

Durante los años 30, 40 y 50 Guston trabaja en Nueva York, ciudad que se convierte en la nueva capital mundial del arte y ve florecer el expresionismo abstracto al que se vincula, aunque sin perder la influencia del muralismo mexicano ni su admiración por el quattrocento.
A finales de los 60 su obra vuelve a la figuración y en 1970 expone sus nuevos trabajos en la Marlborough Gallery, provocando una fuerte reacción entre críticos y artistas, en un tiempo en el que el enfrentamiento entre abstracción y figuración había tomado una serie de connotaciones sociales, culturales y políticas, según las cuales la figuración aparecía como superada y retrógrada.
Guston muestra entonces su entusiasmo por los cómics y afirma que la pintura es "impura", en contra de la pintura radical y otras posiciones puristas de la abstracción.

A esta última etapa de la obra de Guston, que coincide con su retiro en Woodstock, pertenecen las pinturas que podemos ver en la exposición del IVAM, son obras realizadas de un solo golpe, "de un solo aliento" y sin imprimación. One-Shot-Paintings (Pinturas de un solo aliento) es un término utilizado por Guston para denominar algunos cuadros realizados en un golpe de inspiración, rápidamente y sin retoques. Una serie de imágenes insólitas que solían venirle a la mente justo al despertar, por la mañana, como un sueño. Guston corría entonces al estudio para plasmar la imagen en el lienzo antes de que ésta se desvaneciera.

12 de diciembre de 2001

¿QUIEN ES MARTIN CREED?
Alguien que vacia una habitación y diseña una iluminación intermitente, que se enciende y se apaga cada cinco segundos.
Alguien que consigue que un jurado formado por sesudos especialistas en arte moderno le nombre como mejor artista joven del año 2001 en Gran Bretaña.
Alguien que es 28.000 dólares más rico.
Alguien que dice "el arte no tiene nada que ver con el dinero, el arte está relacionado con el amor".
Alguien que utiliza normalmente materiales de la vida cotidiana para sus instalaciones conceptuales y se inspira en la necesidad de crear "cosas".
Alguien conocido por su obra Work#88, hecha con hojas de papel DIN A-4 convertida en bolas de ese material. Una de las bolas de papel fue vendida por una suma superior a 3.000 dólares. Martin Creed emprendió entonces la creación de toda una serie y envió cerca de 150 bolas a diferentes espacios galerísticos británicos. Algunas bolas de papel fueron directas a la papelera.

Martin Creed, ganador del premio Turner 2001.

Este mismo premio Turner (J.M.W. Turner se debe estar revolviendo en la tumba cada vez que le nombran para este tema del premio) recayó en 1995 en unos pedazos de carne de vaca en formol; en 1998 premió las pinturas de Chris Ofili con excrementos de elefante; y en 1999, la cama desecha de Tracey Emin, con condones usados y ropa sucia.

Martin Creed. Lights going on and off in a gallery
Martin Creed, Lights going on and off in a gallery (every 30 seconds), 1995, electrical time switch

11 de diciembre de 2001

SUIZA MEDIEVAL
Siguiendo con el intento de conocer algo más de la cultura medieval europea nos encontramos con dos pintores suizos semidesconocidos que vivieron en la tardía Edad Media, Urs Graf y Hans Fries.

Se exponen en el Kunstmuseum de Basilea muchos de los dibujos de Urs Graf, artista nacido hacia 1485, al que por su mala vida se considera el Caravaggio suizo.
Cuando no estaba en la cárcel purgando algún delito violento o alguna acción inmoral, Graf se encontraba en el campo de batalla peleando contra otros ejércitos.
Algunos de sus dibujos más conocidos muestran a prostitutas cojas, a golfos que se pavonean...un mundo lleno de pobres y desgraciados. Pero está también el Graf de los motivos religiosos, que recuerda en cierto modo a un Hans Baldung-Grien o a un Grünewald, mucho más pintores que Graf, que era sobre todo un enorme dibujante. El primer aguafuerte que se conoce, datado en 1513, fue de este artista suizo, quien lo imprimió con planchas de hierro. En la Fundación Lazaro Galdiano, en Madrid, encontramos uno de sus libros ilustrados, la Pasion, de 1506.

Su compatriota Hans Fries, de Friburgo, se cree que vio la luz entre 1460 y 1465. Hijo de un panadero, Fries se convirtió en pintor oficial de su ciudad natal, aunque también trabajó en las ciudades vecinas de Basilea y Berna.
La combinación en sus composiciones extremadamente ricas y complejas de un colorido vivo y precioso, que evoca el esmalte con una gran fuerza expresiva en la representación de los rostros, de líneas dinámicas y detalles hiperrealistas inspiró a los representantes del expresionismo y del nuevo realismo en el siglo XX.
Rostros patibularios, mártires en medio de las llamas, verdugos a punto de segar alguna cabeza, por un lado, y delicados rostros femeninos en sus representaciones de la Virgen manifiestan la maestria de este artista.

Una historia de trasfondo religioso relaciona a ambos artistas: en 1507 en un convento de dominicanos de Berna, una Virgen llora sangre. Poco convencida del supuesto milagro, la Iglesia llama a un pintor como experto: se trata de Hans Fries, que afirma que se trata de una superchería.
Los dominicanos culpables acabarán en la hoguera y lo ocurrido será recogido en un libro ilustrado con grabados de Urs Graf.

O.T. Recomendar para momentos "kit-kat" los puzzles del Museo de Arte de Basilea.

10 de diciembre de 2001

RIO BRANCO, FOTÓGRAFO DE LA VIDA
El Palacete del Embarcadero de Santander acoge una nueva exposición individual, en este caso de un artista de origen canario que vive afincado en Brasil: Miguel Rio Branco. Miguel Rio Branco pertenece a una joven generación de creadores brasileños que han contribuido a que espacios geográficos que habitualmente han sido receptores de otras culturas, hayan trascendido sus propias fronteras para introducirse en el discurso internacional.

Es una selección de diez fotografías, cibachromes en su totalidad; son obras que sido realizadas entre 1993 y 1999, de modo que la muestra nos ofrece la evolución del fotógrafo brasileño a lo largo de los noventa. Durante este periodo su trayectoria se mueve entre presupuestos conceptuales, en unas imágenes en las que aparecen objetos que articulan verdaderos catálogos de la realidad en forma de naturalezas muertas. Las fotografías presentan formatos cuadrados que componen dípticos, a modo de fotogramas de películas, bien dispuestos de manera horizontal –como el "Díptico del Infierno", "Cristo" y "Bzzz"– o bien en vertical –como ocurre con "Frisson l´Herisson"–. También podrá contemplarse el tríptico "Horse´s mirror", realizado entre 1994 y 1999.
Son imágenes destacan por los contrastes lumínicos y la poética utilización de una gama oscura en la que predominan las tonalidades saturadas de ocres y tierras.
En algunas fotografías Rio Branco introduce figuras inspiradas en la iconografía barroca, como el retrato de "Toque de maldad", los seres atormentados del "Díptico del Infierno" o la talla de un "Cristo" crucificado, a veces relacionados con distintos objetos en la otra parte del díptico.
En ocasiones, sus imágenes adquieren una entonación más crítica, como sucede en "TV", donde una serie de cráneos en fila parecen contemplar el foco de luz que sale de una lámpara, o en "Concentration camp", imagen que presenta en un primerísimo plano los alambres de un viejo colchón, a través de los cuales aparece un paisaje difuminado.

En todos sus trabajos Rio Branco juega con el mundo de las apariencias, retratando escenarios elaborados previamente donde nada es lo que parece; su obra está repleta de sucesos reales, de metáforas, de juegos ambiguos, donde se conjuga una mirada hiperbólica y barroca con la austeridad y minimalismo, partiendo temática y conceptualmente de los aspectos más ocultos y arcaicos de la sociedad brasileña más marginal.

5 de diciembre de 2001

SÓLO PARA TUS OJOS, SÓLO PARA LA RED
El MOMA de Nueva York, debido a sus obras de ampliación en Long Island, ha decidido hacer una exposición que sólo podrá verse en internet. Presenta ciento veinte obras de los artistas del grupo Die Brücke (Dresde, 1905), que pueden consultarse agrupadas en ocho temas (la ciudad, retratos, influencias exóticas, temas cristianos, el cabaret, desnudos, retratos y conexiones literarias).

Die Brücke, en castellano, "El Puente", fue el movimiento artístico que marcó el comienzo del arte moderno en Alemania. Su nombre simbolizaba el puente de intereses comunes que les unía así como su conexión con el futuro.
Fue fundado en Dresde en 1905 por un grupo de artistas expresionistas alemanes; algunos de sus miembros fueron Ernst Ludwig Kirchner, en cuyo estudio solía reunirse todo el grupo regularmente, y sus amigos Erich Heckel, Fritz Bleyl, Karl Schmidt-Rottluff y, más tarde, Emil Nolde y Max Pechstein. Eran cuatro estudiantes de arquitectura, nacidos en familias burguesas y sin formación académica pictórica, que deciden luchar y romper radicalmente con el arte anterior. Desarrollaron un intenso trabajo en equipo, aprendiendo unos de otros, criticando sus propias obras e interpretando las de sus compañeros. Esto explica la homogeneidad estética que llegaron a alcanzar.

Anunciaron su creación, como grupo, a la comunidad artística alemana, en un manifiesto redactado y grabado en madera por el propio Kirchner: Con la fe en la evolución, en una generación nueva tanto de creadores como de gozadores de arte, convocamos a toda la juventud y, como juventud portadora del futuro, deseamos procurarnos libertad de brazos y de vida frente a las fuerzas bien establecidas y más viejas. Está con nosotros todo el que refleja, directamente y sin falsearlo, aquello que le impulsa a crear.
La vida del grupo estuvo marcada por las nuevas tendencias filosóficas que imperaban en aquél momento en el ambiente intelectual alemán.

Las obras de todos ellos estaban marcadas por la visión satírica de la burguesía y el fuerte deseo por representar las emociones subjetivas. Propugnaban la libertad e independencia absolutas, lo que se reflejaba no sólo en su estilo, sino también en su temática.
Sus propias inquietudes les llevaron a fijarse en otros movimientos de vanguardia que afloraban en distintos países europeos. Hay cierta afinidad entre el estilo desarrollado por el grupo y la pintura de los Fauves. Fue también muy decisiva la influencia del arte primitivo, que conocieron estudiando la escultura africana y oceánica en el Museo Etnológico de Dresde, lo que se tradujo en un estilo de formas endurecidas con contornos esquinados.

A partir de 1912 y 1913 el estilo de cada uno de los artistas se hace más individual, perdiendo la uniformidad de grupo propia de los trabajos de Dresde. Esto debilitó la unión, que se hizo patente cuando Kirchner realizó en el año 1913 la Crónica anual de Die Brücke provocando la oposición y rechazo de sus miembros, que acordaron finalmente su disolución.

4 de diciembre de 2001

CHAGALL, BÍBLICO
Partiendo de un único hilo conductor, el tema bíblico, la exposición “Chagall: el mensaje bíblico (1931-1983)” es una muestra que reunirá a partir de enero, un significativo conjunto de 86 obras de técnicas diversas.
El tema bíblico, uno de los más representados por Marc Chagall (Vitesbsk, 1887-Saint Paul de Vence, 1985) a lo largo de su trayectoria artística, es el núcleo de esta muestra, que hará posible ver en Gerona la obra de uno de los creadores más singulares del siglo XX.

Podrán contemplarse 23 óleos (sobre tela, papel, cartón o contraplacado), 35 pinturas y dibujos sobre papel -donde se incluye la serie “The Story of Exodus”-, dos esculturas (un bronce y un bajorrelieve en mármol), tres obras de cerámica, un tapiz de lana, una serie de 12 grabados para la Biblia y la serie de 10 litografías para “Verve”.
Las piezas que forman parte de esta muestra son mayoritariamente escenas del Antiguo Testamento (“La creación del hombre”, “La lucha de Jacob y el ángel”, “La travesía del Mar Rojo”...), aunque también encontramos algunas del Nuevo Testamento (“El hijo pródigo”, “El descenso de la cruz”...).

Chagall trató en sus creaciones temas muy diferentes, pero el conjunto de su obra no puede entenderse sin enmarcarla dentro de la tradición judía de la Rusia ortodoxa de su ciudad natal. La Biblia y la historia del pueblo judío son temas que el artista trabajó hasta el final de su vida. El autor empezó a transmitir, ya en sus primeros trabajos, este sentimiento por las cosas sagradas.
Considerado uno de los mejores coloristas del siglo XX, la pintura de Chagall representa en toda su plenitud, mediante el cromatismo rico y brillante, lleno de amarillos, naranjas, verdes, azules, rojos y violetas, la riqueza y la complejidad que caracterizan la naturaleza.
El creador no se dejó seducir por las teorías y no se dejó influenciar tampoco por ninguno de los movimientos artísticos de su época. Siempre siguiendo su propio camino, Chagall no dejó nunca de pintar temas religiosos, temas que dejaron de ser centro de atención de muchos artistas de su época.

3 de diciembre de 2001

HOCKNEY, POLÉMICO
David Hockney ha querido descubrir cómo los artistas del pasado lograban representar el mundo que les rodeaba con tanta precisión y viveza. Como pintor constantemente enfrentado a problemas técnicos similares, se preguntaba cómo debían solucionarlos los grandes maestros.

Durante dos años sacrificó el tiempo empleado en su propia creación artística para tomar la senda del misterio y seguir con verdadera obsesión todos aquellos indicios que le llevaran a descubrir los secretos ocultos de los artistas antiguos. A medida que empezaban a divulgarse esas investigaciones, sus espectaculares resultados pasaron a ser noticia en los medios de comunicación, y el tema apareció en titulares de prensa y fue objeto de un debate internacional entre renombrados artistas, historiadores del arte y directores de museo.

En el libro "El conocimiento secreto" explica cómo fue desmontando una por una las pruebas visuales y científicas que le iban aportando nuevas revelaciones sobre el pasado. Aprovechando su experiencia como pintor, examina las obras más insignes de la historia del arte y revela que artistas como Caravaggio, Velázquez, Van Eyck, Holbein, Leonardo e Ingres utilizaban espejos y lentes para crear sus famosas obras maestras.
El libro reproduce cientos de pinturas y dibujos, entre los cuales aparecen las obras más conocidas y amadas de la historia del arte occidental, junto con las correspondientes descripciones entusiastas y contagiosas del autor. Sus propias fotografías y dibujos ilustran los distintos métodos que en el pasado empleaban los artistas para captar los retratos más precisos, y presenta el resultado final al que solían llegar.

"El conocimiento secreto" no trata sólo de las técnicas perdidas de los grandes maestros. También trata del presente y del futuro. Nos habla de cómo vemos, arreglamos y construimos imágenes hoy en día en una época de manipulación informática. A través de una búsqueda constante, cuestionando las ideas y la práctica heredadas, y sin dar nada por supuesto, Hockney nos abre los ojos y nos hace ser concientes de la manera en que percibimos y nos representamos el mundo.

Pero este libro ha supuesto una gran polémica en el mundo del arte, 25 eruditos discutieron recientemente las ideas de Hockney: el Instituto para las Humanidades la Escuela de Leyes de la Universidad de Nueva York abría sesión pública para examinar las «herejías» o los «hallazgos» del pintor a quien dejó escamado la exposición de dibujos de Ingres presentada en la National Gallery de Londres en 1999.
A un pintor dotado y cotizado como Hockney le pareció sospechoso que dibujos tan extraordinarios pudieran haber sido hechos a cuerpo gentil, a ojo y sin ayuda, y empezó a experimentar: primero con una cámara clara (pequeño prisma de vidrio que proyecta difusas imágenes sobre el papel, pero que permite trazar los principales rasgos) y luego con la cámara oscura.

30 de noviembre de 2001

OSCAR DOMINGUEZ, SURREALISMO EN ESTADO PURO
Una exposición reúne en Madrid 62 obras del pintor Oscar Domínguez (1926-1957), un intento más de recuperar la versátil obra de un autor "perdido". Domínguez fue uno de los máximos representantes españoles del Surrealismo junto con Salvador Dalí y Joan Miró. Su obra, abierta a múltiples influencias, tiene conexiones directas, que van más allá de la mera imitación, con la de Pablo Picasso, Salvador Dalí y Victor Brauner.
A partir de 1929, se estableció definitivamente en París, ciudad a la que había acudido anteriormente en varias y breves estancias por negocios familiares. En 1933 es cuando realiza su primera exposición surrealista en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife. Al año siguiente, estableció contacto con André Breton, incorporándose al grupo de los surrealistas hasta su alejamiento en 1948, cuando Breton dejó de incluirle en las muestras del grupo; permaneció, sin embargo, siempre fiel a su amistad con el poeta Paul Éluard.

Creación suya fueron las Decalcomanías o Calcomanías, que André Breton y Paul Éluard definieron en su Dictionnaire abrégé du surréalisme (Diccionario abreviado del surrealismo) como sigue: "Decalcomanía (sin objeto preconcebido o decalcomanía del deseo) - Extended, mediante un pincel grueso, gouache negro más o menos diluido en distintos puntos de una hoja de papel satinado blanco, que recubriréis inmediatamente con otra igual, sobre la que ejerceréis una ligera presión. Levantadla deprisa (procedimiento descubierto por Óscar Domínguez en 1936)".
Ese mismo año el artista inició el proceso de realización de otras en las que se servía de plantillas y que limitaban más la interpretación libre del espectador, a las que llamó "decalcomanías automáticas de interpretación premeditada".

En su producción tuvieron también gran importancia los objetos de funcionamiento simbólico, de los que tantos realizara Dalí, y que combinaban funcionamiento mecánico y representación de los deseos eróticos reprimidos.
A mediados de los 40, tras su ruptura con el grupo de Bretón, le unió una gran amistad con Picasso, quien le influyó notablemente tanto en la temática como en el aspecto formal de sus cuadros. Ilustrador de numerosas publicaciones de la época, publicó, en 1947, su libro de versos Les deux qui se croisent (Los dos que se miran).
Convertido en el paradigma de la bohemia artística parisina, llevó una vida llena de excesos que le condujo irremediablemente al suicidio la nochevieja de 1957.

29 de noviembre de 2001

DESENTERRANDO EL PASADO
Ya hemos hablado anteriormente de las trabajos de excavación, que con motivo de la futura construcción de un parking, se están lllevando a cabo en la Plaza del Castillo de Pamplona (gracias a la webcam del enlace se pueden observar dichos trabajos). Esta misma semana han aparecido más de cien cadáveres humanos de época medieval, son esqueletos de adultos y de niños, muchos de ellos perfectamente conservados, hallados a lo largo de más de 50 tumbas fechadas entre los siglos XI al XVI.

Fueron localizados en los terrenos que entre los siglos XI y XVI estuvieron ocupados por un convento dominico, derribado después para construir el castillo de Fernando el Católico. El motivo de que los cadáveres aparezcan enterrados en un convento es la costumbre medieval de inhumar los restos en terreno sagrado, es decir, en ermitas, iglesias y demás edificios religiosos.
Según los primeros datos, los cadáveres, por su alineación en un pasillo delimitado por dos muros, podrían haber sido enterrados en un atrio abierto hacia un patio interior del convento.

"Hay tumbas perfectamente conservadas, con sus losas intactas, pero otras están rotas o alteradas, bien por haber sido destruidas al demoler el convento, bien porque fueron reutilizadas para introducir nuevos cadáveres. De hecho, se ven tumbas que están asentados sobre la losa de otra inferior", señalaron los arqueólogos.
Entre los cadáveres desenterrados destaca la presencia de varios restos de niños: "Hay bastantes, ya que la mortandad infantil en la época era bastante elevada. También destaca el número de mujeres para tratarse de la necrópolis de un convento. Al estar asentado cerca de una población, parece ser que la gente era enterrada aquí".
Los cadáveres aparecen desprovistos de objetos decorativos: "Se trata de un convento, y los monjes eran de vida austera, y prácticamente todas las tumbas comparten esa austeridad. Aunque si que ha aparecido alguna moneda e incluso conchas de peregrinos. Pamplona era paso del Camino de Santiago, y en aquellos años mucha gente moría en el recorrido".

Entre las decenas de cadáveres desenterrados llama la atención uno que conserva toda la osamenta, y cuya pierna aparece torcida para permitir la presencia de una piedra perfectamente redonda: "La piedra es un bolaño que se utilizaba para ser lanzado por una catapulta. No sabemos si la piedra ya estaba cuando lo enterraron, o si la colocaron a propósito a la hora de enterrar al cadáver. Quizás esté en relación con una dedicación militar del difunto".

28 de noviembre de 2001

DIQUE DE GAMAZO
El Dique de Gamazo, situado en la zona de San Martín de Bajamar, en Santander, ha sido declarado Bien de Interés Cultural, con categoría de monumento.
El dique se encuentra en el puerto santanderino, en un terreno ganado al mar entre la península de San Martín, las Peñas de Dos Hermanas y la actual bocana de la Dársena de Moldeno, adosado a la parrilla del varadero.
Su construcción, entre 1884 y 1908, constituyó un reto para la ingeniería de la época por los múltiples problemas técnicos que se tuvieron que afrontar: filtraciones de agua del mar, de corrientes subterráneas y de vertidos residuales urbanos, con las consiguientes grietas y derrumbamientos, que provocaron la bancarrota del empresario adjudicatario, Lorenzo Ballesteros. Por ello, los trabajos se interrumpieron en 1892 y se reanudaron, con una nueva subvención del Ministerio, en 1902.

La puesta en funcionamiento del dique reactivó la economía en el puerto de Santander, llegándose a construir una media de diez o doce barcos al año hasta su declive en los años setenta y su posterior cierre a finales de los años ochenta.

27 de noviembre de 2001

MONET, INFLUENCIANDO
Las obras de Monet se vieron eclipsadas en los inicios del siglo XX por la labor de Cézanne, Dégas, Van Gogh o Gauguin de quienes los jóvenes más vanguardistas se consideraban herederos; no era uno de los nombres que aclamaba el mundo del arte. Y así continuó hasta la década de los cincuenta, en el que el grupo estadounidense por excelencia redescubrió las propuestas del último Monet.
Rothko, Motherwell, De Kooning y el resto de expresionistas abstractos se vieron influidos por lo que se ha llamado la “capilla Sixtina del siglo XX”: las ninfeas de la Orangerie.

En 1927 se instaló permanentemente en esta galería parisina, el último trabajo del artista, elaborado durante 12 años, y que hasta el fin de la Segunda Guerra Mundial y el nacimiento de la Escuela de Nueva York, permaneció olvidado, al igual que los grandes apuntes guardados en Giverny.
Veintidós lienzos horizontales y de gran tamaño en el que se captaba la luz, el agua, sus reflejos, la atmósfera del jardín japonés de esta propiedad al norte de París. Un lugar realizado a medida por Monet y en el que capturó casi de una forma obsesiva su naturaleza más amada.
Los colores de estos paneles, su innovadora perspectiva y la fuerza de las pinceladas, los convierten en la base para el desarrollo de la pintura expresionista primero y la abstracción lírica después.

La trayectoria de Monet en el siglo XX ha tomado una nueva relevancia, poniéndose a la altura de un Cézanne, y siendo apreciado indiscutiblemente tanto por los más clásicos como por los más vanguardistas.
El Hypo-Kunsthalle de Munich reúne en estos momentos gran parte de estas obras que han marcado la influencia de Monet; destacan "Le bassin aux nymphéas" de la Fondation Beyeler, confrontándolas con 50 trabajos de los maestros del último siglo: Pollock, Rothko, Joan Mitchell, Barnett Newman, Clyfford Still, Beauford Delaney, Hans Hoffmann, Andre Masson, Joseph Marioni, Kenneth Noland, Gerhard Richter, Jerry Zeniuk y el proyecto creado expresamente para la ocasión por Byron Kim, entre otros.

23 de noviembre de 2001

CULTURA TIPOGRÁFICA EN LA ERA DIGITAL
Un proyecto excelente que viene a reivindicar el indispensable papel de la cultura tipográfica; el objetivo principal de tipógrafos.com es participar en el desarrollo de una nueva cultura digital.
Esta iniciativa quiere establecer plataformas teóricas y de investigación ante las nuevas tecnologías que van a cambiar el soporte impreso.

Tiene casi todo lo que se puede pedir: una tipoteca en donde se analizan algunos tipos (Univers, Ibarra, Garamond) y sus creadores, una biblioteca que contiene reseñas muy completas de los libros "imprescindibles", información sobre exposiciones, un aula sobre tipografía, muy recomendable (no perderse las Tipofichas de Miguel Ochando) y una sección sobre tipógrafos y diseñadores en la que se analizan y muestran sus trabajos (recomendables las entrevistas a Vasava y Typerware).

21 de noviembre de 2001

SECUNDARIO
Dentro del movimiento renacentista italiano Macrino de Alba fue uno de esos pintores secundarios cuya obra a menudo ha pasado desapercibida; ahora en su tierra natal se muestra su obra en una extensa exposición.

Pinturicchio, uno de los maestros renacentistas, fue el punto de referencia en el que se apoyó Macrino de Alba para desarrollar su obra. Su taller en Roma fue donde adquirió, en un breve estancia hacia 1492, algunos rasgos estilísticos que delatan sus orígenes y dan sentido a un universo expresivo al que luego supo superponer una personal estética.

La vida de Macrino de Alba es un misterio, tanto su nombre, que algunos expertos identifican con el de Gian Giacomo de Alladio; se cree que abandonó Roma en 1493 camino de su Piamonte natal.
Es entonces cuando forma parte del séquito del obispo de Alba, Andrea Novelli, y de Benvenuto Biandarte di San Giorgio, enviados a Roma por Bonifacio IV Paleologo, para homenajear al nuevo papa Alejandro VI.

A medio camino entre los siglos XV y XVI, Macrino de Alba dejó su impronta en tierras piamontesas con una serie de pinturas, casi siempre sobre soporte de tabla, en las que los temas religiosos conviven pacíficamente con los argumentos de inspiración laica.
Entre estos últimos destaca el retrato de Anna de Alencon, un busto en el que se produce un sorprendente momento de cercanía al Leonardo de la célebre Gioconda.
Y entre los temas religiosos se encuentran Vírgenes procedentes de Turín y Fráncfort, la Madonna amantando al Niño de Milán o un peculiar Portal de Belén con San Juan Bautista y San Jerónimo.

Para completar el recorrido se exhiben también una selección de obras que ilustran el contexto pictórico del marquesado de Casale entre los dos siglos en los que vivió el pintor.

20 de noviembre de 2001

BANALIDADES EXTRAORDINARIAS
La retrospectiva de William Eggleston en la Fundación Cartier de París muestra el inicio de las fotos en color como medio expresivo.

Eggleston, que desde 1960 recoge la influencia del blanco y negro de Walker Evans y Henri Cartier-Bresson, es una de las figuras que llevó a cabo la liberalización de las reglas periodísticas y estrictas de esta técnica.
Con su obra se ganó la subjetividad del punto de vista del fotógrafo. Los paisajes del campo norteamericano y el medio campesino en un primer momento, y escenas de todo el mundo a lo largo de su carrera, son captados con una belleza lírica sólo posible por la elección y tratamiento del propio artífice.

Las instantáneas que reflejaban el mundo rural del norte de Mississippi, escenas cotidianas transmitidas a todo color, fueron una gran novedad en la escena artística de años 70; era una de las primeras veces que las imágenes captadas por una cámara y tratadas con una gama de tonos extremos y contrastados se presentaban como obra artística en un museo, y no como noticia o testimonio documental. Su presencia convulsionó el mundo del arte, que veía en la coloración y en la banalidad de los temas una manifestación vulgar, pero que sin embargo abrió el camino a la fotografía contemporánea.

La Fundación Cartier reúne alrededor de 150 piezas, desde sus primeros trabajos hasta una serie realizada ex profeso para esta muestra, con El Cairo como protagonista.

La explicación de la subjetividad de las instantáneas de Eggleston radica en su composición y tratamiento posterior. A pesar de la aparente ingenuidad del encuadre, que recuerda en principio a una fotografía de un álbum familiar o de una excursión al campo, la perspectiva está completamente estudiada, colocando el objetivo como un ente que sobrevuela la escena, posición que el propio artista compara con “la del vuelo rápido de un insecto”. Punto de vista que después se ve resaltado con la acentuación de las gamas cromáticas. Colores saturados y opuestos entre ellos que remarcan las líneas de fuga y crean un mundo aparente normal a primera vista, pero metafórico gracias a las técnicas artísticas.

19 de noviembre de 2001

TORSO DE ORO
Hace algo más de dos meses comenzaron las excavaciones arqueológicas en el Palacio de Mayoralgo (Cáceres), fue entonces cuando los obreros que trabajan en la rehabilitación del edificio como nueva sede de Caja Extremadura se toparon al cavar en el patio para instalar una grúa con unos restos romanos, una construcción de tipo hidráulico que podría ser un canal o una fuente.

A partir de ahí se siguió excavando, y ahora ha aparecido un torso romano de bronce recubierto con oro, junto a una pared de tipo monumental, a unos tres metros de profundidad. También se han sacado a la luz varios muros romanos y una construcción que probablemente sea una terma.

El torso es un hallazgo único en la Península Ibérica, pues hasta la fecha tan sólo se habían encontrado algunos similares en Italia y el norte de África; data del siglo I después de Cristo y representa a una divinidad o a un emperador, estaba ubicado en un lugar público e insertado en una edificación, y está roto intencionadamente.

15 de noviembre de 2001

TIERRA DE NADIE
La exposición del momento en Londres es “Mark Wallinger. No man´s land” en la Whitechapel Art Gallery.
Mark Wallinger es uno de los nombres que están más de actualidad en el panorama británico; desde principios de los años noventa ha estado nominado para varios premios a nivel nacional y en 1999 ocupa, siendo el primer artista en hacerlo, el basamento vacio de Trafalgar Square, y también ha sido el protagonista del pabellón del Reino Unido en la última Bienal de Venecia.
Un currículum fulgurante que esconde tras sus provocativas propuestas una reflexión de la evolución de la cultura occidental.

En “Tierra de nadie” se reúnen varias de sus últimas instalaciones: una incursión en la mitología y el cristianismo, el espacio y el tiempo, que muestran un hombre que transita entre el cielo y el infierno convertidos en escenarios de la vida real. Un aeropuerto, una estación de metro y una silla eléctrica se presentan como metáforas de los anhelos espirituales de nuestra sociedad.

Las salas se transforman en extraños e inquietantes mundos en los que la apariencia y la ambigüedad trastocan los iconos de la cultura inglesa, su tema primordial durante estos últimos 15 años (Ascot y las carreras de caballos, las obras de Wilde, la imagen de Cristo, etc.).
Nada de lo que se ve, es realmente lo que parece, en un constante juego de relecturas y cuestionamiento de la percepción.
En sus propias palabras: “Gran parte de mis trabajos recientes tratan de la añoranza espiritual opuesta a la vida diaria”.

Con fuentes bíblicas, mitológicas y literarias, acompañadas de composiciones musicales clásicas, sus videos, esculturas y fotografías, innovan dentro del campo de las instalaciones, trasladando al espectador desde la oscuridad a la luz o hasta si mismo, como muestran las tres piezas claves de la muestra: Prometheus (1999) en la que uno es tanto verdugo como víctima de una ejecución; Threshold to the Kingdom (2000) vídeo a cámara lenta en el que los pasajeros de un avión traspasan, como almas que entran en el cielo, las puertas de llegadas internacionales del London City Airport y Time and relative distance in space (2001), donde la cabina telefónica que permitía al protagonista de la serie televisiva “Dr. Who” viajar a diferentes planetas y tiempos, se convierte en una caja reflectante en la que no se puede entrar, y que únicamente muestra el reflejo de la persona que se acerca, o lo que es lo mismo, ningún camino a otro lugar.

Prometheus
GUERÍN
Que el Premio Nacional de Cine otorgado a José Luis Guerín es algo más que justo lo sabemos todos los que hemos visto alguna de sus películas. Ayer, el mismo, decia que lo importante de las películas es que establezcan un pacto con el espectador; y eso es precisamente lo que denotan sus trabajos, un algo más que te llevas una vez que sales del cine.
No se trata sólo de lo que sus películas tienen de experimentación, que también, pero hay algo más, eso que hace que los críticos califiquen de poemas visuales sus trabajos.

A falta de ver su última película "En construcción" (espero ansiosamente su estreno en el Espacio Guerín del Festival de Cine de Gijón) mi favorita es "Innisfree" un documental sobre la estancia de John Ford en ese pueblo irlandés mientras rodaba "El hombre tranquilo".

14 de noviembre de 2001

CELEBRACIONES
En Google celebran hoy el nacimiento de Claude Monet. Es "curioso" que con la búsqueda monet's+birthday los enlaces se refieran casi unanimemente a tarjetas de felicitación de cumpleaños e incluso hay referencias a un libro de recetas de cocina y a diseño de jardines a lo Monet.

Para celebrar con honores el cumpleaños de Monet se puede conocer más a fondo su biografía, los jardines de Giverny donde pintó algunas de sus mejores obras, conocer sus técnicas y el apenas conocido Museo Marmottan.

13 de noviembre de 2001

UN PASEO HASTA BILBAO
Hay muchas razones que me llevan a dar un paseo hasta Bilbao; una de ellas puede ser la monográfica de Frank Gehry en el Guggenheim y otra la nueva etapa del Museo de Bellas Artes (reconociendo este último como mi favorito, aunque sin desmerecer al guggie eh?).

Se ha acometido recientemente la rehabilitación de los dos edificios que componen el museo -el edificio antiguo, de 1945, y el moderno, de 1972-, la ampliación de la superficie expositiva y de la superficie dedicada a servicios al visitante, la construcción de nuevos accesos, de un nuevo auditorio, así como un plan de accesibilidad para las personas discapacitadas.

De entre la variada oferta del museo destacaria “Mujeres impresionistas. La otra mirada” donde se reúnen obras de cuatro pintoras -Mary Cassatt (1845-1926), Marie Bracquemond (1841-1916), Berthe Morisot (1841-1895) y Eva Gonzàles (1849-1893)-, quienes durante la segunda mitad del siglo XIX participaron activamente en las exposiciones del grupo impresionista.
A partir de la obra de Cassatt “Mujer sentada con un niño en sus brazos”, perteneciente a la colección del Museo de Bellas Artes de Bilbao, el recorrido organiza temáticamente 70 trabajos que permiten valorar la contribución de estas cuatro pintoras al proceso de innovación técnica y estilística emprendido por el impresionismo.

12 de noviembre de 2001

MÁS LUZ
Chema Alvargonzález presenta en Berlín su última obra, un original conjunto compuesto de palabras rojas y luces azules, con el que queda iluminada una de las fachadas de la emblemática Embajada Suiza.
El artista explicó que Mehr Licht (Más luz) es el nombre de esta obra que adorna la delegación suiza.

”Más luz” fueron las últimas palabras de Goethe antes de morir; frase que está inscrita en grandes letras rojas sobre la fachada, de forma que, de día resalta el mensaje verbal y por la noche, el luminoso.
Las luces azules, que cambian de intensidad según el punto desde donde se contemplen gracias a un sistema de lentes, decoran una fachada con ventanas ciegas de un ala truncada de la Embajada Suiza.
Este edificio fue el único que quedó en pie en la explanada de delante del Reichstag tras los bombardeos de la II Guerra Mundial. El Gobierno suizo mantuvo el edificio durante la época de la división de Berlín, y tras la unificación reinstaló allí su embajada.

8 de noviembre de 2001

AGATHA CHRISTIE
Con el título “Agatha Christie and Archaeology: Mystery in Mesopotamia” el Museo Británico propone una fascinante mirada sobre una de las escritoras más famosas del siglo XX, que fue también arqueóloga aficionada.

Ideada por Charlotte Trümpler, comisaria de arqueología clásica en el RuhrlandMuseum de Essen, la muestra nos explica el interés de esta singular mujer por la arqueología, los yacimientos en los que trabajó, y la repercusión que tuvo esa experiencia en su trabajo literario y en su vida, ya que fue en el yacimiento de Ur dónde conoció al joven arqueólogo Max Mallowan, quien se convertiría en su marido.

De sus vivencias en el mundo de las antiguas civilizaciones surgieron, además de una serie de fotografías originales y filmaciones caseras, varias de sus más famosas novelas y un libro de memorias.

Junto a estos objetos, la muestra incluye planos arqueológicos, cerámicas y piezas de marfil restauradas por la escritora, un vagón original del mítico Orient Express o una de las armas empleadas en “Asesinato en Mesopotamia”. La exposición se acompaña de un catálogo profusamente ilustrado, conferencias y un programa de las películas que se han realizado sobre sus novelas.

7 de noviembre de 2001

MOSAICOS
Un mosaico del siglo IV descubierto accidentalmente por trabajadores de la construcción en el suroeste de Inglaterra ha resultado ser uno de los principales hallazgos romanos de época reciente.
Fue hallado por los obreros que construían la entrada de un edificio de oficinas cerca de Ilminster en el condado suroccidental de Somerset.
El mosaico de 1.640 años de antigüedad y de diez metros de largo por 2 de ancho, es el décimo en tamaño descubierto en Gran Bretaña. Se cree que el mosaico formaba parte del piso de una habitación o de un patio interior de una mansión erigida durante la época de la dominación romana en las islas británicas.
Representa la imagen de un delfín y carece de los ornamentos geométricos de otros hallados en el Suroeste de Inglaterra.
Los arqueólogos proyectan enterrar de nuevo el mosaico para conservarlo durante el invierno, y comenzarán a trabajar de nuevo en él durante la primavera.

6 de noviembre de 2001

GOMBRICH, IN MEMORIAM
Gombrich ha sido uno de los más reconocidos historiadores de arte de nuestro tiempo; sus obras,a las que recurrirán frecuentemente las próximas generaciones, son un gran ejemplo de una vida dedicada al estudio y a la investigación de los caminos del arte.

Obituarios de Gombrich en El Pais, The Times, The Guardian; y más en The Gombrich Archive.

5 de noviembre de 2001

RETRATOS
El Museo Thyssen-Bornemisza presenta hoy en Madrid una nueva exposición de la serie “Contextos de la Colección Permanente”, que en esta ocasión gira en torno a la obra del artista austriaco Oskar Kokoschka (1886-1980); en concreto, un conjunto de retratos psicológicos que realizó entre 1909 y 1914, cuando trabajaba en Viena, Suiza y Berlín bajo la protección del arquitecto Adolf Loos.

La muestra reúne un total de 11 cuadros que representan un conjunto muy significativo del particular estilo que Kokoschka desarrolla ya en su etapa de juventud y, sobre todo, de su novedosa concepción del retrato y de la maestría que alcanzó en la plasmación de la figura humana.
En este grupo de retratos se ponen de manifiesto las principales características de su arte: su gran expresividad, el uso de una paleta de colores muy restringida, así como su inconfundible trazo violento.
El artista centró la atención en la captación de los sentimientos del modelo en detrimento del parecido físico, una de las más importantes aportaciones de Kokoschka al retrato moderno.
Con una pincelada fluida y alargada, el pintor insiste particularmente en las manos y en el rostro, donde vuelca toda su expresividad. El aire introspectivo de los personajes y la ausencia de elementos que definan su status social o su ocupación son, por otra parte, un fiel reflejo de lo que el artista pretendía.

El núcleo de la exposición lo constituye el “Triple retrato de los hermanos Schmidt”, lienzo que fue recortado en tres partes en los años 50. Una de ellas -Hugo Schmidt- se da por desaparecida; la parte central -el “Retrato de Max Schmidt”- se conserva en la colección permanente del museo Thyssen; y la tercera -“Carl Leo Schmidt”- pertenece a la colección Carmen Thyssen-Bornemisza. Los hermanos Schmidt, Hugo, Leo y Max, eran propietarios de una floreciente empresa de muebles y decoración de interiores establecida en Viena y Budapest, y mantenían también una estrecha relación profesional y de amistad con Adolf Loos; seguramente a través de él encargaron este triple retrato a su protegido Oskar Kokoschka.

Junto a los dos únicos fragmentos que se conservan, el itinerario de la muestra permitirá también ver, entre otros, los retratos de su mentor, Adolf Loos, y de su compañera, Bessie Bruce; del matrimonio Victorie y Joseph de Montesquiou Fezensac; del aristócrata italiano Conte Verona; o el retrato de quien fuera compañera del artista, Lotte Franzos.

30 de octubre de 2001

ARCHIVOS
Los fondos bibliográficos del Archive Small Press & Communication son los protagonistas de la exposición que, bajo el nombre Edición agotada, presenta en el Macba el archivo artístico más complejo creado durante los años setenta en Europa. Artistas de la talla de Joseph Beuys, Christian Boltanski o Ilja Kabakov son algunos de los protagonistas de esta muestra.

Libros de artistas, revistas y periódicos, posters, invitaciones, vídeos, fotografías, sellos, poesías u obras sonoras... son piezas que forman esta exposición; documentos que reflejan como a partir de la década de los sesenta se produce un intento de democratización y diseminación social de la obra de arte. El archivo está formado por más de 35.000 documentos realizados por artistas procedentes de diversas partes del mundo.

29 de octubre de 2001

VIAJES
Uno de los exponentes del land art de los setenta, Hamish Fulton lleva treinta años recorriendo el mundo, desde el condado de Kent hasta Australia, por los cinco continentes con una única filosofía: no walk, no work (no hay camino, no hay obra).

Un día, tres, siete... sólo o acompañado de su amigo Richard Long, la experiencia artística de este creador conceptual es una búsqueda de las fuentes de inspiración en la naturaleza, el lado más “salvaje” del mundo opuesto a la vida urbana. Cuando inicia sus viajes nunca falta su cámara fotográfica, con un filtro naranja que le permite acentuar los contrastes, y una libreta en la que apunta las sensaciones vividas.
Estas obras en sí mismas son trasladadas posteriormente a las salas expositivas por medio de la conjunción de texto e imagen.

Frases rotundas y concisas pintadas a gran tamaño y con formato muy claro, consiguen evocar por sí solas toda la experiencia de Fulton. Conceptos que nos trasladan a las más altas montañas, a los acantilados más escarpados o las laderas más verdes. Una palabra que se convierte en arte gracia al proceso reflexivo del que parte. Junto a ellas, las fotos, cuidadosamente seleccionadas y reveladas en un estudio de Londres, ilustran, nunca de manera independiente de los textos, el recorrido.

Estos días la Fundaçao Serralves (Oporto, Portugal) presenta, dentro del ciclo “Sobre, em, volta, dentro da paisagem” en su Museo de Arte Contemporáneo, la última aventura del británico. En 1989 presentó "From Atlantic shore to the Mediterranean shore”, ahora es a la inversa. Primero de Oporto hasta Santiago de Compostela y después hacia los Pirineos por la ruta jacobea, el trayecto se estructura desde el Atlántico hasta el Mediterráneo, “el camino en el que comienzan las montañas”, como indica el título de la exposición, “Hamish Fulton. The way to the mountains stars here”.

25 de octubre de 2001

ILUSTRACIONES POLÉMICAS
Casi 200 obras de pintura sobre papel de Eduardo Arroyo se exhiben en el Círculo de Arte de Barcelona en una exposición centrada en la ilustración del "Ulises" de James Joyce.
Arroyo aseguró en la presentación de la exposición que tiene una duradera fascinación por el autor dublinés y muy especialmente por su obra más conocida, dada la "extraordinaria cantidad de evocativas imágenes que rezuma el texto".
El pintor interpreta el texto literario en forma figurativa, haciendo repetido uso de la técnica del "collage" con una característica influencia de los surrealistas y de la estética pop. El "Ulises" nunca ha sido publicado en forma ilustrada, y tras mucho trabajo y esfuerzo para acabar este proyecto los herederos de Joyce anunciaron que no daban el permiso para ilustrar el libro alegando que Joyce había pedido que nunca se ilustrara.

Mientras los herederos del escritor irlandés no den su permiso, Círculo de Lectores ha tenido que lanzar su proyecto en dos volúmenes: uno con la novela, y otro, el "Ulises ilustrado", con los dibujos que debían complementarla acompañados por un texto de Julián Ríos que constituye un auténtico recorrido literario por la obra de Joyce.
Arroyo ha lamentado que "la relación entre la pintura y la literatura que tuvo mucha importancia hasta los años 50, ha ido poco a poco cayendo en desuso" y dijo esperar que la comunicación y el intercambio de ideas entre autores y artistas se recupere.

19 de octubre de 2001

RETROSPECTIVA
El Museo Hishhorn de Washington y el Art Institute de Chicago, han organizado la primera retrospectiva de Juan Muñoz que reúne casi 60 obras (esculturas, cuadros e instalaciones) producidas entre los años ochenta y el pasado 28 de agosto, fecha de su muerte.
La exposición del Hishhorn, cuenta con la obra “Conversation Piece”, formada por cinco figuras humanas, comprada por el museo en 1994 y que es una de las más populares del artista.
Se incluyen también esculturas de los años ochenta representando escaleras, balcones y barandillas, que, mediante los cambios de escala y la falta de contexto, desafían la percepción del espectador.

Otro tipo de obras presentes en este homenaje póstumo son las pinturas sobre fondo de color negro que representan interiores domésticos. También figuran en la muestra las instalaciones de su última etapa, con enanos, muñecos de ventrílocuo o figuras de sonrientes orientales como protagonistas.

17 de octubre de 2001

MUCHO CURRO, POCO TIEMPO
Asi que para los que "necesitan" su ración diaria de Arte pues dejo unos enlaces a algunas exposiciones.

Veinte artistas españoles de la Escuela de París, en la Fundación Pedro Barrié de la Maza
Cinquecento véneto. Pinturas del Ermitage, en el MNAC
Forma. El ideal clásico en el arte moderno en el Thyssen-Bornemisza

16 de octubre de 2001

VIDRIO ROMANO
Bajo el título “El vidrio romano en España. La revolución del vidrio soplado”, la Real Fábrica de La Granja acoge en Segovia una exposición compuesta por 60 piezas de vidrio de la antigüedad romana procedentes de distintos museos arqueológicos españoles, como los de Madrid, Cuenca, Segovia, Soria, Ibiza, Mérida y Zaragoza.

El objetivo de la muestra, según sus organizadores, es dar a conocer por primera vez de forma monográfica y didáctica la revolución industrial que supuso en el mundo del vidrio la invención de la caña de soplar, en el siglo I a.C.
Y es que, si bien en la época prerromana el vidrio se utilizó sólo como un objeto mágico-religioso, debido a su complejidad técnica, durante el imperio romano se enriqueció su funcionalidad, al formar parte del mundo de la cosmética, la medicina, el servicio de mesa, la iluminación, el adorno personal e incluso de la arquitectura, al poder ser utilizado también para el cerramiento de huecos o ventanas.

15 de octubre de 2001

ESCULTURA EN LA CIUDAD
El año pasado la ciudad de Chicago convocó un concurso que fue propuesto a tres artistas, entre los que se encontraba el escultor español Jaume Plensa, para construir una obra en un parque junto al Art Institute, en el centro de la ciudad. En abril del mismo año se falló el concurso en favor del artista español.
La noticia no se ha difundido hasta ahora porque primero era necesario corroborar la viabilidad de su proyecto, ya que se trata de una obra ambiciosa y muy compleja.

En este proyecto Plensa mezcla agua, luz y vidrio y su principal originalidad reside en la utilización de más de mil imágenes de ciudadanos de Chicago (que cambiarán cada cuatro o cinco años) transformadas en gárgolas que expulsan agua por la boca. El núcleo central de la obra será una gran superficie de agua de 77 metros de largo. En ambos extremos habrá dos torres de vidrio en cuyas caras internas se instalarán unas pantallas donde se proyectarán las imágenes de las gárgolas.
Este innovador proyecto estará conectado a Internet a tiempo real y los internautas podrán cambiar el color de la luz.
Con este proyecto el artista ha querido dar un paso adelante en el concepto de la obra pública. Se estima que la obra estará lista en otoño de 2003.

Plensa opina que falta aún mucho camino por recorrer en lo que a la escultura en espacios públicos se refiere; en cualquier caso, él contribuye no sólo con este ambicioso proyecto en los Estados Unidos, sino también con la escultura pública que inaugurará el 13 de noviembre en Jerusalén ante el monte Zion: una plataforma de madera de teka con un círculo de acero del que sale un rayo de luz que alcanza 2 kilómetros de alto, que se encenderá una vez por semana coincidiendo con el final del Sabath.

plensa

11 de octubre de 2001

JAPÓN
En la muestra "Facts of Life: Contemporary Japanese Art" se presenta estos días en la Hayward Gallery una retrospectiva del arte japonés más actual.
Japón evoca dos visiones aparentemente contrapuestas: la sociedad antigua de geishas, samuráis, estampas y templos, y la nación que se adaptó al capitalismo levantando un imperio técnico y económico en el último cuarto del siglo XX.
Dos realidades, la tradición y la tecnología que conviven en la mentalidad nipona y les hace percibir el mundo con una mezcla de melancolía y consumismo, en un país pequeño de grandes urbes y con problemas de superpoblación.
Y son estas dos visiones las que se transmiten claramente en esta muestra, una reunión de 26 artistas que totalmente vinculados a las nuevas tendencias emiten en su obra la importancia de la vida en la ciudades y su singular misticismo.
Alrededor de esta temática urbana son varias las claves predominantes en las distintas generaciones de creadores de este país: el happening, los experimentos con el sonido, la luz y los medios tecnológicos, la fotografía, y la sensibilidad ante el paso del tiempo ya sea melancólicamente o filosóficamente.
Realidades diarias y virtuales se entremezclan a lo largo de las generaciones presentes en la exposición, desde los años sesenta hasta hoy día.

9 de octubre de 2001

GIRASOLES
Según el periódico italiano Quadri e Sculture, el famoso cuadro de Van Gogh comprado en 1987 por la empresa japonesa Yasuda Fire and Marine Insurance Company sería falso.
El cuadro le costó a la empresa 37 millones de dólares, lo que constituyó un auténtico record en aquellos tiempos del boom del arte. Sin embargo, un portavoz de la National Gallery ha dicho que esa versión de Los Girasoles estuvo colgada en sus paredes durante más de 10 años sin que nadie custionara su autenticidad, pero desde que se vendió a un precio astronómico han aparecido gentes empeñadas en demostrar que es falsa.
El cuadro se expondrá próximamente junto a las versiones del Museo Van Gogh de Amsterdam y la de la National Gallery en la sede del primero. Esa será la primera oportunidad de contemplar juntas las tres versiones de Los Girasoles, lo que, según el portavoz de la National Gallery, servirá para demostrar que la versión propiedad de la empresa Yasuda es auténtica.

8 de octubre de 2001

KOONS EN BILBAO
Llega a Bilbao el encargo realizado para la sede del Guggenheim de Berlín a Jeff Koons.
Son siete lienzos, "Facil diversión etérea" que están llenos de referencias surrealistas (René Magritte, Max Ernst o Dalí) de labios y ojos que flotan entre las escenas veraniegas de helados y frutas, con todas las connotaciones psicológicas que se quieran.
Un placer realizado con las más modernas tecnologías de la informática y en cuadros de gran escala que acompañarán a Puppy, que él mismo creó como imagen de la institución en España.

Comparado con Duchamp y con Warhol por su apropiación de los objetos de la vida diaria, Koons no los reubica como símbolos de un nuevo modo de hacer arte o como iconos de una nueva cultura.
Sus objetos rayan lo “cutre”, y con sus esculturas y pinturas no son dignificados en el sentido clásico del término.
Hijo de una generación imbuida totalmente en el bombardeo de la sociedad mediática, aprovecha los recursos e imágenes que esta le brinda para unirlos en espacios y situaciones imposibles que provocan la hilaridad.
Sus obras se caracterizan por el exceso tanto en la representación como en la escala. Su lenguaje recuerda directamente al utilizado en los anuncios y el marketing. Y él mismo se construye y se vende con estas herramientas.
Pero detrás de todo ello no hay únicamente un aprovechamiento y visión superficial del mundo.
Detrás de la risa fácil está ese propósito de conseguir hacer la vida más llevadera, dar una visión optimista que inspire a la confianza y la seguridad.
Sus fantasías dan un nuevo modelo de representación, y ante la crisis del mundo de los yuppies, Koons escoge lo que se encuentra en los límites de la baja cultura para revestirlo con nuevas galas y presentarlo en las más salas intelectuales de un museo.
Un desafío a lo convencionalmente “cómodo”, una manera más de provocar una convulsión o una reacción.

5 de octubre de 2001

LO NUEVO EN EL DISEÑO
El Espai d´Art Contemporani de Castelló presenta el proyecto “Un móvil en la patera. Diseñando el siglo XXI”, en el que se planea un recorrido por las nuevas formas de comunicación de lo que hasta ahora se ha entendido como diseño.
Los cambios operados en las formas de aprendizaje han repercutido en las distintas disciplinas del diseño, que cada vez comparten unas fronteras más difusas, tanto en el campo gráfico como en el objetual, terreno este último en el que la aparición de nuevos materiales, de nuevos usos y nuevas funciones, asociados a nuevas herramientas, ha provocado una nueva manera de entender la función.
Igualmente, en el campo de la creación gráfica, se han dado cambios sustanciales: la hipertextualidad, la deconstrucción, la interactividad, o la creciente importancia del ver u oir frente al leer, están generando un lenguaje y una sensibilidad distintas, azuzadas por la rápidez y la caducidad del medio, que tienen una fuerte influencia en el desarrollo futuro de la comunicación gráfica.

Este proyecto muestra el trabajo de diversos diseñadores que, partiendo de una formación “analógica”, han marcado las pautas del diseño mundial de los últimos años, estableciendo un paralelismo con el trabajo de jóvenes diseñadores emergentes.
David Carson, Tomato, Snowcrash, Martín Ruiz de Azua, Mit Media Laboratory, Kyle Cooper Imaginary Forces, Hector Serrano y Droog Design son los participantes en esta muestra, que pone de manifiesto como el diseño en la era digital vive momentos de intensísisma actividad, en los que no lidera ningún estilo ya que todos conviven.

4 de octubre de 2001

POST 11 SEPTIEMBRE
En un artículo que publica Ciberpaís diversos artistas digitales americanos reflexionan sobre el antes y el después del 11 de Septiembre.
Hay un enlace a un artículo interesante...Guerra sin ganadores...
PAPEL
Bajo el título”Matisse: Espítitu y sentido”, la Fundación Juan March inaugurará en su sede madrileña el próximo día 5 de octubre una selección de 123 obras sobre papel -acuarelas, pasteles, dibujos, gouaches recortados, linograbados y litografías-, realizadas por Henri Matisse.
El título de la muestra combina los dos conceptos de “espíritu” y “sentido”, a partir de la idea de Matisse de la necesidad de la interrelación de estos dos conceptos para la creación artística. De hecho, el montaje expositivo, estructurado en cinco grandes temas ( El circo, La pesadilla del elefante blanco, Ícaro, Formas y La Laguna ), pone de manifiesto la relación existente entre la fuerza del trazo creador del dibujo y la intensidad expresiva que nace del nuevo uso del color, aspectos técnicos esenciales en la obra del pintor francés.

3 de octubre de 2001

RESTOS HUMANOS
El castro del Chao San Martín, en Grandas de Salime, acaba de ofrecer a la arqueología castreña un hallazgo excepcional. Se trata de los primeros restos humanos que se localizan en un yacimiento de estas características.
Las costumbres funerarias de los habitantes de los poblados indígenas (castros), anteriores a la romanización, eran hasta ahora una incógnita absoluta. Historiadores y arqueólogos han buscado con ahínco algún indicio que permitiera desarrollar una teoría fiable sobre el destino de los muertos y las ceremonias funerarias. Vano intento.
Los restos de los difuntos nunca hasta ahora habían dado muestras de existencia.

La aparición en el castro del Chao San Martín ­uno de los yacimientos castreños asturianos en los que se ha podido documentar presencia indígena varios siglos antes de la llegada romana­ de una urna funeraria (cista) con restos óseos, entre los que se aprecia claramente un cráneo humano, abre nuevas expectativas al estudio de las costumbres de los astures y de la cultura castreña.
Los fósiles están en estos momentos pendientes de datación, a la espera de los resultados de los análisis a que están siendo sometidos. Por el momento ha sido una única tumba la que se ha podido estudiar, pero no se descarta la localización en ese contexto de una necrópolis, lo que constituiría un documento de vital importancia por lo inusual del hallazgo.

El castro del Chao San Martín tuvo un período de ocupación que pudo extenderse entre el siglo VIII antes de nuestra era y el siglo II. En este espacio de tiempo la ocupación no fue continua, pero se ha logrado demostrar que fue abandonado en torno al año 140. Las hipótesis más fiables apuntan a que en ese momento pudo ser destruido por un movimiento sísmico que derrumbó sus estructuras.

En estos momentos, los trabajos que se llevan a cabo en el castro están orientados a la reconstrucción ambiental y a la identificación de los acontecimientos acaecidos en la zona durante los siglos de ocupación. Se trata de buscar respuestas a los modos de vida de esos pobladores y a las relaciones comerciales que mantuvieron con otros pueblos.
Conocer el tipo de sociedad, el medio ambiente, las costumbres y las relaciones que se establecieron después con el pueblo romano son cuestiones relevantes no sólo para el estudio del yacimiento, sino para la arqueología europea.

2 de octubre de 2001

ESCULTURAS
La Fundación BSCH inaugura hoy “Rumbos de la escultura española en el siglo XX”, un recorrido por un siglo de creación escultórica, hasta la década de los ochenta, a través de la obra de 46 artistas y 69 piezas.
Estructurada en dos grandes secciones, Fracturas y La tradición revivida, la muestra pone de relieve la importancia de las figuras españolas en la innovación en este campo y la interrelación entre la corriente más racionalista y la figurativa realista.
Con piezas de importantes colecciones (el MNCARS, el Musée Picasso, el MNAC entre otros) encontramos obras de Picasso, Julio González, Gargallo, Acín, Miró, Oscar Domínguez, Chirino, Oteiza, Chillida, Juan Hidalgo, Nacho Criado, Susana Solano o Juan Muñoz entre otros.

Y en el Paseo de Coches de El Retiro se podrá contemplar las obras más recientes de nuestra escultura. Casi todas las obras presentes son del año 2000 o 2001, Miquel Barceló, Chillida, Solano o Manolo Valdés, son presentados de forma didáctica incitando al público del parque madrileño a acercarse al arte contemporáneo, ya que más que una exposición es una disposición de esculturas al aire libre.

1 de octubre de 2001

SENTIDOS
Se inaugura hoy en la PhotoGalería la exposición de Genín Andrada (Cáceres, 1963) "Regreso a los sentidos", una retrospectiva que incluye varias fotografías inéditas, especialmente de los trabajos sobre "América", y los dos últimos de "Costa da morte" y "El tiempo y la memoria", que podrán visitarse hasta el próximo 31 de octubre.

Genín Andrada es un creador de atmósferas. El color es el protagonista de sus instantáneas, que se basan en las sensaciones y sentimientos del creador ante lo que ve. Sus imágenes son capaces de convertirse en metáforas de su experiencia; muestran la realidad exterior contemplada desde dentro, pausadamente.
"Sida, entre el dolor y la esperanza" (1994) es uno de sus primeros grandes trabajos y el único realizado en blanco y negro. Se centra en las personas afectadas por el virus del VIH en Europa, en un periodo de alarma social en que los enfermos se hallaban aislados en los hospitales.
Desde 1995 y hasta 1999, "América" se convierte en su principal destino fotográfico. Es éste un lugar donde Andrada trabaja a gusto porque se siente identificado con su ritmo, más parejo con el ciclo de las estaciones que el nuestro.
En el año 2000, el autor se embarca en el proyecto "Costa da morte", un paisaje del que pretende retratar la riqueza que "escupe" el mar, y en el que la investigación sobre las texturas y el color se acentúa en estas obras, que pertenecen a una etapa aún más intimista, en la que utiliza el formato cuadrado.
También se enmarcan en esta última época las fotografías del libro "El tiempo y la memoria", basado en la infancia de Luis Landero, vivida en la zona de La Raya, entre Extremadura y Portugal.

28 de septiembre de 2001

HOMBRE Y NATURALEZA
La galería madrileña Garage Regium Arte comienza su nueva etapa expositiva con la muestra de la fotógrafa alemana Eva Leitolf. Hasta el 1 de noviembre, podrán contemplarse la quincena de fotografías que componen la exposición, todas ellas en color y montadas en metacrilatos.
En estas imágenes, Leitolf propone toda una declaración de principios sobre la relación del hombre (artista) y la naturaleza, y un diálogo entre lo artificial y lo natural... A primera vista, las fotografías parecen estar tomadas en plena fauna; una segunda mirada de los trabajos hace obvio que las imágenes son realmente reproducciones exactas de la naturaleza.
Sin embargo, un estudio más detenido de la vegetación y de los animales recreados en su ambiente natural revela las costuras anteriormente escondidas, puntos de pintura y otros materiales artificiales utilizados en la composición de las exposiciones en los museos de ciencias naturales.
Las sombras proyectadas por los animales disecados y los pájaros sobre un horizonte que en realidad es un paisaje pintado crean complejos de efecto hiperrealista.

26 de septiembre de 2001

EL DIARIO DE SHACKLETON
El 8 de agosto de 1914, dos años después de que Amundsen llegara al Polo Sur, Shackleton y su tripulación partieron desde Inglaterra hacia el mar de Weddell en la Antártida. Quería lograr su sueño: atravesar a pie toda la Antártida.
Tras hacer escala en Buenos Aires, sin haber llegado aún a la Antártida, el barco de Shackleton, el Endurance, se vio atrapado entre los témpanos. En enero de 1915, en el mar de Weddell, quedó el barco totalmente inmovilizado.
Durante meses, Shackleton y su tripulación permanecieron en el barco soportando temperaturas muy bajas, pero en octubre de 1915, los hielos rompieron el casco y el Endurance se hundió.
La tripulación logró salvar los botes y, durmiendo sobre témpanos, alimentándose de focas y arrastrando los botes, en agosto de 1916 llegaron a la isla Elefante, donde permanecieron 105 días hasta ser descubiertos.

Además de este viaje final, ya que Shackleton moriria en 1922, otras de sus expediciones fueron recogidas en un diario y otros archivos que ahora han sido comprados por el Instituto Scott de Investigación Polar, en Cambridge.
Como curiosidad, en la puja de los bienes de Shackleton, había una chocolatina Cadbury de hace unos 100 años, que le acompañó en su primera expedición a la Antártida durante el mítico viaje de Robert Scott entre 1901 y 1904.

arrastrando_bote

25 de septiembre de 2001

ALQUEVA, EL FIN CADA VEZ MAS CERCA
En el mes de Mayo ya comentamos aqui la construcción de la presa de Alqueva (entre Extremadura y Portugal) y la consiguiente "desaparición" de restos arqueológicos alli situados. Pues bien, después de los exhaustivos estudios realizados y mediando en este tiempo unas cuantas dimisiones a costa de la polémica inundación, no ha faltado la visita de los técnicos de la UNESCO.
Consecuencia inmediata: declaran que este yacimiento, del que ya se han datado más de 500 grabados en zona española y unos 300 en la portuguesa, debe ser considerado por su valor e importancia "Patrimonio de la Humanidad, como el David de Miguel Angel o la Gioconda", y se muestran a favor de, al menos, retrasar el llenado de la presa hasta que concluyan los estudios.

Dudamos muy mucho que la declaración de Patrimonio de la Humanidad llegue a tiempo y se evite asi la desaparición de los grabados; pero si que se podrian "salvar" con un traslado....una opción que aunque costosa seria ideal en este caso en el que casi todos están de acuerdo en la necesidad de la presa.

limpiando restos

24 de septiembre de 2001

ZURBARÁN A LA VENTA
La iglesia de Inglaterra tiene la intención de poner a la venta una serie de doce pinturas de Zurbarán (1598-1664); es la serie dedicada a "Jacob y sus doce hijos" que se encuentran en el palacio episcopal de Durham desde hace más de dos siglos y medio, aunque pudieron ser vistas por primera vez en la National Gallery en 1994, y un año más tarde en el 175 aniversario del Museo del Prado.

Las doce pinturas, de gran formato y delicada factura, retratan de cuerpo entero a Jacob y su hijos: Rubén, Simeón, Leví, Judá, Zabulón, Isacar, Dan, Gad, Aser, Neptalí, José y el "Benjamín" que completa la serie y que pertenece a una colección privada inglesa. La serie de Zurbarán sobre "Jacob y las doce tribus de Israel" fue creada en 1640 y se conservó en su totalidad en Inglaterra.
La leyenda apunta que probablemente las pinturas estaban destinadas a un convento americano, pero tal vez en el transcurso del viaje algún corsario incautara el tesoro pictórico y llegara así al Reino Unido. Se conoce que el lote fue adquirido en una subasta en 1720 por un comerciante llamado James Méndez, y que más tarde sus herederos venderían la serie por 14 libras al obispo de Durham en 1756.

Desde entonces, las doce obras han permanecido colgadas en el comedor episcopal, un espacio que hoy está abierto al público. La propiedad de las obras corresponde a la Comisión eclesiástica británica, que se encarga de los haberes y sueldos del clero inglés, y que en los últimos tiempos, se sabe que sus finanzas e inversiones no han sido muy buenas, razón por la que podrían tomar una solución definitiva sobre la posible venta de las piezas de Francisco de Zurbarán a finales de septiembre.

21 de septiembre de 2001

PUENTE ROMANO
Hace un año, durante las mareas vivas de septiembre, un vecino de la zona encontró en las marismas del rio Bidasoa los restos de un puente romano de madera localizado entre las islas Hiru Kanale y Galera, de Irún.
En febrero, la prueba del carbono 14 confirmó el origen romano de esta infraestructura de roble, datada en un periodo comprendido entre los años 80 y 200 d.C.
Aunque la localización se produjo hace un año, los investigadores de Arkeolan no han podido trabajar sobre los restos hasta esta semana, cuando la bajamar se encuentra en los mínimos del año. El agua ha dejado al descubierto 13 pilotes en cada orilla, los que sustentaban el puente. Están separados unos de otros por una distancia de medio metro, lo que permite aventurar cuáles serían las dimensiones de esta estructura sobre el Bidasoa. Se estima que el puente tenía una anchura de 6,5 metros y una longitud mínima de unos 100 metros.
Los trabajos de investigación de los restos del puente revelan que fue uno de los más importantes de la arquitectura romana en Europa. Hasta ahora, sólo existían referencias de puentes de estas características en el Danubio y el Támesis.

El hallazgo confirma la existencia de un paso estable por los Pirineos y una calzada romana que, procedente de Burdeos, enlazaba con la del Mediterráneo a través Oiasso, nombre con el que se conocía a Irún en la época romana, y de la que aún existen restos en la zona de los lagos de la localidad francesa de Arcachon. Este puente sobre el Bidasoa enlazaba toda una red radial de comunicaciones que confluían en Irún y en Hendaya, y que conectaba con Bayona, París y las principales calzadas romanas de la península. Además, hay constancia de la utilización de esta estructura sobre el río hasta el siglo XV.

restos puente romano
PRINCIPIOS PARA UN MILENIO
La "Capilla del Milenio" es el nombre que recibe la intervención artística que Cristóbal Gabarrón ha realizado en la capilla de las Salinas de Medina del Campo.
La inspiración ideológica de esta creación se ha basado en los principios que inspiraron la Cumbre del Milenio, celebrada en septiembre del año 2000 en la sede de la ONU en Nueva York. La obra de Cristóbal Gabarrón fue elegida entonces como imagen emblemática de esta reunión.
Ha realizado en la capilla un extenso programa iconográfico plasmado en 490 metros cuadrados de superficie mural, en él que se hace referencia al ciclo vital de cualquier ser humano, además de a los conceptos de Paz, Solidaridad, Tecnología, Educación, Libertad, Humanidad, Naturaleza, Tolerancia e Igualdad.
También tienen cabida en él hechos históricos fundamentales de los dos últimos milenios, descubrimientos científicos, inventos técnicos y acontecimientos políticos.

20 de septiembre de 2001

EL ESCORIAL VIRTUAL
Dentro del proyecto "Reconstrucción en realidad virtual de los reales Sitios", comprendido en el programa "Ars Virtual", hoy se presenta en el Aula Magna del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial la página de Internet correspondiente a este monumento.
Este programa permitirá visitar a través de la red todos los palacios y monasterios que administra el Patrimonio Nacional y otros monumentos religiosos, como las catedrales de Cuenca, Palma de Mallorca, Valencia, Oviedo y el Palacio Real de Madrid.
Hay varias opciones para la visita virtual: guiada, libre, rápida y privada ( esta última quizás es la más interesante para los que ya conozcan los monumentos); y también se puede escoger entre calidad media y alta de las imágenes.

En fin, no voy a decir que no me gusta esta iniciativa "virtual", porque si me gusta...aunque el plugin "interruptus" nada más comenzar la visita me bajó un poco el nivel de adrenalina, y es que la idea de recorrer el Escorial a fondo es siempre tentadora ; pero vamos que si pasaran todo el proyecto a un cd y los de Telefónica me lo enviasen como regalo las próximas navidades no tendria ningún inconveniente.
Pero vamos, que si, que la visita virtual merece la pena...siempre queda algo por descubrir.

18 de septiembre de 2001

S.O.S. Lo nuevo de Txomin Badiola
Badiola (Bilbao, 1957) es un investigador infatigable. Primero abandonó la pintura por la escultura, con presupuestos heredados del constructivismo y de Oteiza, para pasar después a explorar las posibilidades de la fotografía y el video.
A través de estos medios presenta una continúa reflexión sobre el significado del arte, la política y la comunicación actual, que sorprenden, como lo hicieran en LM&SP (un hombre de poca moral y algo de persuasión) (1998) con un bombardeo constante de imágenes de la violencia en el País Vasco que cuestionaban los signos de identidad nacionalistas.
Se formó en la escuela de Bellas Artes de Bilbao y tras vivir en la década de los noventa en Londres y Nueva York, en 1998 vuelve a su ciudad natal, en la que actualmente reside y trabaja.

Desde el 11 de septiembre al 13 de octubre de 2001, en la galería Soledad Lorenzo de Madrid presenta sus últimas obras en forma de cuatro pabellones que son los cuatro fragmentos de una misma historia. Mezclando la escultura, el video y la fotografía en estructuras que gozan de movilidad propia, el significado se construye, o “des-construye”, en cada mirada del público.
“SOS”, socorro, es el mensaje primero y último que da la instalación.
Badiola se centra en los problemas expresivos de la escultura y de la construcción de significados en el lenguaje en general.

La presentación de Badiola transmite la sensación de abatimiento e imposibilidad de una comunicación verdadera y que refleja en su introducción escrita: La escultura es un paradigma ya que pretende hacer material un discurso que es imposible de atrapar: “Por encima de todo se trata de subrayar el ideal moderno de totalidad formal mediante la imposibilidad de conseguirlo”, Jameson; los signos que articulan el mensaje son alegorías de lo que realmente se quiere expresar: “La expresión verdadera oculta lo que manifiesta”, Artaud; estos signos además son arbitrarios dependiendo de la lectura del receptor del mensaje: “... es el Otro descentrado quien decide el verdadero significado de lo que hemos dicho”, Zizek; por último la tendencia del hombre a articular su verdad por medio de una mentira, concepto totalmente freudiano: “Hay algo profundamente subversivo en no querer expresar nada”, Debray.

Ambigüedad continua del sin sentido contemporáneo, la imposibilidad de conseguir lo que se quiere y ser consciente de ello.
Un discurso filosófico – psicológico, que finalmente es un grito de angustia ante los problemas del artista actual: la validez o no de los medios creativos en sí mismos y la alineación de la sociedad que le rodea. Una invitación a la reflexión y a “establecer un contacto”.
 Badiola_SOS

Nada que merezca la pena estará allí donde lo buscas/ Nothing worth finding will be where you look for it. 2000-01
construcción en madera y metal, video. 210 x 244 x 350 cms.

17 de septiembre de 2001

PATRIMONIO INDUSTRIAL
El Instituto del Patrimonio Histórico Español ha anunciado su intención de desarrollar un "Plan Nacional de Patrimonio Industrial", similar al ya desarrollado sobre catedrales. El responsable de este instituto señaló la necesidad de conservar los paisajes industriales que, en muchos casos, forman una parte importante de nuestra historia, como es el caso de la cuenca minera de Asturias o de la margen izquierda del Nervión.

Este Plan se iniciaría con la preparación de un inventario del patrimonio industrial español, realizándose más tarde las actuaciones necesarias en cada una de las comunidades autónomas, diez de las cuales ya han mostrado su apoyo al proyecto. La intención de este programa es conservar no sólo las estructuras externas de los edificios industriales, talleres o factorías, elegidos, sino mantener también su maquinaria, de manera que se pueda mostrar a las próximas generaciones la realidad cotidiana de la industria en España

16 de septiembre de 2001

PLAZA DEL CASTILLO
El asentamiento romano de Pamplona entre los siglos I al IV no solamente ocupó la parte alta de la ciudad (el actual barrio de la Navarrería) sino que se extendió por la Plaza del Castillo. Los restos arqueológicos encontrados en las excavaciones del parking (cerámicas, monedas, sellos y muros) han confirmado una hipótesis que los expertos habían barajado.
Los estratos romanos se han localizado inicialmente en algunas de las trece catas realizadas por el equipo arqueológico del Gabinete Trama en la Plaza del Castillo. Se trata en concreto, según explicó Corpas, "de varios fragmentos de cerámica correspondientes a materiales de cocina, una moneda, varios huesos trabajados en un taller y restos de muros que podrían corresponder a zonas de habitaciones".
LA OTRA CIUDAD ROMANA
"Hay una tendencia generalizada a simplificar la historia por sus personajes, por sus hechos de armas y por el paisaje donde suceden. Lo demás, es decir, casi todo, no son sino sombras y oscuridad. Así con la Pamplona romana. Aquella ciudad recreada por Pompeyo sobre un poblado anterior de los vascones se ciñe a la guerra de Roma contra Sertorio, a la presencia del procónsul Pompeyo para combatir al levantisco, a una situación geoestratégica excepcional del promontorio sobre el río Arga, y a una ciudad que comienza a urbanizarse siguiendo las reglas madres de todos los campamentos militares de las legiones romanas. Y por ahí, de
tanto oírlo a nuestros avezados historiadores, hemos decidido que la Pamplona romana se extendía únicamente por donde la actual Navarrería siguiendo la trama de cruz conformada por las calles Dormitalería y Merced (norte-sur) y la calle Curia (este-oeste).

Y ahora resulta que en esos sondeos arqueológicos que se están llevando en la Plaza del Castillo, apenas a una uñada del subsuelo, aparecen restos de otra vieja ciudad romana de Pamplona. De tanto contemplar el brillo de cascos y armaduras, de tanto sopesar la fe y el esfuerzo de las lanzas guerreras, de tanto aturdirnos por el paso acompasado y fiero de los ejércitos, de tanto imaginarnos el trasiego y magnificencia del foro romano en lo que hoy es atrio de la catedral, nos hemos olvidado de las otras gentes que acompañaban a los ejércitos. Gente sin nombre y sin historia, gente extramuros de empalizadas y murallas; gente, por lo que ha aparecido, afincada en los terrenos de la Plaza del Castillo, lejos de la suntuosidad de la ciudad romana de la Navarrería.

Seguro que por esos laberintos de historia no aparecerán mármoles ni baños termales, ni vasijas de firma, ni mosaicos o columnas. En la tierra exterior, en la tierra de nadie, florecerán aromas de truhanes y mercachifles, de ganapanes y vendedores de humo. Asomarán aromas de mujeres de precio, de bribones y pícaros y de toda esa intendencia que vivía de los negocios oscuros y de las monedas de las gentes de armas. Aromas, me temo, que no caben en los museos. Y como aparecieron, también me temo, volverán a ser enterrados para los restos."
José A. Iturri

14 de septiembre de 2001

TARRACO
La muestra “Tarraco, puerta de Roma” se inaugura hoy en el Centro Cultural Fundación "la Caixa" de Tarragona. Se han reunido 150 obras procedentes de diversos museos de Europa y también de numerosos museos españoles, como los arqueológicos de Sevilla, Córdoba, Mérida y Madrid, y se propone una visión de conjunto de la historia de Tarragona, desde la conquista romana en el siglo III a.C. hasta la transformación en gran metrópolis, capital de la Hispania citerior, en tiempos de Augusto; y desde la estancia de Adriano en el año 122 d.C. hasta el siglo III, cuando Tarraco vivió sus últimos momentos de esplendor bajo el mandato del emperador Diocleciano.
La exposición se ha dividido en cuatro grandes ámbitos. El primero presenta las fases iniciales de la romanización de la península Ibérica. Para ilustrar esta época, se expondrán algunos de los elementos ornamentales romanos más antiguos que se han encontrado, los elementos de la romanización de finales del siglo III a.C. y los ejemplos de asimilación y resistencia de los pueblos indígenas ante la romanización. Pertenecen a esta época piezas como la inscripción cancelada dedicada originariamente a Pompeyo y el fragmento en forma de placa en honor al patrón de la ciudad, Domicio Calvino, mano derecha de César.

Un segundo apartado de la exposición, situado cronológicamente entre mediados del siglo I a.C. y finales del siglo I d.C., partirá de la etapa cesariana y de la conformación de Tarraco como colonia. En esta época Tarraco alcanza dimensiones enormes y desde ella se planifica la organización de Hispania. El emperador Augusto, que residió en Tarraco en dos ocasiones diferentes, desde donde gobernó el Imperio, es la figura clave de esta ciudad. También es importante la figura de Vespasiano, ya que durante su reinado se inició la gran reforma urbanística de la parte alta de la ciudad, siguiendo el modelo del Foro de Augusto, en Roma. En este segundo episodio, Tarraco, además de ser la capital de un conventus (Tarraconensis) y de una provincia (Hispania citerior), administraba un inmenso territorio y poseía una enorme diversidad tanto en los aspectos físicos como en las realidades sociales.

En un tercer periodo se encuentra la Tarraco del s. II d.C. En el año 122-123, el emperador Adriano pasó allí el invierno; en esta época convocó en la ciudad un importante concilium provinciae. Entretanto, Tarraco era una ciudad abierta al Mediterráneo, con una intensa actividad comercial. Son unos años de relaciones internacionales, en las que destacan la importancia de su puerto, la explotación agrícola de las villas y el aumento de población procedente sobre todo de Zaragoza y de otros puntos del Imperio romano occidental.

Por último, se ofrecerá una visión de Tarraco en la antigüedad tardía, como una ciudad viva pero en una etapa de profundos cambios y transformaciones urbanísticas y sociales. Entre los siglos III y V se consolidan los contactos con el norte de África y el Mediterráneo oriental.

Tarraco fue una emergente ciudad abierta, gracias a su puerto, a todo el Mediterráneo, desde la que se organizó la romanización peninsular, y por la que pasaron figuras fundamentales como Augusto o Adriano, cuya domus se reconstruye en el montaje. Se incluyen entre las piezas más destacadas la recientemente descubierta estatua de Vespasiano, perteneciente al museo croata de Split, nunca expuesta hasta ahora, junto a sarcófagos, mosaicos, ánforas y bronces.